![\"\"](\"http:\/\/morningfog.de\/wp-content\/uploads\/2014\/10\/abc.jpg\")
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![\"aerial02\"](\"http:\/\/morningfog.de\/wp-content\/uploads\/2015\/11\/aerial02.jpg\")
<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\nMit dem Song \u201eAerial\u201c bricht endg\u00fcltig die Morgend\u00e4mmerung, die sich gegen Ende des Songs \u201eNocturn\u201c in einem orgiastischen Chor als eine Form spiritueller Sonnengru\u00df im Viervierteltakt angek\u00fcndigt hatte, \u00fcber das Land herein. Wie der Name schon verr\u00e4t, handelt es sich um ein romantisch inspiriertes \u201eNachtst\u00fcck\u201c in Cis-Moll. Die erste H\u00e4lfte der Nachtmusik besteht aus langgezogenen, vom Metrum befreiten, \u00e4therischen Rezitativen der Zauberin (\u00fcberwiegend in Sekund- und Terzschritten voranschreitend), w\u00e4hrend im Schlusschor ein letztes Mal die beschw\u00f6rende Kraft des Kollektivs zum Zuge kommt. Harmonisch findet ein spannungsgeladenes Wechselspiel zwischen Cis-Moll und A-Dur als Grund-, Sept-\/ oder Nonakkord statt. Hier beginnt nun auch die rituelle Transformation (Selbstver\u00e4nderungsprozess), die anhand von Victor Turners Ritualtheorie eingehender beleuchtet werden kann. Typisch f\u00fcr musikalische Szenen dieser Art ist, dass sich die Melodik der Ch\u00f6re aus sehr einfachen, rezitativen Elementen zusammensetzt.
Auf der Textebene wird deutlich, dass der Ort am Horizont, an dem sich Meer und Sonne treffen, als Geburtsst\u00e4tte des Feuerballs gedeutet wird. Die goldene F\u00e4rbung des Wassers und des Himmels bzw. das Zusammenflie\u00dfen dieser beiden Sph\u00e4ren wird mit dem Bild des Honigs, dem Futtersaft der Bienen, verglichen. Somit wird \u2013 wie bereits in \u201eThe Painter\u2019s Link\u201c auch \u2013 die flie\u00dfende, zyklische Geburt der Sonne aus dem Meer des unendlichen Kosmos zum sakralen Kontext eines rituellen, k\u00f6rperlichen Fruchtbarkeitsfestes erhoben.
Die Chorpassage aus \u201eNocturne\u201c stellt innerhalb von \u201eAn endless sky of honey\u201c eine Grenzsituation dar. Sie vertont den Moment zwischen Nacht und Tag, zwischen Schlafen und Erwachen (hier werden im Zuh\u00f6rer\/Zuschauer nat\u00fcrlich auch Assoziationen von Leben und Tod erweckt). Wenn mit einem lauten Tutti des Instrumentalsatzes auch der Chor in Takt 156 auf der Grundstellung von Cis-Moll endet, beginnt bereits das minimalistische Streichermotiv der Verwandlungsszene aus \u201eAerial\u201c.
\u201eAerial\u201c kann als fulminanter H\u00f6hepunkt des zweiten Aktes bzw. der zweiten Seite des Doppelalbums betrachtet werden und spaltet sich auch in seiner Form als stampfender Tanz im Dreivierteltakt rhythmisch von den zuvor oftmals sehr lyrischen Szenen des zweiten Aktes ab. Das Textzitat \u201eThe song must be sung\u201c macht die Notwendigkeit einer dionysischen, musikalischen Beschw\u00f6rung deutlich. Das eintaktige Begleitmotiv besteht die ersten 26 Takte lang lediglich aus pendelnden Achtelnoten zwischen den Harmonien Cis-Moll-7 und Cismoll-9, w\u00e4hrend der Bass in hoher Lage und auf Viertelebene folgende viertaktige Wellenlinie zeichnet: e\u2019 e\u2019 d\u2019\/ cis\u2019 cis\u2019 d\u2019\/ e\u2019 e\u2019 d\u2019\/ cis\u2019 cis\u2019 d\u2019\/.
Immer im zweiten Takt wird auf Schlag drei\/Ton d\u2019 ein rhythmischer Akzent gesetzt. Die ungew\u00f6hnliche Betonung des Dreivierteltaktes geht mit der R\u00fcck-Verwandlung der Zauberin zum Vogel einher und versinnbildlicht, dass auch auf der rhythmischen Ebene nichts so ist, wie es zu sein scheint. Die Welt steht Kopf. St\u00fcck f\u00fcr St\u00fcck wachsen ihr und der Band w\u00e4hrend der endlosen Kreist\u00e4nze lange Schn\u00e4bel und Fl\u00fcgel. In den folgenden Worten des Theaterwissenschaftlers Friedemann Kreuder wird veranschaulicht, welch bedeutende, theatrale Rolle der Maske innerhalb des Rituals zukommt. Wenn sich die Zauberin und ihre Gef\u00e4hrten mit Vogelmasken und Federn schm\u00fccken, so findet aus Sicht des Rituals tats\u00e4chlich eine reale Verwandlung statt. Durch die Verwendung der Masken wird aber auch die psychologische Tiefenstruktur solch komplexer Rituale sichtbar.<\/p>\n\n\n\n
\u201eIn afrikanischen Sprachen gibt es zumeist kein Lexem, das sich w\u00f6rtlich mit \u2018Maske\u2019 \u00fcbersetzten lie\u00dfe. \u00c4hnlich wie das altlateinische Wort \u2018larva\u2019 im Sinne von \u2018Gespenst\u2019, \u2018Spukgestalt\u2019 oder \u2018d\u00e4monische Verkleidung\u2019 wird die \u2018Maske\u2019 durch das bezeichnet, was sie angeblich repr\u00e4sentiert: als Geist, Ahnengeist, Vorfahren oder als Tote u.\u00c4. Ritualmasken eignet eine thanatologische Dimension, indem sie Beziehungen herstellen, zwischen den Lebenden und den Verstorbenen einer Gesellschaft oder denjenigen Geisterwesen, die auf die Lebenden heilbringend einwirken sollen. Die Maske assimiliert den Tr\u00e4ger mit demjenigen, was sie versinnbildlicht und verleiht ihm aus der Sicht der Teilnehmer am Ritual auch dessen Wirkungskraft\u2026 mit der Maske verband sich traditionell ein lebloses Objekt mit einem lebendigen K\u00f6rper, traf anorganische Natur auf organische. Von daher ist die Maske Ausdruck unserer Doppelnatur als Verbindung von Natur und Kultur.\u201c <\/em>(1)<\/p>\n\n\n Aus den Baumwipfeln sind bedrohliche Vogelschreie und wildes Fl\u00fcgelschlagen zu h\u00f6ren. Im Zuschauerraum regnet es Federn. Durch die unerm\u00fcdliche Wiederholung entsteht ein brodelnder, nahezu neurotischer, zwanghafter Charakter, der das Aufgehen der Sonne krampfhaft erzwingen will. In Takt zehn setzt dann die lallende Stimme der bereits ekstatisch ums Lichtfeuer spukenden Zauberin ein. In diesem letzten Teil des zweiten Akts wird deutlich, wie eng Psyche und Soma im rituellen Geschehen ineinander verschr\u00e4nkt sind. Das sich nun anbahnende, orgiastische Ausbrechen aus den allt\u00e4glichen, sozialen Strukturen wird in Form eines ungez\u00fcgelten Balztanzes gen Sonnenaufgang verwirklicht. 1: Kreuder, Friedemann: Maske . In:Theatertheorie. Stuttgart, 2014, S.204.<\/p>\n\n\n\n Kommentare<\/a><\/p>\n\n\n\n Eine Minute und zwei Sekunden lang ist Aerial Tal<\/em> vom Album Aerial<\/em>. Nur einige Akkorde, Vogelstimmen echt und mitgesungen, kein Text. Kann dar\u00fcber \u00fcberhaupt ein inhaltsreicher Beitrag geschrieben werden? Ich machte mich an die Arbeit, tauchte ein, stellte mir Fragen zum Song, die offenbar kaum einer bisher gestellt hatte und \u2026 ein Abgrund tat sich auf! Mein Nachdenken f\u00fchrte auf Dinge, die ich noch nirgendwo dazu auch nur ansatzweise gelesen habe! Das wird was ganz Neues, seid gespannt! Reiner 4\/4-Takt herrscht, es geht ohne Ablenkung voran. \u201eChirpily!\u201c steht als Spielanweisung da. Notiert ist das mit vier Kreuzen, es ist wohl ein E-Dur. Das Klavier spielt eine konstante Akkordfolge aus Achteln, die sich in jedem Takt zweimal wiederholt. Nur am Anfang und am Schluss des Songs fehlt diese Akkordfolge. Die Akkorde werden laut Partitur mit Pedal gespielt, das l\u00e4sst die Akkorde miteinander verschwimmen. Die Akkordfolge (das \u201ePattern\u201c) sieht so aus: E-Gis-H-Dis \/ Gis-Cis-E \/ Gis-Dis\/ E. Das sind der E-Dur-Akkord erg\u00e4nzt um die gro\u00dfe Septime, der cis-Moll-Akkord (nicht in der Grundstellung), eine Quinte und als Einzelton der Grundton von E-Dur. Es sind alles T\u00f6ne aus der E-Dur-Skala, von Akkord zu Akkord verringert sich die Anzahl der T\u00f6ne im Akkord. Dar\u00fcber erheben sich jedes mal anders in der rhythmischen Gestaltung und an anderer Position die Vogelgesangimitationen parallel zum Amselgesang, es ist ein richtiger Zwiegesang. Die erste melodische Phrase ist noch reiner Vogelgesang. Die Amsel macht die Einleitung, der Mensch nimmt das auf. Auch vor dem Klavier-Pattern erklingt Amselgesang. Das Pattern scheint auf den Gesang des Vogels zu reagieren. Am Ende (es beginnt zum Pattern, endet dann ohne) h\u00f6ren wir einen weiteren Vogel, die Taube, erst echt, dann nachgesungen. Laut Songbook ist der Text \u201ea sea of honey, a sky of honey\u201c, das ist aber eigentlich nicht zu verstehen. Es passt aber vom Rhythmus her. Es gibt im Song keinen Text. Endlich mal ein Song, in dem man den Text nicht analysieren braucht, so k\u00f6nnte man denken. Aber Moment: es gibt die \u00dcberschrift. Was bedeutet die? Die Biographen schweigen sich dar\u00fcber aus. Auch sonst findet sich nirgendwo ein Hinweis. War diese Frage zu schwer zu beantworten? Fragen \u00fcber Fragen und keine Antworten. Ich werden versuchen, ein stimmiges Gesamtbild zu entwickeln. Das Bush-Forum [4] ist die einzige Quelle, in der auf diese Fragen wenigstens ansatzweise eingegangen worden ist. Die Menschen dort sind wirklich gut und sympathisch (leider ist kaum noch Aktivit\u00e4t da). \u201etoriah\u201c warf eine wichtige Frage auf: \u201eund nochmal werfe ich die frage in den raum: was bedeutet \u201etal\u201c ? dieses wort scheint es im englischen nicht zu geben, jedenfalls konnte ich noch keine \u00fcbersetzung daf\u00fcr finden. und mein englisch ist ziemlich fliessend..\u201c. Von \u201ekillerstorm\u201c kam die Idee, dass dies vielleicht ein indisches Wort sein k\u00f6nnte: \u201eThe tal is the basic meter of all classical music in India.\u201c [4] Schauen wir uns diese Idee einmal genauer an. Was hat es mit der Amsel auf sich? In nahezu allen Kulturen werden V\u00f6gel als Darstellung der menschlichen Seele gesehen. In der Mythologie sind V\u00f6gel oft Gl\u00fcck bringende Erscheinungen. Bereits im Altertum verk\u00f6rperten sie die menschliche Seele, die im Augenblick des Todes aus dem K\u00f6rper tritt und davonfliegt. Auch in der christlichen Kultur gilt der Vogel als Sinnbild der Seele. Er erscheint auf Darstellungen Marias mit dem Kinde, in denen das Christuskind einen Vogel in der Hand oder an der Leine h\u00e4lt [8]. V\u00f6gel sind also ganz allgemein Symbole des \u00dcbergangs der Seele. [1] \u201eAlle V\u00f6gel sind schon da\u201c. Interview mit Michael Loesl. Der Standard. 15.11.2005. Vom ersten H\u00f6ren an hat mich dieses Lied in seinen leisen Bann gezogen. Es ist ein sehr inniges und zur\u00fcckhaltendes St\u00fcck, intim, voll mit Emotionen der Trauer, bildgewaltig, wunderbar und zerbrechlich. Hier werden Gef\u00fchle offengelegt und mit dem Zuh\u00f6rer geteilt, in jeder Note, in jedem Wort. Zuerst wird die versunkene Stadt geschildert, mit ihren Tr\u00fcmmern und ihren Relikten, in versunkene Netze eingeh\u00fcllt, wie von Spinnweben \u00fcberzogen (\u201ecovered in webs\u201c), mit den vielen Menschen, die hier lebten. Ganz zart, bewegend und zur\u00fcckhaltend kommt dann der \u00dcbergang zur Vergangenheit und zur Erinnerung: \u201cPut your hand over the side of the boat. What do you feel?\u201c. Eine innehaltende Pause, die Hand taucht ein in das Meer des Vergessens und die verstorbene Mutter ist wieder da, die Mutter in der K\u00fcche, ihr Krug und ihr kleines Lied \u00fcber diesen Krug, ihre Stimme. Eine m\u00e4nnliche Stimme wiederholt das kleine Lied, wie eine weitere verwehte Stimme aus der Vergangenheit (oder wie ein Echo eines anderen Familienmitglieds?). Mitten in der Erinnerung das wehm\u00fctige, verlorene \u201eho ho ho, hee hee hee\u201c \u2013 hier h\u00f6rt man in jedem Ton die versteckten Tr\u00e4nen. Die Erinnerung (\u201eSpider of Time\u201c) kriecht aus einem Krug wie eine kleine Spinne, gut verborgen, immer da, \u00fcberall kann sie sich verbergen. Sie f\u00e4ngt uns in ihren Netzen. Die zarten Spinnweben \u00fcber der versunkenen Stadt erkl\u00e4ren sich. Aber die Vergangenheit ist vorbei und kann nie mehr wiedererstehen, der Krug f\u00e4llt und zerbricht. Hier ist der Schmerz in der Stimme und in der Melodie fast k\u00f6rperlich sp\u00fcrbar. Das Unfassbare wird begreiflich. (1) Clemens Zerling, Wolfgang Bauer: Lexikon der Tiersymbolik; M\u00fcnchen 2003; S.291 Kommentare<\/a><\/p>\n\n\n\n Jede(r) kennt das: Man wei\u00df in einer bestimmten Situation, dass man Liebe h\u00e4tte geben sollen, aber es war einfach nicht m\u00f6glich. Dieser Schmerz \u00fcber nicht angekommene, nicht zu erwidernde, verpasste, fehlgeleitete, verlorene Liebe trifft den, der sie nicht geben kann, vielleicht sogar am meisten. Aus diesem Schmerz hat Kate Bush einen ihrer \u2013 zumindest f\u00fcr mich \u2013 intensivsten Songs gemacht. Kate umarmt verschiedenste musikalische Stilistiken von Klassik \u00fcber Jazz bis Experimentalpop und baut eine ihrer unvergleichlichen Klangcollagen zu einem bewegenden Klagegesang. Kommentare<\/a><\/p>\n\n\n\n Diesem Song n\u00e4here ich mich ein bisschen mit Ehrfurcht. Er geh\u00f6rt zu meinen absoluten Lieblingsliedern von Kate Bush. Zudem stammt er vom Album \u201eNever For Ever\u201c, das mich damals endg\u00fcltig f\u00fcr Kate Bush gewonnen hatte. \u201eAll We Ever Look For\u201c ist wahrscheinlich nur Insidern bekannt, was ich sehr schade finde. Ich bewundere seine \u201eabrupte Gro\u00dfartigkeit\u201c [1] und seine Thematik: der Song setzt \u201esich mit den W\u00fcnschen und Bed\u00fcrfnissen auseinander, die sich von einer Generation zur n\u00e4chsten wandeln\u201c [1]. Nicht nur die Thematik ist interessant, sondern auch die musikalische Gestaltung. Das Fairlight, ein Synthesizer, wird auf diesem Track mit gro\u00dfer Wirkung eingesetzt, viele Soundsamples werden integriert. An einer Stelle singt eine Gruppe von Hare-Krishna-Anh\u00e4ngern das \u201eMaha-Mantra\u201c, wobei Kate einen winzigen Teil einer Zeile aus diesem Mantra verwendet: Krishna, Hare Krishna\u201c \u2013 \u201ea God\u201c. Es folgen Vogelgezwitscher \u2013 \u201ea Drug\u201c \u2013 und schlie\u00dflich Applaus \u2013 \u201ea Hug\u201c [2]. Diese Samples erklingen zu den Ger\u00e4uschen einer Frau, die \u00fcber einen Fu\u00dfboden geht und T\u00fcren \u00f6ffnet, hinter denen diese T\u00f6ne warten. Es gibt keinen Text dazu. Die eben hinzugef\u00fcgten assoziierten Worte \u201eGod\u201c, \u201eDrug\u201c und \u201eHug\u201c werden erst in der anschlie\u00dfenden Coda gesungen. Wir alle streben nach einem Ideal, einem \u201eGott\u201c, auch dies f\u00fchrt Kate Bush n\u00e4her aus. \u201eBelief is motivation, and without that you don\u2019t do anything. I mean, if your \u201aGod\u2018 is to have a husband and children, and you actually fulfill that\u2026 Many people don\u2019t see the thing they love and believe in as \u201aGod\u2018. Most of us aren\u2019t happy, really, and it\u2019s only because our God isn\u2019t complete.\u201c [5] Es ist schon au\u00dfergew\u00f6hnlich, dass sich Kate Bush so ausf\u00fchrlich zu dem \u00e4u\u00dfert, was sie mit einem Song ausdr\u00fccken wollte. Das Thema schien ihr wirklich eine Herzensangelegenheit gewesen zu sein. Aber es ist ein Thema, das uns alle jeden Tag betrifft. Wir sind mit den Erwartungen anderer Menschen und unserer Familie (an uns) konfrontiert, das beeinflusst uns. Wir haben Erwartungen an uns selbst, streben nach einem Ziel. Wir sind st\u00e4ndig auf der Suche, \u00f6ffnen alle m\u00f6glichen T\u00fcren \u2013 aber sind es die richtigen? Und wir schaffen es meist nicht, uns dar\u00fcber klar zu werden und es uns einzugestehen. E-Dur steht f\u00fcr die Sph\u00e4re der Erwartungen, der W\u00fcnsche, der Suche. Beckh meint zu dieser Tonart, sie \u201ehat die Helligkeit einer ganz anderen Welt, einer Welt der Tr\u00e4ume, des Dichterischen, der h\u00f6heren Bilderschau, in der wir der gew\u00f6hnlichen Tageswelt g\u00e4nzlich entr\u00fcckt sind\u201c [4]. Zugleich ist sie eine Tonart der Herzensw\u00e4rme, der Herzensinnerlichkeit, der Liebesw\u00e4rme [4]. Kate Bush schaut offenbar liebevoll und mit Verst\u00e4ndnis auf die Erwartungen anderer Menschen. Aber sie hat auch keine Illusionen, Erwartungen sind Tr\u00e4ume, sind nichts aus der gew\u00f6hnlichen Tageswelt. Aber nach dem zweiten Chorus geht der Song weiter, wir kommen in eine Phase der Verarbeitung. Der \u00dcbergang zur Coda ist rein instrumental mit den sich \u00f6ffnenden T\u00fcren. Die Protagonistin probiert neue Wege aus. Wie oben schon geschrieben gibt es hier keinen Text. Dieser \u00dcbergang beginnt kurz im Es-Dur der Realit\u00e4t. Hier sind wir nach dem zweiten Chorus wieder angekommen. Dann aber wandelt es sich schnell in eine ganz neue Tonart, das es-Moll. Unser positives Es-Dur hat sich eingedunkelt. Die eigentliche Coda beginnt mit \u201eAll we ever look vor\u201c in es-Moll und geht auch so weiter, mit Ausnahme des letzten Satzes. Der ist wieder in Es-Dur: \u201eBut we never do score.\u201c Rein instrumental geht es dann in Es-Dur dem Ende zu. Dies ist definitiv einer der ergreifendsten Songs von Kate Bush. Among Angels<\/em> ist der Schlusstitel ihres Albums \u201e50 Words for Snow\u201c, ihres zweiten Albums von 2011. Wie viele St\u00fccke dieses Albums zeigt er uns Kate Bush am Klavier, wieder einmal stellt sie die F\u00e4higkeiten zur Schau, die sie als Teenager entwickelt hatte. Aber insbesondere in diesem St\u00fcck zeigt sich, welche Entwicklung sie seither in diesen Jahren gemacht hat, zu welcher Reife sie gelangt ist. Dieses karge, ergreifende Liebeslied an einen bedr\u00e4ngten, geliebten Menschen hat nichts mit Schnee zu tun, dem zentralen Thema des Albums. Es passt aber perfekt als Coda zur Atmosph\u00e4re dieses Albums voller glitzernder, winterk\u00fchler und \u00fcbernat\u00fcrlicher Tr\u00e4umereien. Als einziger live gespielter Song dieses Albums war er Teil von Kates Zugabe w\u00e4hrend der Before The Dawn<\/em>-Konzerte, eine Live-Aufnahme wurde Ende 2016 auf dem gleichnamigen Konzertalbum ver\u00f6ffentlicht. Er war auch die B-Seite der Lake Tahoe<\/em>-Picture-Disc, die zum Record Store Day 2012 ver\u00f6ffentlicht wurde [1]. Bei ihren Before The Dawn<\/em>-Konzerten war Among Angels<\/em> das einzige St\u00fcck, das Kate Bush allein auf der B\u00fchne spielte, was zur Intimit\u00e4t des Songs beitrug. Among Angels<\/em> ist ein Song, der von einem Gef\u00fchl der Einsamkeit und der Suche nach Trost und Erl\u00f6sung handelt. Er handelt von der Verzweiflung, die wir empfinden, wenn wir uns an einem dunklen Punkt unseres Lebens befinden. Wir vergessen die Menschen, f\u00fcr die wir uns wichtig sind, die uns immer zur Seite stehen. Kate Bush nennt diese Personen die Engel. Das k\u00f6nnte man religi\u00f6s interpretieren, aber das gibt der Text in seiner G\u00e4nze nicht her. Engel sind Menschen, die uns, ob physisch anwesend oder nicht, Trost spenden. Es sind Menschen, deren Liebe ewig und unersch\u00fctterlich ist und deren Unterst\u00fctzung immer da ist. Das Lied ist damit eine tr\u00f6stliche, z\u00e4rtliche Aufmunterung. Among Angels<\/em> ist der einzige Titel, bei dem Kate als alleinige Interpretin genannt wird. Es gibt kein Schlagzeug, keine Rhythmusinstrumente, wir h\u00f6ren das Klavier und einen fast schmerzenden, leisen Gesang, z\u00e4rtlich, voller Emotion, wunderbar gesungen. Das unged\u00e4mpfte Klavier l\u00e4sst die Obert\u00f6ne durchgehend h\u00f6ren, was dem Ganzen eine \u00e4therische Atmosph\u00e4re verleiht. In der Mitte des Songs kommen leise Streicher dazu im Streicherarrangement des amerikanischen Orchestrators Jonathan Tunick. Dies macht die Emotionen des Songs noch st\u00e4rker. Ganz zart und ruhig sind diese Streicher, sie wirken wie ein zarter Schleier \u00fcber der Musik, es sind verhallende Echos der Klaviert\u00f6ne. \u201eF\u00fcnf Minuten lang umkreist Kate Bush vorsichtig tastend die Melodie, bis sie sie schlie\u00dflich packt und das St\u00fcck [\u2026.] zu Ende singt\u201c\u201c, so sagt es Graeme Thomsom [6]. Der Song nimmt sich Zeit, l\u00e4sst die Zeit stillstehen. Der Schluss ist ein Streicherakkord, der ganz allm\u00e4hlich verhallt. Der Beginn des Songs (Album-Version) ist bemerkenswert, es beginnt mit einer Art Fehlstart. Der Titel startet zun\u00e4chst mit einem offenbar falschen Akkord, woraufhin Kate Bush ein \u201eNo\u201c als Entschuldigung murmelt und dann neu mit dem Grundakkord beginnt, mit einem D im Bassschl\u00fcssel. Dieser Fehler blieb \u201e[\u2026] auf der Aufnahme enthalten. Es waren eigentlich nur Kleinigkeiten, aber sie zeugen von einem tief empfundenen, neuen Verlangen, die Stimmung des Moments zu bewahren\u201c [6]. Kate Bush erl\u00e4uterte das 2011 w\u00e4hrend ihres BBC Radio 4-Interviews: \u201eI was going to take that off, so it just started with the top of the track, but a couple of friends said \u201cNo, no, no, don\u2019t take it off!\u201d Because it\u2019s great because you actually get drawn into the song because you\u2019re going \u201cOh, what happened there?\u201c [1]. Sch\u00f6n, dass sie es so gelassen hat! Among Angels<\/em> ist ein wunderbarer, tiefsinniger Song. Er vermittelt eine Botschaft der Hoffnung und des Trostes in Zeiten der Verzweiflung. Gleichzeitig spricht er die universelle menschliche Erfahrung der Suche nach Sinn und Erl\u00f6sung an. Stephen W. Tayler bringt es auf den Punkt: \u201eI heard it for the first time when I was mixing the album 50 Words For Snow with Kate. The mood, simplicity, intimacy and emotion hit me right there and then. It\u2019s such a profound and evocative song and such a stunning performance\u201c [2]. Wie bei allen gro\u00dfen Songs n\u00fctzt er sich nicht ab, wie auch Stephen W. Tayler feststellt: \u201cI\u2019ve heard Among Angels<\/em> too many times to count, yet still feel the same emotions whenever I hear it, as if for the very first time.\u201d [2] Das live zu h\u00f6ren, zum Abschluss eines gro\u00dfartigen Konzerts \u2026. das muss eine \u00fcberw\u00e4ltigende Erfahrung gewesen sein. Jude Rogers sagt es so und fasst f\u00fcr mich die Wirkung des Songs perfekt zusammen: \u201e\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
\u201cAerial\u201c gliedert sich in f\u00fcnf Formteile. Im Teil A besteht der Rahmen der einzelnen melodischen Phrasen \u00fcberwiegend aus z\u00e4hen, gebundenen, abw\u00e4rts gerichteten Quarten (fis\u2019-cis\u2019). Der Formteil B stellt einen f\u00fcr sich isolierten Formteil dar. Er widmet sich der Sonne und besteht lediglich aus dem Halbsatz \u201e\u2026 in the sun.\u201c Die Anrufung der Sonne besteht aus einem Auftakt fis\u2019-gis\u2019 (punktierte Achtelnote-Sechzehntelnote), gefolgt von einem Quartsprung zum Wort \u201esun\u201c, auf dem Ton cis\u2019\u2019. Die rituelle Bedeutung des Wortes \u201esun\u201c auf cis\u2019\u2019 kommt zum einen durch seine Sonderstellung als h\u00f6chster Ton innerhalb der Melodik und zum anderen auch in Form eines acht Takte langen Haltetons, als Ausbruch aus dem rhythmischen Spiel der pulsierenden Instrumente, zum Ausdruck.
Das Licht der Sonne erstrahlt somit erhaben \u00fcber dem Klangteppich der Instrumente. Durch das ekstatische Tanzen der archaisch gekleideten Darsteller des Chores werden kleine Vogelschw\u00e4rme aufgeschreckt, w\u00e4hrend die Marionette sich von ihren \u201eF\u00e4den\u201d befreit und selbstst\u00e4ndig Laufen lernt. In zwielichtiger Atmosph\u00e4re st\u00fcrzte sich die belebte Puppe bereits auf eine wei\u00dfe Taube, die sie als rituelles Opfer zerrissen und verzehrte hatte. Daraufhin f\u00e4rbte sich der Morgenhimmel, gleich einer makrokosmischen Analogie der Opferung, blutrot. Nat\u00fcrlich besteht hier auch eine metaphorische Beziehung zwischen dem besungenen Wein und dem Blut als Saft des Lebens.
Formteil C stellt auf der Textebene den manischen Gr\u00f6\u00dfenwahnsinn der Teilnehmer des Rituals dar. Die intensive, orgiastische Wahrnehmung will immer mehr gesteigert werden, was sich nun auch im freien, wild improvisierten Spiel der Band h\u00f6rbar macht. Immer wieder finden Ausfl\u00fcchte in kurze B-Dur-Quartvorhalte und kleine Solopartien au\u00dferhalb des pulsierenden Rhythmus statt. Der Formteil D hingegen widmet sich thematisch und textlich dem Beginn der Vogelges\u00e4nge zur Morgenstunde.
Der ambivalente Gesang der V\u00f6gel wird mit dem menschlichen Lachen gleichgesetzt. Denn das Lachen der Menschen ist im Gegensatz zur Wortsprache sehr viel spontaner und voll archaischer Lebenskraft. Lachen kann sowohl einen Ausbruch freudigster Erregung, als auch eine \u00dcbersprungshandlung tiefster Best\u00fcrzung als Wurzel haben. In Formteil E bricht die Zauberin auf dem Klangteppich der neurotischen Akkordwiederholungen (Cis-Moll-7 und Cis-Moll-9) auf dem Ton gis\u2019 nun in archaisches Gel\u00e4chter aus, dem sich auch das Publikum aktiv und ekstatisch hinzugeben scheint, bis die maskierte Zauberin dann pl\u00f6tzlich gen B\u00fchnenhimmel abhebt und ein lautes \u201eHa\u201c (auf der Grundstellung eines Cis-Moll-Akkordes) den zweiten Akt beendet. F\u00fcr einen Wimpernschlag lang wird die B\u00fchne abgedunkelt \u2013 dann bleibt nur der in Morgenlicht gebadete Birkenwald zur\u00fcck.
Dass die V\u00f6gel einst vom Himmel herab stiegen, um den Menschen ihren s\u00fc\u00dfen Gesang zu bringen, entspringt einem alten russischen Mythos, der sich auch in der Malerei verewigt hat. Im Gem\u00e4lde rechts sieht man zwei magische Mischwesen, rechts die Alkonost, links die Sirin (Wiktor Wasnezow, 1896). Auch in Rimski-Korsakows Oper \u201eDie Legende von der unsichtbaren Stadt Kitesch und der Jungfrau Fewronia\u201c k\u00fcndigt im 4. Akt der Gesang von Alkonost Fewronia den Stillstand der Zeit und das Vergessen der Vergangenheit an. (Thomas<\/strong>)<\/p>\n\n\n\nAerial Tal<\/h3>\n\n\n
\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
Aerial Tal<\/em> ist einfach und schlicht. Eine Amsel beginnt einsam ihr Lied, dann kommt das Klavier dazu und spielt eine sich hypnotisch wiederholende Akkordfolge. Der Gesang der Amsel wird von Kate Bush in einer Imitation des Vogelstimmengesangs begleitet. Es ist ein entz\u00fcckendes Duett zwischen diesen beiden S\u00e4ngerinnen. Das Gurren von Tauben leitet in den n\u00e4chsten Song \u00fcber.
Aerial Tal<\/em> ist ein reizendes Zwischenspiel, es verbindet zwei Songs der A Sky of Honey<\/em>-Suite unmittelbar miteinander, bildet eine Br\u00fccke. Dieser kurze und irgendwie fremdartige Song enth\u00e4lt eine der zentralen Aussagen dieser Suite: Kate interpretiert das Lied der V\u00f6gel. Vielleicht hat es daher Verwendung als Teaser in der Werbung gefunden. Kate Bush beschreibt ihre Intentionen so: \u201eIch habe versucht, ein menschliches \u00c4quivalent zum Vogelgesang zu finden. Ich liebe den Gesang von V\u00f6geln sehr! Er ist wundersch\u00f6n! Vielleicht liebe ich ihn gerade deswegen, weil es sehr emotional klingt, ohne dass er uns durch tausend Worte unsere Imagination nimmt.\u201c [1]
Ohne einen solchen Titel w\u00e4re Kate Bush einfach nicht Kate Bush, so meinte \u201eJoanni\u201c im Bush-Forum [4], wie wahr! Zwischen den ruhigen Traumst\u00fccken ringsum ist es ein richtiger Wellenbrecher. Die Atonalit\u00e4t des Amselgesangs ist ein wirksamer Kontrast zu den harmonischen Songs ringsum. Es ist ein St\u00fcck, das einem beim Zuh\u00f6ren zum L\u00e4cheln bringt, es wirkt leicht und heiter. Obwohl es eigentlich \u00fcberhaupt kein richtiger Song ist, hat er etwas Ber\u00fchrendes an sich. Wie und warum wirkt dieses Musikst\u00fcck? Es ist hilfreich, dazu die musikalische Gestaltung [2] genauer unter die Lupe zu nehmen.<\/p>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
Beim Anh\u00f6ren des St\u00fcckes kommt es mir vor, als ob es an zwei Stellen kleine Umstellungen in der Akkordfolge des Patterns gibt. In der Partitur findet sich das nicht. Es klingt so, als ob an diesen Stellen der erste und der dritte Akkord vertauscht worden sind. Hier kann ich mich aber auch durchaus irren.
Die im Pattern verwendeten Akkorde sind E-Dur und cis-Moll, E-Dur ist auch die Tonart des St\u00fcckes. E-Dur ist gem\u00e4\u00df Beckh [3] die w\u00e4rmste aller Tonarten. Sie steht f\u00fcr Herzensw\u00e4rme, Herzensinnerlichkeit, Liebesw\u00e4rme. Es ist laut Beckh die \u201eSonnentonart\u201c und eine sehr poetische Tonart. Es herrscht in ihr die \u201eHelligkeit einer anderen Welt, eine Welt der Tr\u00e4ume, des Dichterischen, der h\u00f6heren Bilderschau, in der wir der gew\u00f6hnlichen Tageswelt g\u00e4nzlich entr\u00fcckt sind.\u201c [3]. Die Paralleltonart cis-Moll ist laut Beckh \u00e4hnlich wie E-Dur, \u201enur ist da alles mehr in ein Element von Schwermut und Sehnsucht getaucht.\u201c [3]
Jetzt habe ich das Lied eingehend beschrieben. Die Biographen (und alle Texte \u00fcber das Album, die ich kenne) lassen das maximal so stehen. Sie gehen noch nicht einmal auf die musikalische Gestaltung ein. \u201eAerial Tal\u201c scheint f\u00fcr sie nichts weiter als etwas f\u00fcr Kate Bush typisch Skurriles zu sein. Heiter kommt das St\u00fcck daher, Amsel und Kate Bush im Duett, leicht und beschwingt, etwas absonderlich. Man bel\u00e4sst es dabei. \u201eUnd doch klingt die Musik, zur\u00fcckhaltend im Hintergrund, irgendwie mystisch. [\u2026.] da verbirgt sich noch mehr!\u201c [4], so \u201eDark Raven\u201c im Forum! Ja, genauso ist es! Aber was verbirgt sich da? F\u00fcr mich sind einige Fragen unbeantwortet.
Warum steht dieses St\u00fcck genau an dieser Stelle in der Suite? Die Suite w\u00fcrde musikalisch auch ohne das funktionieren. Und warum werden genau diese zwei V\u00f6gel, Amsel und Taube, so prominent verwendet? Die Songs ringsum sind in cis-Moll, durch dieses E-Dur ist \u201eAerial Tal\u201c herausgehoben, gleichsam aus dem melancholischen Fluss in die Helligkeit einer anderen Welt gesetzt. Was kann das bedeuten?<\/p>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
Ein Tal oder Tala ist in der Musik Indiens, Bangladeschs und Pakistans ein metrischer Zyklus mit einer bestimmten Anzahl von Schl\u00e4gen, die w\u00e4hrend einer musikalischen Darbietung im gleichen Muster wiederkehren. Tala k\u00f6nnte im Allgemeinen mit Rhythmus oder Takt gleichgesetzt werden, obwohl es in der westlichen Musik kein genaues Gegenst\u00fcck zum Tala-Verfahren gibt [5]. Aerial Tal<\/em> ist sehr klar rhythmisch strukturiert, das Klavier-Pattern gibt die Struktur vor. Es gibt also gewisse \u00dcbereinstimmungen mit dem Begriff \u201eTal\u201c aus der indischen Musik. Zufall? Aerial Tal<\/em> w\u00fcrde dann so etwas wie Rhythmus der Luft, der V\u00f6gel bedeuten. Ich w\u00fcrde diese These f\u00fcr vollkommen \u00fcberzeugend halten, wenn sie auch eine Beziehung zu den anderen offenen Fragen h\u00e4tte. Aber da sehe ich keine Verbindung (was aber auch an meiner mangelnden Fantasie liegen k\u00f6nnte). Es muss also noch eine tiefere Schicht geben.
Um weiterzukommen, habe ich einen sehr fantasievollen Freund um eine Idee gebeten, was denn das Wort \u201eTal\u201c im Songtitel Aerial Tal<\/em> von Kate Bush bedeuten k\u00f6nnte. Die Antwort fand ich sehr inspirierend. Der Songtitel Aerial Tal<\/em> von Kate Bush k\u00f6nnte eine Variation des Begriffs \u201eAerial Toll-Houses\u201c sein, eine Lehre in der \u00f6stlichen orthodoxen Theologie \u00fcber den Prozess der Seelenreinigung nach dem Tod. In einigen Interpretationen repr\u00e4sentieren die \u201eAerial Toll-Houses\u201c verschiedene Hindernisse oder Versuchungen, denen eine Seele auf ihrem Weg zum himmlischen Paradies begegnet. [6]
Luftzollh\u00e4user (auch \u201etelonia\u201c genannt, aus dem Griechischen f\u00fcr telonia = Zoll) sind ein Volksglaube, den es in der Orthodoxen Kirche gibt. Nach dem Tod eines Menschen verl\u00e4sst danach die Seele den K\u00f6rper und wird von Engeln zu Gott geleitet. W\u00e4hrend dieser Reise durchquert die Seele ein Luftreich, das von b\u00f6sen Geistern bewohnt wird. Die Seele begegnet diesen D\u00e4monen an verschiedenen Stellen, die als Mauth\u00e4user bezeichnet werden. Hier versuchen die D\u00e4monen dann, sie der S\u00fcnde zu bezichtigen und die Seele, wenn m\u00f6glich, in die H\u00f6lle zu ziehen. [7] Ergibt sich ein schl\u00fcssiges Bild, wenn wir Aerial Tal<\/em> als musikalisches Luftzollhaus betrachten, als \u00dcbergangsstadien zwischen den Welten, zwischen Leben und Weiterleben?
Aerial Tal<\/em> steht zwischen Liedern in cis-Moll und ist nach E-Dur ger\u00fcckt. Nach Beckh [3] herrscht in E-Dur die \u201eHelligkeit einer anderen Welt\u201c. Das passt schon einmal. Vor dem Song kommt Sunset<\/em>, das mit dem Sonnenuntergang endet, dem Vergehen des Lichts. Das ist so etwas wie ein Sterben. Nach Aerial Tal<\/em> folgt Somewhere In Between<\/em>. Schon der Songtitel sagt, dass wir hier in einer Zwischenwelt angekommen sind. Es ist die Welt vor der Wiederauferstehung in Nocturn<\/em> und Aerial<\/em>. Aerial Tal<\/em> steht dazwischen, es markiert den \u00dcbergang in diese andere Welt. Wir sind hier an einem Ort zwischen Vergehen und Werden, wo Zeit keine Bedeutung hat. Das Klavier-Pattern hebt ja geradezu durch seine hypnotische Wirkung die Zeit auf. Bisher passt das verbl\u00fcffend gut. Finden wir in Aerial Tal<\/em> auch die ins Jenseits leitenden Engel oder die D\u00e4monen der Versuchung?<\/p>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
Oft finden sich bei Kate Bush Verbindungen zum keltisch-schamanischen Kulturkreis. Auch da werden wir f\u00fcndig (worauf schon \u201eDark Raven\u201c [4] hinweist). \u201eDie Amsel ruft uns vom Torweg zwischen den beiden Welten und dr\u00e4ngt uns, einen spirituellen Pfad zu verfolgen oder selbstbewusster zu werden. Sie ruft uns in die D\u00e4mmerung, zeigt uns den Weg zu den Geheimnissen der Anderswelt und weist darauf hin, dass wir mehr \u00fcber unsere versteckten Motivationen und Potenziale entdecken k\u00f6nnen. [9]
Im Schamanismus h\u00fctet die Amsel das Tor zur Traumwelt, sie steht an der Schwelle zwischen zwei Welten, der bewussten und der unterbewussten Welt [10]. Die Druiden nannten die Amsel \u201eschwarzen Druiden\u201c, weil sie Zugang zur sogenannten Anderswelt hatte [10]. Die Amsel kann also als H\u00fcterin des Tores in eine andere Welt aufgefasst werden. Am Schluss von Aerial Tal<\/em> erklingt der Ruf der Taube. Auch hier ist die Symbolik vielsagend. \u201eIn der christlichen Kunst ist die Taube Symbol f\u00fcr den Heiligen Geist, aber auch Bild f\u00fcr die Seele im Zustand des himmlischen Friedens. [\u2026] So viele Bedeutungen die Taube auch hat \u2013 immer weist sie \u00fcber unser Leben hinaus auf etwas Heiliges, das uns von Gott entgegenkommt [\u2026].\u201c [11]
Ich fasse meine sich aus diesen Details ergebende Analyse von Aerial Tal<\/em> nun zusammen. Der Sonnenuntergang von Sunset<\/em> ist so etwas wie ein Einschlafen, ein Lebensende. Ein Moment der Stille folgt, in dem nur das Lied der Amsel erklingt. Die Seele (die Protagonistin) erreicht ein merkw\u00fcrdiges Zwischenreich und wird von der Amsel empfangen. Die Amsel ist der H\u00fcter dieser Schwelle, sie ist die Begleiterin durch dieses Zwischenreich, sie ist der \u201eZollhausw\u00e4chter\u201c. Das Klavier-Pattern setzt ein, hypnotisch, es hebt die Zeit auf. Hier gibt es keine Zeit mehr, wir sind jenseits der Zeit. Die Tonart wird aus dem cis-Moll ger\u00fcckt in ein leuchtendes, \u00fcberirdisches E-Dur. Auch die Tonart signalisiert, dass wir woanders angekommen sind. Die gro\u00dfe Septime im ersten Akkord des Patterns aber ist eine Dissonanz, das ist nicht rein harmonisch. Es ist die \u201eBefragung\u201c im \u201eAerial-Toll-House\u201c. Die Amsel setzt ein mit ihrem Lied, die Stimme der Protagonistin singt dann dazu im Duett. Die Befragung geht positiv aus, die Seele ist im Einklang mit der Stimme des W\u00e4chters. Die Taube \u00fcbernimmt, dann endet das Pattern und damit die Befragung, die Taube erklingt weiter. Etwas G\u00f6ttliches kommt der Seele in Gestalt der Taube entgegen und gew\u00e4hrt so Einlass in das jenseitige Reich, in die Anderswelt. Die Taube singt unverst\u00e4ndliche Worte, so wie Gottes Sprache oft schwer zu entschl\u00fcsseln ist. Die Tonart wird wieder zur\u00fcckgesetzt in cis-Moll, wir sind angekommen \u201eirgendwo dazwischen\u201c in Somewhere in Between<\/em>. Die Reise der Seele (der Protagonistin) geht weiter.
Mir erscheint die Herleitung und die Begr\u00fcndung dieser Interpretation recht einleuchtend. Es ist jedoch wichtig zu beachten, dass dies eine Interpretation ist und dass Kate Bush dem Song selbst m\u00f6glicherweise eine andere Bedeutung gibt. Es k\u00f6nnte auch sein, dass sie das Wort \u201eTal\u201c aus anderen Gr\u00fcnden gew\u00e4hlt hat, die nur ihr bekannt sind. Auskunft geben k\u00f6nnte sie nur selbst, leider hat sie zu solchen Dingen bisher niemand befragt. Diese Analyse ist ein Versuch, ein entz\u00fcckendes, skurriles Interludium in seiner Bedeutung einzuordnen. Aber es ist durchaus legitim, es bei \u201eentz\u00fcckend und skurril\u201c zu belassen. \u00a9 Achim\/aHAJ<\/strong><\/em><\/p>\n\n\n\n
[2] Kate Bush: Aerial (Songbook), London 2006. Faber Music Ltd. S.96f
[3] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner; Stuttgart 1999. S.263ff (E-Dur) und S.268 (cis-Moll)
[4] https:\/\/www.carookee.de\/forum\/Kate-Bush\/129\/7559763-0-30115?p=1#tm<\/a> (gelesen 20.03.2024)
[5] https:\/\/www.britannica.com\/art\/tala<\/a> (gelesen: 20.03.2024)
[6] https:\/\/chat.openai.com<\/a> (aufgerufen 21.03.2024)
[7] https:\/\/en.wikipedia.org\/wiki\/Aerial_toll_house<\/a> (gelesen 21.03.2024)
[8] L. Impelluso \u201cDie Natur und ihre Symbole\u201d; Berlin 2005; S.288
[9] https:\/\/www.keltische-schamanen.de\/tiere-a<\/a> (gelesen 20.03.2024)
[10] https:\/\/coachinglovers.com\/besser-leben\/krafttier-amsel\/<\/a> (gelesen 22.03.2024)
[11] https:\/\/www.herder.de\/el\/hefte\/archiv\/2015\/6-2015\/die-taube-symbol-fuer-heiliges\/<\/a> (gelesen 23.03.2024)<\/p>\n\n\n\nA Coral Room<\/h3>\n\n\n\n
\u201cA Coral Room\u201d ist ein Lied dar\u00fcber, wie die Zeit alles unter sich begr\u00e4bt und langsam alles ausl\u00f6scht. Erinnerungen sind eine versunkene Stadt, sie liegen unter der Oberfl\u00e4che im Dunkel, sind \u00fcberwuchert und verborgen, sind immer da. Aber manchmal werden sie sichtbar in diesem Meer des Vergessens und tauchen wieder auf. Wir bewegen uns auf der tr\u00fcgerischen Oberfl\u00e4che eines Meeres, das alle vergangenen Dinge und Erinnerungen bewahrt und f\u00fcr uns bereith\u00e4lt. Mit diesem Gleichnis und diesen Bildern setzt Kate Bush die Trauer um ihre verstorbene Mutter um.
Das Lied ist durchkomponiert und individuell auf die Textzeilen bezogen umgesetzt, das in der Pop-Musik \u00fcbliche strenge Schema aus Strophe und Refrain gilt hier nicht. Alles ist fein und durchsichtig gearbeitet, innehaltende Pausen, Klavier und Stimme, die sich erg\u00e4nzen und umschweben.<\/a><\/p>\n\n\n\n
Im Songtext werden verschiedene Bilder verwendet, um die Erinnerung an die verstorbene Mutter zu visualisieren: die Spinne, die Spinnweben, das Meer, das Boot. Die Symbolik dieser Begriffe ist vielschichtig \u2013 siehe dazu (1) und (2) \u2013 und erweitert den Inhalt um eine fast schon mythische Dimension. Die Spinne wird oft als Symbol f\u00fcr die gro\u00dfe Mutter und als Weberin des Schicksals dargestellt. Inmitten ihres Netzes verk\u00f6rpert sie das Zentrum der Welt, Alle Menschen sind \u00fcber ihr Netz als Nabelschnur mit den kosmischen Vorg\u00e4ngen und Gesetzen verkn\u00fcpft. Das Meer ist in der Psychoanalyse das Symbol des Unbewussten, steht zudem auch f\u00fcr die g\u00fctige und strenge Mutter. Das Boot ist u.a. ein Symbol f\u00fcr den sch\u00fctzenden Aspekt der Gro\u00dfen Mutter. Es steht f\u00fcr den Scho\u00df, die Wiege, die sch\u00fctzende H\u00fclle auf dem Meer des Lebens. Bei den alten Norwegern wurden die Toten in einem Boot \u00fcber das Meer hinaus in den Mutterscho\u00df geschickt, in dem sie dann wiedergeboren werden sollten.
In der Bildsprache von \u201cA Coral Room\u201d werden all diese Aspekte des Mutter-Seins miteinander verwoben. Die Erinnerung an die Mutter bringt all diese verschiedenen Aspekte zur\u00fcck. Die gute Mutter, die b\u00f6se Mutter, die besch\u00fctzende Mutter, die G\u00f6ttin \u2013 und dazu Bilder der Ewigkeit, des ewigen Lebens.
Das Lied endet mit der \u00dcberleitung zur Erinnerung: \u201cPut your hand over the side of the boat. What do you feel?\u201c. Der Akkord verhallt. Die erste CD endet mit dieser Frage an den Zuh\u00f6rer. Was f\u00fchlst Du, wenn du in das Meer der Erinnerung eintauchst? Dazu das Bild im Booklet \u2013 Kate und ihr Sohn blicken den Zuh\u00f6rer (hier den Leser des Textes) direkt an \u2013 so als ob man gemeinsam im Meer taucht. Was siehst Du? Musik, Text und Bild sind eine Einheit.
Sehnsucht, Melancholie, Erinnerung \u2013 selbst die tonale Gestaltung spiegelt das wieder. Das Lied steht in cis-Moll, der Sehnsuchtstonart der klassischen Musik. Es ist eine warme Tonart voller Schwermut. Sie \u00f6ffnet in unserem Herzen die verborgenen Quellen der Sehnsucht. Etwas von der leuchtenden Sch\u00f6nheit der parallelen Dur-Tonart E-Dur gie\u00dft sich auch \u00fcber cis-Moll aus, anstatt Sonnenlicht ist es das sanftere Licht des Mondscheins. Cis-Moll ist in h\u00f6chstem Ma\u00dfe eine romantische Tonart. Nocturnes von Chopin stehen in dieser Tonart, ebenso die Mondscheinsonate von Beethoven (3).
In diesem Lied wird der Zuh\u00f6rer einbezogen in eine ganz private Welt. So etwas wird sonst nur einem Freund zuteil. Kate legt ihre Seele offen in einer fast erschreckenden Intimit\u00e4t. Sie tut dies f\u00fcr uns, ihre richtigen Zuh\u00f6rer, ihre Fans. Sie fordert uns auf sich unseren eigenen Erinnerungen zu stellen und diese mit ihr zu teilen. Ich betrachte dies als eine Ehre. \u201eA Coral Room\u201c ist hohe Kunst.
Eine Frage stellt sich mir und ich habe auf sie keine Antwort. Warum handeln so viele Lieder von Kate Bush vom Tod?
(\u00a9 Achim\/aHAJ<\/strong>)<\/p>\n\n\n\n
(2) Ulrike M\u00fcller-Kaspar (Hrsg.): Die Welt der Symbole; Wien 2005
(3) Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner; Stuttgart 1999<\/p>\n\n\n\nAll The Love<\/h3>\n\n\n
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Die Grundstimmung daf\u00fcr legt ein lautloses, m\u00e4nnliches Hauchen zusammen mit einem chromatischen Motiv auf dem Piano, ein seufzender Atemzug, der im St\u00fcck immer wieder auftaucht. Der singende Bass von Del Palmer erinnert an die Spielweise von Eberhard Weber, und er f\u00fchrt zur Stimme von Kate hin. Sie hat in diesem St\u00fcck einen niedergeschlagenen, verzweifelten, verletzten Ton, und sie schwingt sich am Ende der Strophen zu fast orientalisch klingenden Melodiewindungen empor. Dazu passt auch der Text. Interpretiert man ihn ganz w\u00f6rtlich, sieht man zun\u00e4chst eine Sterbebettszene: Alte Freunde beweinen die Dahinscheidende, um die sie sich zu Lebzeiten viel zu wenig gek\u00fcmmert haben. Dann abstrahiert Kate: \u201eOnly tragedy allows the relief of love and grief never normally seen.\u201c Nur in Extremsituationen k\u00f6nnen wir die Liebe und den Kummer rauslassen, die sonst zur\u00fcckgehalten werden, weil wir uns sch\u00e4men, zu starke Gef\u00fchle zu zeigen.
In der letzten Strophe wird es pers\u00f6nlich, hier spricht Kate ohne Zweifel von sich selbst: \u201eThe next time I dedicate my life\u2019s work to the friends I make.\u201c Sie opfert sich und ihre Kunst f\u00fcr ihre Freunde auf, doch die verstehen sie nicht. Die Angst, die ihr das bereitet, ist nicht nur die Angst der Isolation im zwischenmenschlichen Bereich, sondern auch die Furcht der K\u00fcnstlerin, als \u201eweird\u201c abgeurteilt zu werden. Ironischerweise ist das ja gerade nach der Ver\u00f6ffentlichung von \u201eThe Dreaming\u201c, auf dem \u201eAll the love\u201c ja zu finden ist, ganz massiv passiert.
Um die Wirkung zu steigern, hat Kate in verschiedenen Songs immer wieder zu einer fremden vokalen Sph\u00e4re gegriffen, etwa der georgische Chor in \u201eHello Earth\u201c, oder die bulgarischen Stimmen in \u201eSong Of Solomon\u201c. Hier ist es auch so: Der Chorknabe Richard Thornton singt als Bridge zwischen Strophen und Refrain die Zeile \u201ewe needed you to love us too, we wait for your move\u201c. W\u00e4hrend diese Zeile gesungen wird, kommt der Rhythmus zum Erliegen, nur r\u00f6chelnde Fairlight-Seufzer in verschiedenen Tonlagen begleiten die helle Jungenstimme, die wie ein verletzter Geist aus dem Jenseits mahnt. Es ist die vielleicht eisigste Stelle im gesamten Werk von Kate Bush. Daraufhin setzt der Refrain ein, der wiederum ein einziger Seufzer ist: \u201eAll the love you should have given\u201c. Die Verzweiflung \u00fcber die nicht gegebene Liebe wird so gro\u00df, dass sie keine Worte mehr findet und nur noch hilflos \u201eall the love, all the love, all the love\u201c stammelt.
Den Abspann des Songs hat Kate mit einem genialen Kniff versehen. Zum einen rhythmisiert sie nun den Gesang des Chorknabens, zum anderen gibt es eine endlose Parade von Abschiedsgr\u00fc\u00dfen, die sie auf dem Anrufbeantworter gesammelt hatte. \u201eSo now when they ring, I get my machine to let them in\u201c, hei\u00dft es am Ende der vorangegangenen Strophe. Zwischen sich und ihre Freunde hat sie eine Maschine geschaltet \u2013 die Angst vor dem Kontakt hat \u00fcber die Bereitschaft zur Kommunikation gesiegt.
\u201eAll the love\u201c ist ein unter die Haut gehendes Psychogramm \u2013 \u00fcber die Unf\u00e4higkeit und die verpassten Gelegenheiten, Emotionen zu zeigen. Aber es ist auch ein Hinweis auf die bedrohte Privatsph\u00e4re einer K\u00fcnstlerin, die den R\u00fcckzug braucht, um sch\u00f6pferisch zu sein. Die eine solche Menge an Liebe, wie sie Fans von ihr fordern, unm\u00f6glich geben kann. Auf dieser Deutungsebene ist diese gro\u00dfartige Ballade auch ein heimlicher Verwandter von \u201eGet Out Of My House\u201c. Last but not least: Eine Coverversion, die die Atmosph\u00e4re von \u201eAll the love\u201c kongenial auf alte Instrumente \u00fcbertr\u00e4gt, hat Alphan Music<\/a> geschaffen. (Stefan<\/strong>)<\/p>\n\n\n\nAll We Ever Look For<\/h3>\n\n\n\n
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Ich liebe auch die wunderbaren Kl\u00e4nge, die sich durch das Lied ziehen. Kate Bushs Bruder Paddy spielt eine Koto (eine japanische Zither), Morris Pert spielt Pauken. Das alles gibt dem Lied ein fremdartiges Flair. Zusammen mit dem schreitenden Rhythmus entsteht der Eindruck eines altehrw\u00fcrdigen, h\u00f6fischen Tanzes. Auch die sparsam eingesetzten Backing-Vocals von Preston Heyman, Paddy Bush, Andrew Bryant und Gary Hurst gefallen mir [2]. Die Sch\u00f6nheit dieses Songs geht mir immer wieder unter die Haut. Vielleicht ist \u201eAll We Ever Look For\u201c ein Weckruf, auf jeden Fall vermittelt es eine Erkenntnis: \u201eAll we\u2019re ever looking for \/ Is another open door.\u201c
Kate Bush hat sich mehrmals zu diesem Song ge\u00e4u\u00dfert. Die Hauptthematik ist eine, die wir alle kennen \u2013 wir sind auf der Suche (nach Gl\u00fcck? Erf\u00fcllung? Sinn?), aber meist vergeblich oder auf eine falsche Art und Weise. \u201eAll We Ever Look For is about how we seek something, but in the wrong way, or at wrong times, so it is never found.\u201c [8] Unseren Eltern ging das schon so, dies \u00fcbertr\u00e4gt sich abgewandelt auf die Kinder. \u201eOne of my new songs, \u201aAll We Ever Look For\u2018, it\u2019s not about me. It\u2019s about family relationships generally. Our parents got beaten physically. We get beaten psychologically.\u201c [6] In einem anderen Interview f\u00fchrt sie dies noch genauer aus: \u201eIt\u2019s interesting the things that we do pick up from our parent \u2013 the way we look or little scratching habits or something and obviously the genetic thing must be in there. All the time it\u2019s going round in a big circle \u2013 we are always looking for something, all of us, just people generally and so often we never get it. We\u2019re looking for happiness, we\u2019re looking for a little bit of truth from our children, we\u2019re looking for God, and so seldom do we find it because we don\u2019t really know how to look.\u201c [7]<\/p>\n\n\n\n<\/a>
\u201eAll We Ever Look For\u201c ist ein tiefsinniges, fast bekenntnishaftes Lied. Die Aussagen von Kate Bush passen genau zum Text, hier verbirgt sich kein tieferes Geheimnis. Das wirkliche Wunder ist die subtile musikalische Gestaltung. Um das nachvollziehen zu k\u00f6nnen, werde ich mich am Text und den Noten [3] entlang hangeln. Das Lied ist im 4\/4-Takt geschrieben, es gibt nur einige eingestreute 2\/4-Takte. Die erste Strophe, beginnend mit \u201eJust look at your father\u201c steht in Es-Dur. Der Chorus ab \u201eAll they ever want for you\u201c steht in E-Dur mit kurzen Ausfl\u00fcgen in die Paralleltonart cis-Moll. Es folgt dann eine kurze instrumentale \u00dcberleitung in Es-Dur. Der zweite Durchgang ist genauso tonartenm\u00e4\u00dfig gestaltet. Die zweite Strophe ab \u201eThe whims that we\u2019re weeping for \/ Our parents would be beaten for\u201c steht in Es-Dur, der folgende Chorus in E-Dur. Im Text in diesem zweiten Chorus steht aber \u201eAll we ever look for\u201c. Es wechselt jetzt die Sichtweise vom \u201ethey\u201c des ersten Chorus auf das \u201ewe\u201c. In der zweiten Strophe h\u00f6rt man M\u00e4nnerstimmen im Hintergrund, die aber eigentlich nur so etwas wie unterst\u00fctzende Akkorde singen. Im zweiten Chorus tritt Kate Bush als leise Hintergrundstimme dazu. Mit dem \u201ewe\u201c meint sie offensichtlich sich selbst.
Es gibt in diesem Ablauf zwei getrennte Welten. Es-Dur ist die Welt der Erz\u00e4hlerin. E-Dur, einen Halbton h\u00f6her, ist die Welt der Erwartungen und W\u00fcnsche. Im ersten Chorus ist es die Welt der Erwartungen der anderen Menschen, im zweiten Chorus sind wir bei uns selbst angekommen. Es ist eine musikalische Wanderung von au\u00dfen nach innen, zu uns selbst. Aber Es-Dur und E-Dur sind harmonisch sehr weit voneinander entfernt. Allein schon daran sieht man, dass die Welt unserer Erwartungen und W\u00fcnsche etwas ist, was von uns (Es-Dur) auf harmonischem Weg nur schwer erreichbar ist. Die Tonarten sind \u2013 wie immer bei Kate Bush \u2013 sehr subtil und treffend eingesetzt. Unsere reale Welt steht in Es-Dur. Diese Tonart ist \u201enicht nur tiefstes Dunkel, sondern zugleich die Wiederaufw\u00e4rtswendung zum Licht\u201c. Sie besitzt einen starken, positiver Charakter, einen Charakter des Heroischen [4]. Ja, die Protagonistin hat Zweifel, \u00c4ngste, aber sie l\u00e4sst sich davon nicht unterkriegen. Im Inneren ist sie eine Heldin.<\/p>\n\n\n\n<\/a>
Nach Beckh [4] \u201evollzieht sich [bei es-Moll] ein \u00dcbergang von der Sinneswelt in die geistige Welt, ein \u00dcbergang, der \u00fcber die Schwelle f\u00fchrt, die Wachen und Schlafen, Leben und Sterben, Tagesansicht und Nachtansicht der Welt, Sinneswelt und geistige Welt voneinander trennt\u201c. Diese Tonart \u201ekann als die im geistigen Sinne ernsteste aller Tonarten verstanden werden\u201c, sie l\u00e4sst uns \u201evor allem den Ernst des Schwellen\u00fcbergangs, mitunter die Tragik des Schwellen\u00fcbergangs erleben\u201c. Eine passendere Tonart f\u00fcr ein Akzeptieren der Situation l\u00e4sst sich kaum finden. Ja, es gibt Erwartungen, das Umgehen damit und mit dem Scheitern ist eine ernste Sache. Kate Bush sagt es selbst \u2013 es bleibt uns aber nichts anderes \u00fcbrig: \u201eThe last line \u2013 \u201eAll we ever look for \u2013 but we never did score.\u201c Well, that\u2019s the way it is \u2013 you do get faced sometimes with futile situations. But the answer is not to kill yourself. You have to accept it, you have to cope with it.\u201c [6] Und so wandelt sich die reale Welt nach es-Moll, dunkelt sich ein. Es ist ein m\u00fchsamer Prozess der Verarbeitung. Aber am Schluss sind wir wieder in der Welt von Es-Dur: \u201eYou have to accept it, you have to cope with it\u201c [6]. Es gelingt!
Ich finde es faszinierend, wie der Song um diese T\u00f6ne E und Es kreist und so zwei Welten subtil musikalisch getrennt voneinander abbildet. Die Botschaft hinter \u201eAll We Ever Look For\u201c liegt offen vor uns, hier verbirgt sich kein Geheimnis. Das Geheimnis liegt hier in den Fundamenten der Musik verborgen. Unser reales Leben und unsere Erwartungen und W\u00fcnsche haben nichts miteinander zu tun. Das Verarbeiten dieser Erkenntnis ist ein schwieriger Prozess, unsere Sinnsuche selbst ist ein schwieriger Prozess. Aber wenn wir durch diesen Prozess hindurch sind, sind wir mit uns im Reinen. \u201eAll We Ever Look For\u201c ist ein magischer und einfach wundersch\u00f6ner Song von einem wundersch\u00f6nen Album.
Kate Bush hat hier wahrscheinlich ihren eigenen Lernprozess beschrieben. Eine Passage aus einem der Interviews deutet darauf hin: \u201e[\u2026] everything in my life goes into my music. Everything that happens to me affects me, and it comes out in my music. If I did become perfect, and was no longer vulnerable, perhaps I wouldn\u2019t get the same shocks of emotion that make me want to write.\u201c [5] Vielleicht erkl\u00e4rt dieser letzte Satz auch, warum wir schon so lange auf neue Musik von ihr warten. \u00a9 Achim\/aHAJ<\/strong><\/em>
[1] Rob Jovanovic, Kate Bush. Die Biographie. 2006. Koch International GmbH\/Hannibal. H\u00f6fen. S.118
[2] https:\/\/www.katebushencyclopedia.com\/all-we-ever-look-for<\/a> (gelesen 27.01.2023)
[3] \u201c\u202aKate Bush Complete\u201d. EMI Music Publishing \/ International Music Publications. London. 1987. S.57ff
[4] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner. Verlag Urachhaus. Stuttgart 1999. S.124 (Es-Dur), S.263ff (E-Dur), S.102 (es-Moll)
[5] Mike Nicholls: \u201eAmong the Bushes\u201c. Interview \u201eRecord Mirror\u201c, 1980
[6] Derek Jewell\u201c: \u201eHow To Write Songs And Influence People\u201c. Interview \u201eSunday Times\u201c. 05.10.1980
[7] Interview \u201eNever for Ever\u201c. EMI 1980
[8] Kate Bush: \u201eThem Bats and Doves\u201c. Kate Bush Club Issue 7. 09\/1980.<\/p>\n\n\n\nAmong Angels<\/h3>\n\n\n
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Der Song ist offenbar einige Zeit vor dem Album entstanden, worauf Graeme Thomson hinweist. \u201eAmong Angels<\/em> hatte sie allerdings bereits drei Jahre zuvor geschrieben und angesichts der Entstehungszeit, des Textes und der Stimmung, die Trauer, Liebe und Zweifel in sich vereint, f\u00e4llt es schwer, den Song nicht als Reaktion auf den Tod ihres Vaters, der 2008 verstarb, zu verstehen\u201c [6].
Es passte einfach hinein in die Stimmung des Albums, es hatte seinen Ursprung in der gleichen Quelle der Inspiration. Deshalb wurde es aufgenommen, wie Kate Bush es in einem Interview sagte: \u201e[\u2026] although it has nothing to do with snow I felt that it\u2019s, it had it\u2019s place in there atmospherically, it just seemed to feel, you know, part of the same place that the other songs were coming from\u201c [7].<\/p>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
Aber neben diesem Trost hat der Song auch eine sehr realistische, lebensnahe Perspektive. Er ist eindeutig auch eine Aufforderung zur Selbstreflektion: \u201eOnly you can do something about it \/ There\u2019s no-one there, my friend\u201c. Kate Bush ist Realistin, f\u00fcr sie haben wir alle die F\u00e4higkeit, unsere eigenen Probleme anzugehen und unser eigenes Gl\u00fcck zu finden. Das Lied startet in dieser sehr geerdeten Stimmung, doch bald wird das spirituell \u00fcberh\u00f6ht und Kate Bush spendet uns himmlischen Trost zu zarten Akkorden: \u201cI see angels standing around you \/ They shimmer like mirrors in summer \/ But you don\u2019t know it\u201d. \u201eW\u00e4hrend \u201eZweifel kommen und gehen\u201c (\u201ein and out of doubt\u201c) spricht der Song von Liebe, Hoffnung, Tod, Glaube und Kampf\u201c, so sagt es treffend Graeme Thomson [6].
Kate Bush schreibt selten aus einer rein pers\u00f6nlichen Perspektive, sie zieht die Distanz zu einer fiktiven Figur vor. Doch dieser Song kommt mir wie ein \u00e4u\u00dferst pers\u00f6nliches Lied vor. Dies gibt es manchmal bei Kate Bush, man denke an Moments Of Pleasure<\/em> und A Choral Room<\/em>. Vielleicht ist es an einen Freund gerichtet, vielleicht an die S\u00e4ngerin selbst (der Tod ihres Vaters). Er zeigt tiefes Mitgef\u00fchl f\u00fcr die Person, an die es gerichtet wird. Der Song gibt jedoch nicht vor, zu wissen, wie man das heilt, was nicht in Ordnung ist. \u201eOnly you can do something about it\u201c, lautet ja die erste Zeile. Dennoch ist das Lied voller Trost: \u201eThere\u2019s someone who\u2019s loved you \/ Forever \/ But you don\u2019t know it\u201c.<\/p>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
Leider gibt es zum Album kein Songbook, f\u00fcr eine musikalische Analyse beziehe ich mich auf [4]. Es gibt h\u00e4ufige Taktwechsel in der Musik, was das Gef\u00fchl der Zeitlosigkeit verst\u00e4rkt, weil es ein \u201eMitwippen\u201c verhindert. Notiert ist der Song in a-Moll, die Akkorde dieser Tonart bestimmen den Song. Tonika und Dominante der Paralleltonart C-Dur sind ebenfalls prominent vertreten. Aber es gibt auch Ausweichungen nach A-Dur, einer weiter entfernten Tonart.
Bei der Deutung der Tonarten beziehe ich mich auf Beckh [5]. Wie so oft sind die Tonarten bei Kate Bush auf den Punkt genau genutzt. Laut Beckh ist a-Moll schwerm\u00fctig und poetisch. Es steht f\u00fcr die romantische Zwienatur, die Zwielicht-Natur, es ist die Sehnsuchtstonart. Damit gibt es genau die Grundstimmung des Songs wieder. A-Moll unterscheidet sich in seinem Charakter klar von C-Dur. Das ist die Tonart des klaren Lichts, die Tonart der n\u00fcchternen Klarheit. Bei aller romantischen Z\u00e4rtlichkeit enth\u00e4lt der Song ja auch genau solche realistischen Momente der Klarheit. Aber da gibt es noch mehr. Nach Beckh \u201ehat das schwerm\u00fctige, poetische a-Moll schon durchaus Anteil an der Romantik von A-Dur\u201c. A-Dur, das sind Lichtesh\u00f6hen, das ist \u00fcberirdische Leichtigkeit, das ist die \u00dcberwindung der Erdenschwere. A-Dur ist die Tonart des \u00fcberirdischen Lichts, sie steht f\u00fcr h\u00f6chste verkl\u00e4rte Seelenstimmung. Welche Tonart k\u00f6nnte besser f\u00fcr die Engel stehen und ihren Trost?
Zur Wirkung des Songs m\u00f6chte ich Personen sprechen lassen, die ihn live bei den \u201eBefore The Dawn\u201c-Konzerten erlebt haben. Stephen W. Tayler hat dabei mit Kate Bush zusammengearbeitet. \u201cWhen I was invited by Kate to become the \u2018Kate Vocal Navigator\u2019 for the Before The Dawn live shows, we spent months with the crew and the band rehearsing and preparing. Every day at lunchtime, when the rehearsal stage was empty, Kate would come and practise a few songs at the piano with just me in the room, controlling her sound. One song she rehearsed every day was Among Angels. I was almost in tears every time she performed it. I was controlling her vocal live which was nerve-racking as it became a real struggle to concentrate. I was overwhelmed with emotion every time. You could hear a pin drop in the theatre.\u201c [2]
Die Musikjournalistin Jude Rogers war als Gast bei den Konzerten anwesend. \u201eShe came back for the encore, alone, and sat behind her piano. That\u2019s when the weight of the night finally hit me. Pop shorthand still paints Kate Bush as a creature of wide, wild eyes and excess. She is much more about gentleness, thought, and small details.\u201c [3]<\/p>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n