{"id":169,"date":"2013-01-05T23:23:46","date_gmt":"2013-01-05T22:23:46","guid":{"rendered":"http:\/\/morningfog.de\/?page_id=169"},"modified":"2018-10-15T22:29:22","modified_gmt":"2018-10-15T20:29:22","slug":"alben","status":"publish","type":"page","link":"http:\/\/morningfog.de\/?page_id=169","title":{"rendered":"Alben"},"content":{"rendered":"

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16.\/30.11.2018<\/h5>\n

Remastered Vinyl I – IV<\/h2>\n

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Vinyl I: The Kick Inside, Lionheart, Never For Ever, The Dreaming
\nVinyl II: Hounds of Love, The Sensual World, The Red Shoes
\nVinyl III: Aerial, Director’s Cut, 50 Words for Snow
\nVinyl IV:
\n12″ Mixes: Running Up That Hill (A Deal With God), The Big Sky (Meteorological Mix), Cloudbusting (The Orgonon Mix), Hounds Of Love (Alternative Mix), Experiment IV (Extended Mix).
\nThe Other Side I:\u00a0Walk Straight Down The Middle, You Want Alchemy, Be Kind To My Mistakes, Lyra, Under The Ivy, Experiment IV, Ne T\u2019Enfuis Pas, Un Baiser D\u2019Enfant, Burning Bridge, Running Up That Hill (A Deal With God) 2012 Remix.
\nThe Other Side II: Home For Christmas, One Last Look Around The House Before We Go, I\u2019m Still Waiting, Warm And Soothing, Show A Little Devotion, Passing Through Air, Humming, Ran Tan Waltz, December Will Be Magic Again, Wuthering Heights (Remix \/ New Vocal from \u2018The Whole Story\u2019).
\nIn Others Words: Rocket Man, Sexual Healing, Mna\u0301 na hE\u0301ireann, My Lagan Love, The Man I Love, Brazil (Sam Lowry\u2019s First Dream), The Handsome Cabin Boy, Lord Of The Reedy River, Candle In The Wind.<\/p>\n

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16.\/30.11.2018<\/h5>\n

Remastered Part I + II<\/h2>\n

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CD-Box I:\u00a0 The Kick Inside, Lionheart, Never For Ever, The Dreaming, Hounds of Love, The Sensual World, The Red Shoes.
\nCD-Box II: Aerial, Director’s Cut, 50 Words for Snow, Before the Dawn (Original Mastering) 12″ Mixes, The Other Side 1, The Other Side 2, In Others‘ Words<\/p>\n

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25.11.2016<\/h5>\n

Before The Dawn<\/h2>\n

\"kate-bush-before-the-dawn200\"<\/a><\/p>\n

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CD 1: Lily – Hounds of Love – Joanni – Top of the City – Never Be Mine – Running Up That Hill – King of the Mountain<\/p>\n

CD 2: Astronomer’s Call (Spoken monologue) – And Dream of Sheep – Under Ice – Waking the Witch – Watching Them Without Her (dialogue) – Watching You Without Me – Little Light – Jig Of Life – Hello Earth – The Morning Fog<\/p>\n

CD 3: Prelude – Prologue – An Architect’s Dream – The Painter’s Link – Sunset – Aerial Tal – Somewhere In Between – Tawny Moon – Nocturn – Aerial – Among Angels – Cloudbusting<\/p>\n

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18.11.2011<\/h5>\n

50 Words For Snow<\/h2>\n

\"50wfs-jp\"<\/a>\"50<\/a><\/p>\n

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Snowflake – Lake Tahoe – Misty – Wild Man – Snowed In At Wheeler Street – 50 Words For Snow – Among Angels<\/p>\n

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13.5.2011<\/h5>\n

Director’s Cut<\/h2>\n

\"Director's<\/a>\"Director's<\/a><\/p>\n

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Flower Of The Mountain – The Song Of Solomon – Lily – Deeper Understanding – The Red Shoes – This Woman’s Work – Moments Of Pleasure – Never Be Mine – Top Of The City – And So Is Love – Rubberband Girl<\/p>\n

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\u00a07.11.2005<\/h5>\n

Aerial<\/h2>\n

\"Aerial\"<\/a>\"Aerial<\/a><\/p>\n

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A Sea Of Honey: King Of The Mountain – Pi – Bertie – Mrs. Bartolozzi – How To Be Invisible – Joanni – A Choral Room<\/p>\n

A Sky Of Honey: Prelude – Prologue – An Architect’s Dream – The Painter’s Link – Sunset – Aerial Tal – Somewhere In Between – Nocturn – Aerial<\/p>\n

Aerial als Gesamtkonzept<\/h4>\n

Kate selbst sagt \u00fcber „Aerial“ (1), dass es aus zwei CDs besteht, damit der Zuh\u00f6rer nicht \u00fcberfordert wird. Eine CD sei ein Konzeptalbum, das andere enthalte einfach „ein paar weitere Songs“. Das klingt, als ob beide CDs zwei getrennte Werke w\u00e4ren, die man getrennt betrachten kann. Es gibt meiner Ansicht nach aber Indizien daf\u00fcr, dass sich beide Cds in ein Gesamtkonzept einf\u00fcgen. Diese Indizien will ich hier aufzeigen.
\nAuf dem Frontcover sind ein honigfarbenes Meer und ein honigfarbener Himmel durch eine schattenhafte Schallkurve getrennt, die die Horizontlinie akzentuiert. Die Schallkurve wird dargestellt wie eine ferne Felsformation, die sich im Meer spiegelt. Einige Wolken h\u00e4ngen wie Fahnen an den Felsformationen und spiegeln sich ebenso im gelben Wasser. Der Himmel ist klar und pr\u00e4zise gezeichnet, das gespiegelte Meer dagegen rauer und verwaschener. Hinter einer der Felsspitzen steht die Sonne, es ist eine D\u00e4mmerungssituation dargestellt. \u00dcberraschenderweise spiegelt sich die Sonne nicht im Meer. Die Sonne ist von einem feinen wei\u00dfen Kreis umgeben, dieser Kreis schneidet Himmel, Felsformation und Meer. Im Himmel findet sich der Albumtitel als Schriftzug, im Meer versteckt das „KT“-Signum.
\nDas R\u00fcckcover des Digipacs ist \u00e4hnlich aufgebaut. Himmel, Meer und Schallkurve sind hier abstrakter dargestellt. Der Reihenfolge der CDs gem\u00e4\u00df stehen die Titel der Sea-CD oben, die der Sky-CD unten. In den beiden H\u00e4lften ist jeweils eine weitere stilisierte Schallkurve (diesmal in einem blassen gelb) dargestellt. Der Aufbau des R\u00fcckcocers ist dadurch streng symmetrisch, beide Playlisten spiegeln sich ineinander.
\nIn der weiteren Gestaltung des Digipacs gibt es weitere Hinweise auf eine Gesamtkonzeption. Klappt man das Digipac auf, so kommt man auf das (ich will es jetzt so nennen) Mittelcover. Ein wie eine Magd gekleidetes M\u00e4dchen blickt den Betrachter an. Im Hintergrund schaut man durch ein Sprossenfenster in einen Garten auf einen Baum. Vor dem M\u00e4dchen liegt ein Platt Papier mit Zahlen, daneben ein blaues Tintenfass mit der Aufschrift „black … ing ink“ – dies k\u00f6nnte mit der Erg\u00e4nzung „copying“ f\u00fcr schwarze Kopiertinte stehen (stellt sich hier Kate selbst dar?). Im ganz aufgeklappten Digipac sieht man ein Haus im Hintergrund, ganz aus Backstein, offensichtlich alt, mit vielen Sprossenfenstern. Es k\u00f6nnte das Haus sein, in dem das M\u00e4dchen sitzt. Quer \u00fcber die drei Teile des Innencovers spannen sich W\u00e4scheleinen mit W\u00e4sche. Dieses Motiv spannt sich auch \u00fcber die beiden CDs, die so \u00e4u\u00dferlich kaum voneinander zu unterscheiden sind. Die wei\u00dfe W\u00e4sche verwandelt sich nach rechts kaum bemerkbar in zwei wei\u00dfe Tauben, die nach rechts wegfliegen.
\nHier finden sich viele Bezugnahmen bzw. Verweise auf Einzeltitel. Das M\u00e4dchen in der Magdkleidung und die W\u00e4sche verweisen auf „Mrs. Bartolozzi“, die gezeichneten Zahlen auf „Pi“, die Tinte auf die Malereithematik („An Architekts Dream“, „The Painters Link“), das wei\u00dfe Hemd links auf das Elvis-Hemd aus dem „King of the Mountain“-Video (das findet sich auch im Booklet dargestellt), die Tauben rechts auf die Tauben auf der Sky-CD.
\nDie Symmetrien im Frontcover und im R\u00fcckcover deuten f\u00fcr mich darauf hin, dass beide CDs als Spiegelbilder zueinander verstanden werden k\u00f6nnen. Die fast gleichartigen Titel „A Sea of Honey“ und „A Sky of Honey“ unterstreichen dies. Sie sind in der Wortwahl gleichartig aufgebaut und bis auf ein Wort gleich. Sie beziehen sich auf die beiden sich ineinander spiegelnden Bestandteile Meer und Himmel. Die gestalterische Ununterscheidbarkeit der CDs und ihre Einbettung in ein Bildmotiv sind f\u00fcr mich weitere Hinweise auf eine Gesamtkonzeption.
\nWenn es eine Gesamtkonzeption gibt, dann sollten beide CDs ein inneres Programm besitzen. Bei der Sky-CD ist dies offensichtlich, ein Tagesablauf wird geschildert. Meiner Ansicht nach gibt es aber auch Hinweise auf ein inneres Programm f\u00fcr die Sea-CD. Es sind alles Titel \u00fcber Personen: Elvis in „King of the Mountain“, Kates Sohn Bertie in „Bertie“, Johanna von Orleans in „Joanni“, Kates verstorbene Mutter in „A Coral Room“, eine Mrs. Bartolozzi in „Mrs. Bartolozzi“, ein von Zahlen faszinierter Mann in „Pi“, Kate selbst (?) in „How to be invisible“. Es sind alles Titel, die ein bi\u00dfchen in die Vergangenheit verweisen bzw. die Erinnerungen zum Thema haben (Elvis, Johanna, die Mutter, die Instrumentierung bei „Bertie“, die ins Tagtr\u00e4umen verfallende Mrs. Bartolozzi).
\nDas Schlusslied „A Coral Room“ hat das Meer zum Thema und ist eine Aufforderung zur Erinnerung bzw. zum F\u00fchlen, hier wird das Meer als Symbol f\u00fcr die Erinnerung benutzt. Die letzte Zeile der Sea-CD ist „Put your hand over the side of the boat. What do you feel?“. Im Lied wird das Boot benutzt, um das Meer der Erinnerung zu befahren. Ein Boot mit dem Namen „Aerial“ trennt im Booklet die beiden H\u00e4lften. In einem Interview (2) findet sich der Hinweis, dass sich in Kates Wohnung ein Bild des K\u00fcnstlers James Southall befindet „soon to be familiar as part of the inner artwork of Aerial“. Der Schriftzug „Aerial“ ist der Abbildung des Bootes hinzugef\u00fcgt, dies verst\u00e4rkt noch die Bezugnahme auf das Gesamtalbum. Das Boot der Erinnerung ist also mit einem starken pers\u00f6nlichen Bezug zu Kate verbunden. Der Schluss liegt nahe, dass die Sea-CD eine sehr pers\u00f6nliche Erinnerungs-CD ist. Es gibt weitere Hinweise auf pers\u00f6nliche Bez\u00fcge. Offenbar h\u00e4ngt in Kates Wohnung eine Replik des Rosebud-Schlittens aus „Citizen Kane“ (2), auf den in „King of the Mountain“ verwiesen wird. Zudem soll Bertie ein begnadeter Elvis-Imitator sein (3), auch dies verweist auf „King of the Mountain“.
\nDer Maler Southall war urspr\u00fcnglich Architekt (4). Darauf k\u00f6nnte in „An Architect’s Dream“ angespielt werden als weiterer Hinweis auf eine Gesamtkonzeption.
\nBestimmte Details der Sea-CD verweisen auf die Sky-CD. Bertie z.B. leitet offenbar die Sky-CD ein. Mrs. Bartolozzi (die die W\u00e4sche und die W\u00e4scheleine thematisiert) f\u00e4llt in einen Tagtraum, der in Visionen vom Meer \u00fcbergeht („Little fish swim between my legs \/ Oh and the waves are coming in“) und dies findet sich als Inhalt von „Nocturn“ wieder.
\nDie Sky-CD schildert eine Tagesabfolge vom Nachmittag bis zum Morgen. Vogelstimmen bilden ein durchg\u00e4ngiges Motiv, ebenso wie das Malerthema. Die mehrfache Verwendung der Textzeilen „A Sea of Honey“ und „A Sky of Honey“ (immer im Zusammenhang) koppeln textlich die beiden CDs genauso zusammen wie es das Cover tut. Ein sehr klarer Hinweis auf die Einheit der Sky-CD ist die Aufl\u00f6sung der Schallkurve des Covers im Booklet als die Vogelstimme aus „Aerial Tal“, die sich auf die gesamte CD beziehenden Zeit- und Taktangaben zeigen die Einheit der Sky-CD ganz deutlich. Auch der Schluss von „Nocturn“ mit seinem „climbing up the aerial“ verweist auf den Albumtitel und stellt zudem genau die auf dem Frontcover abgebildete Situation dar. Auch der mit dem Aufwachen der Tr\u00e4umer (als das Ende von „Nocturn“) beginnende Schlusstitel „Aerial“ endet „high on the roof“, genau dies ist eine der Interpretationen, die Kate selbst (1) f\u00fcr das Gesamtalbum gibt („Wenn ich den Begriff „Aerial“ h\u00f6re, dann denke ich an H\u00f6he. An eine Position, in der du \u00fcber den Dingen schwebst und hinuntergucken kannst.“).
\nBestimmte Details der Sky-CD verweisen auf die Sea-CD. Z.B. gibt es den Bezug auf das Meer in „Nocturn“. Die einleitende Textzeile „Sweet Dreams“ passt zu den Tagtr\u00e4umen von Mrs. Bartolozzi, die mit dem Meer zu tun haben. Ist „Nocturn“ der Tagtraum von Mrs. Bartolozzi?
\nF\u00fcr mich ist es damit recht schl\u00fcssig, das beide CDs zusammen geh\u00f6ren und dass sie in ein Gesamtkonzept eingebettet sind. Es sind Spiegelbilder: Vergangenheit\/Erinnerung und Gegenwart\/Zukunft\/Traum.<\/p>\n

(1) Interview in „Eclipsed“; Nr. 78, Dez\/Jan 05\/06, S.24 ff.
\n(2) Interview in „Mojo“; Dez. 2005, S.79
\n(3) John Mendelssohn: Warten auf Kate; Schl\u00fcchtern 2005; S.325
\n(4) siehe http:\/\/www.artnet.de\/galleries\/Exhibitions.asp?gid=381&cid=72313<\/a>
\nAutor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

Das Konzept hinter „A Sky Of Honey“<\/h4>\n

Die „Sky-Seite“ von „Aerial“ ist ein Konzeptalbum. Dies wird von Kate in (1) selbst so gesagt, wobei „Konzept“ (auch der Begriff „Suite“ wird von ihr verwendet) f\u00fcr Kate mehr ein Arbeitsbegriff zu sein scheint. \u00dcber die zugrunde liegende Konzeption selbst macht Kate nur wenige und eher kryptische Aussagen. Wie kann man also „A Sky of Honey“ deuten und interpretieren und das aus der Musik, dem Text und der Gestaltung des Booklets heraus? Diesen Fragen m\u00f6chte ich in diesem Beitrag etwas nachsp\u00fcren.
\nEs gibt eine Aussage von Kate \u00fcber die Vogelstimmen, die als Ausgangspunkt einer Deutung benutzt werden kann (1):
\n„It’s almost as if they’re vocalising light,“ she ruminates. „And I love the idea that it’s a language we don’t understand. Obviously a lot of it is, like ‚Fuck off! This is my spot.‘ And obviously, ‚Cor, you’re a bit of all right!‘ But there’s more to it than that. It’s incredibly complex.“ <\/i>
\nDie Stimmen der V\u00f6gel sind also f\u00fcr Kate eine Sprache, die wir nicht verstehen. Eine Sprache, in der sehr komplexe Inhalte ausgedr\u00fcckt werden. Vogelstimmen sind f\u00fcr Kate aber auch eine Darstellung von Licht in T\u00f6nen.
\nVogelstimmen (und was sie uns erz\u00e4hlen) spielen die zentrale Rolle des Konzeptalbums (der Sinfonie?) „A Sky of Honey“, ebenso die Thematik der Darstellung von Licht und Farben. Hiervon ausgehend erscheinen die weiteren Bestandteile folgerichtig. Menschen stellen Licht durch Malerei dar. Das Licht ver\u00e4ndert sich im Ablauf eines Tages. Die V\u00f6gel singen von den Stimmungen dieses unterschiedlichen Lichts. Kate singt von den Stimmungen dieses Lichts aus Menschensicht.
\nAm Booklet orientiert kann man „A Sky of Honey“ in vier (ineinander \u00fcbergehende) S\u00e4tze einteilen, den Nachmittagssatz, den Sonnenuntergangssatz, den Nachtsatz und den Morgensatz. Jeder dieser S\u00e4tze ist durch einen eigenen Stimmungsgehalt gekennzeichnet. Musikalisch wird sich an einem sinfonischen Ordnungsschema (langsam \/ schnell, Tanzsatz \/ langsam \/ schnell, Finale) orientiert. Auch die Titel einiger St\u00fccke beziehen sich auf Vorbilder der Musik der Romantik („Prelude“, „Prologue“, „Nocturn“).
\nDer einleitende Nachmittagssatz besteht aus „Prelude“, „Prologue“, „An Architect’s Dream“ und „The Painters Link“. Das Booklet hierzu ist in dunstigem Nachmittagslicht gehalten, Wolken im Himmel, Tauben schwingen sich auf. Die alle Bookletseiten der Sky-Seite kennzeichnende Vogelschallkurve ist in einem blassen Grau dargestellt. Dieser erste Satz ist ruhig, Klavier und Streicher spielen eine wichtige Rolle. Das s\u00fcdliche Licht und die verschwimmenden Farben werden in einer \u00e4u\u00dferst romantischen Musik beschworen, die in der Stimmung an die englischen Sp\u00e4tromantiker gemahnt.
\n„Prelude“ beginnt leise mit Vogelstimmen im Hintergrund, die einen regelrechten Stimmenteppich bilden. Taubengegurre kommt dazu, ein Klavier nimmt den Rhythmus der Taubenstimmen auf. Bertie spricht „Mummy .. \/ Daddy.. \/ The Day is full of birds \/ Sounds like they’re saying words“. Die Tauben antworten, sie klingen nach Worten. In „Prologue“ nimmt Kate diese scheinbar naive Aussage aus „Kindermund“ auf („We’re gonna laughing about this“) und interpretiert sie auf ihre Weise. Sie singt von den V\u00f6geln, die Abschied nehmen und in den S\u00fcden, in das s\u00fcdliche Licht ziehen. Sie singt davon, mit den V\u00f6geln abzuheben. („Joker“ hat nicht nur dies in (2) wunderbar interpretiert!) Die romantische Stimmung wird beschworen („Oh so romantic, swept me off my feet“). Der Chorus leitet \u00fcber zum Malerthema, der Darstellung von Licht und Farbe aus Sicht des Menschen. „An Architect’s Dream“ beschreibt Licht und Farbe aus Sicht des Menschen, des Malers („Watching the painter painting \/ And all the time, the light is changing). Dieses Lied ist offenbar das erste Lied der Sky-Seite gewesen (1), die Keimzelle des Konzeptalbums, entstanden 1998. Aber die Bem\u00fchungen sind vergeblich, in „The Painter’s Link“ macht die Natur die Bem\u00fchungen des Malers zunichte und verwandelt es in etwas Eigenes: Farben werden zum Sonnenuntergang. Damit leitet dieser „Link“ \u00fcber in den n\u00e4chsten Satz.
\nDer Sonnenuntergangssatz besteht aus „Sunset“, „Aerial Tal“ und „Somewhere in between“. Das Booklet hierzu ist sonnenuntergangsfarben, eine Amsel erzeugt die pechschwarze Vogelschallkurve, rechts sind Raben vor dem sich verdunkelnden Himmel zu sehen. Dieser zweite Satz ist t\u00e4nzerischer. Zwei rhythmische Teile werden durch ein andersgestimmtes Mittelst\u00fcck verbunden. Damit wird die Formgebung aufgenommen und interpretiert, die auch in der klassischen Musik f\u00fcr den schnellen Satz einer Sinfonie gebr\u00e4uchlich ist.
\n„Sunset“ ist eine Beschreibung des Sonnenuntergangs in einem Meer und einem Himmel wie aus Honig. Die Musik ist jazzartig und entspannt. Die Aussage „It’s almost as if they’re vocalising light“ \u00fcber den Vogelgesang (1) wird thematisiert („This is a song of colour \/ Where sands sing in crimson, red and rust“). Es ist ein Lied des Abschieds. Das Licht muss sterben, wird aber in den Sternen weiterleben („Every sleepy light \/ Must say goodbye \/ To day before it dies \/ In a sea of honey \/ A sky of honey“). In einem Flamenco-Chorus, einem letzten Tanz vor der Dunkelheit endet das Lied. Eine Amsel beginnt einsam mit „Aerial Tal“, dann kommt das Klavier dazu, dann Kate in einer Imitation des Vogelstimmengesangs. Das Gurren von Tauben leitet abrupt in den n\u00e4chsten Song \u00fcber. Dieser kurze und fremdartige Song enth\u00e4lt eine der zentralen Aussagen (Kate singt und interpretiert das Lied der V\u00f6gel), vielleicht hat es daher Verwendung als Teaser in der Werbung gefunden. „Somewhere in between“ nimmt dann wieder die Menschenperspektive ein. Es ist ein Lied in einem pulsierenden, ruhigen Rhythmus \u00fcber das Zwielicht. Ein Ruhepunkt auch in der Stimmung ist gefunden („Oh how we have longed \/ For something that would \/ Make us feel so ..“). Der Refrain thematisiert diese Zwielichtsituation mit seinen „somewhere in between“-Aussagen. Hier gibt es eine leise begleitende M\u00e4nnerstimme, an diesem Ruhepunkt ist man nicht mehr allein. Zum Abschluss das gute Nacht von Bertie – damit sind alle vereint.
\nDer Nachtsatz besteht aus „Nocturn“. Im Booklet hierzu wird die blaue Nacht dargestellt, die nach rechts so heller wird, so als ob dort der Morgen kommt. Wasser ist zu sehen, Sterne und V\u00f6gel, ein Mensch als Vogel verkleidet. Nur hier im Booklet der Sky-Seite taucht ein Mensch auf, er erscheint aber wie in einen Vogel verwandelt. Die Vogelschallkurve ist reinwei\u00df und ohne Konturierung. Die Musik dieses dritten Satzes beginnt sehr ruhig, steigert sich aber zu einem jubelnden H\u00f6hepunkt.
\nDer Chorus zu Beginn von „Nocturn“ („Sweet Dreams“) signalisiert, dass es um so etwas wie eine hypnotische Traumsequenz geht. Der Mensch im Einklang mit der Natur (der Mensch verwandelt in einen Vogel) ist nur im Traum m\u00f6glich. Das n\u00e4chtliche Licht wird in all seinen Facetten (Mondlicht, Sternenlicht wie Diamantenstaub) beschrieben. Das Lied kulminiert im Sonnenaufgang („Look at the light , all the time it’s a changing \/ Look at the light, climbing up the aerial“), im Aufwachen („and all the dreamers are waking“) und im Ausschwingen in „Aerial“.
\nDer abschlie\u00dfende Morgensatz besteht aus „Aerial“ und entsteht bruchlos aus dem dritten Satz. Im Booklet hierzu ist die Vogelschallkurve hell und sonnenfarben. Ein fliegender Vogel ist in der Kurve dargestellt quasi als Verk\u00f6rperung dieser Kurve. Der Hintergrund besteht aus schattenhaft dargestellten fliegenden V\u00f6geln vor einem roten Himmel. Der Vogel in der Schallkurve \u00e4hnelt sehr dem Vogel der Vogelmaske aus „Nocturn“. Dieser vierte Satz ist ein typischer Finalsatz, schnell und laut und ein bisschen jubilierend.
\nZu Beginn von „Aerial“ h\u00f6rt man hinter dem aus dem H\u00f6hepunkt von „Nocturn“ herausschwingenden Rhythmus Vogelstimmen im Hintergrund. Dann dominiert ein
\ntechnoider Rhythmus, die Realit\u00e4t in all ihrer Naturferne hat uns wieder; wir sind aus dem Traum aufgewacht. Und doch klingt der Refrain „I feel I want to be up on the roof“ fast wie ein Vogelruf, die Melodie ist immer noch der Vogelwelt nahe. Dies wird durch „Tell me what are you singing in the sun“ bekr\u00e4ftigt, wieder wird der Dialog aufgenommen mit den V\u00f6geln. Eine Amsel singt, Kate im Gegengesang, eine eigene Stimme, keine Imitation mehr wie in „Aerial Tal“. Dies geht am Schluss \u00fcber in rhythmisches Lachen, mit „All of the birds are laughing \/ Come on let’s all join in“ wird eingeladen zum Mitlachen. In einem sich steigernden Tanz aus Stimmen, Instrumenten und Gel\u00e4chter kulminiert das Lied, den Abschluss bildet wieder der Vogelstimmenteppich und das Gurren der Tauben. Damit schlie\u00dft sich der Kreis des Konzeptalbums und wir sind wieder am Anfang.
\n„Joker“ hat dies perfekt auf den Punkt gebracht (2): „Kate lacht mit den V\u00f6geln, ist selber zu einem Vogel geworden, ist ausgeflogen ihr Gl\u00fcck zu finden. Sie wei\u00df nun etwas. Etwas das nur sie wei\u00df. Von hoch oben blickt sie auf die Erde und lacht. Sie hat all den Menschen da unten etwas voraus. Sie hatte ihre „Erleuchtung“.“ „A Sky of Honey“ folgt dabei den Formen einer Sinfonie, um dieses Thema darzustellen. Es ist eine Sinfonie, die Licht und Farbe in der Natur, in der menschlichen Welt und in der Seele darstellt und interpretiert. Es ist eine Sinfonie \u00fcber den Aufbruch aus der Dunkelheit.
\nNeben den oben dargelegten Inhalten gibt es noch mehr Dinge, die st\u00fctzend zur Interpretation hinzugezogen werden k\u00f6nnen. In nahezu allen Kulturen werden V\u00f6gel als Darstellung der menschlichen Seele gesehen (3). In der Mythologie sind V\u00f6gel oft Gl\u00fcck bringende Erscheinungen. Bereits im Altertum verk\u00f6rperten sie die menschliche Seele, die im Augenblick des Todes aus dem K\u00f6rper tritt und davonfliegt. Auch in der christlichen Kultur gilt der Vogel als Sinnbild der Seele. Er erscheint auf Darstellungen Marias mit dem Kinde, in denen das Christuskind einen Vogel in der Hand oder an der Leine h\u00e4lt. Wenn also Kate \u00fcber den Gesang der V\u00f6gel und deren Sprache singt, dann singt sie auch \u00fcber die Sprache der menschlichen Seele.
\nIn der englischen Musik der Sp\u00e4trenaissance (z.B. bei John Dowland) wird die Todessehnsucht durch den „Black bird“ symbolisiert (4). In unz\u00e4hligen Gedichten im Umfeld von Dowlands Lachrimae-Pavanen wird dieser schwarze Vogel besungen und geradezu herbeigesehnt. Ein typisches Beispiel: „Wo der schwarze Vogel der Nacht sein Leid klagt, lasst mich in Einsamkeit leben.“ Dowland sieht im Schlaf den Verb\u00fcndeten des Todes, ein Kind der schwarzgesichtigen Nacht, einen schwarzen Vogel der Melancholie. Dies passt zur Thematik des Abschieds und der Einsamkeit im Sonnenuntergangssatz und spiegelt sich auch in der Bookletgestaltung dazu wieder.
\nAuch die Bez\u00fcge zur klassischen Musik der Romantik sind vielf\u00e4ltig, nicht nur in der Formgebung und in der Benennung einzelner Titel. Die Textzeile „Can you hear the lark ascending“ in „Prologue“ k\u00f6nnte auf das Violinkonzert „The lark ascending“ von Vaughan Williams hinweisen (5). Der Beginn von „Nocturn“ erinnert musikalisch und thematisch an den Beginn von „Summer Night on the River“ von Delius, dem Kate ja schon einmal ein Lied gewidmet hat. „A Sky of Honey“ gemahnt in der Stimmung der langsamen S\u00e4tze an die „Vier letzten Lieder“ von Richard Strauss, insbesondere an das Lied „Im Abendrot“ (im englischen „At Sunset“). In diesem Lied wird auch auf das Symbol der aufsteigenden Lerche Bezug genommen („Rings sich die T\u00e4ler neigen \/ Es dunkelt schon die Luft \/ Zwei Lerchen nur noch steigen \/ Nachttr\u00e4umend in den Duft.“) und auf den Tod („O weiter stiller Friede! \/ So tief im Abendrot \/ Wie sind wir wanderm\u00fcde \/ Ist das etwa der Tod?“).
\nKate Bush hat sich mit „A Sky of Honey“ ganz weit wegbewegt von dem, was man unter „Popsongs“ versteht. Ich glaube es ist die Eigenst\u00e4ndigkeit dieses Entwurfs, die einige H\u00f6rer irritiert, diese Mischung aus Sch\u00f6nheit und Radikalit\u00e4t. Mit jedem Album erfindet Kate eine Welt neu, dieser Satz hat sich f\u00fcr mich nach dieser Analyse mehr denn je best\u00e4tigt. Und f\u00fcr die Zuh\u00f6rer gilt das was uns die V\u00f6gel sagen: „Obviously a lot of it is, like ‚Fuck off! This is my spot.‘ And obviously, ‚Cor, you’re a bit of all right!‘ But there’s more to it than that.“ <\/i><\/p>\n

(1) Interview in „Mojo“; Dez. 2005, S.76 ff.
\n(2) Beitrag von „Joker“ auf http:\/\/www.carookee.com\/forum\/Kate-Bush\/22\/8136960.0.01105.html?p=2<\/a>
\n(3) L. Impelluso „Die Natur und ihre Symbole“; Berlin 2005; S.288
\n(4) V. Kalisch, M. Feldberg, P. Huth, U. Kirfel: Musica et Memoria; D\u00fcsseldorf 2005; Booklet zur gleichnamigen CD-Box; S.17
\n(5) Plattenkritik zu „Aerial“ in „Uncut“; Dez. 2005; S.98
\nAutor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

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1994<\/h5>\n

Kate Bush: Live At Hammersmith Odeon<\/h2>\n

\"Kate<\/a><\/p>\n

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Box: Video (Erstver\u00f6ffentlichung 1981) plus CD mit Ausschnitten vom Konzert 1979<\/p>\n

Moving – Them Heavy People – Violin – Strange Phenomena – Hammer Horror – Don’t Push Your Foot On The Heartbrake – Wow – Feel It – Kite – James And The Cold Gun – Oh England My Lionheart – Wuthering Heights<\/p>\n

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2.11.1993<\/h5>\n

The Red Shoes<\/h2>\n

\"The<\/a>\"The<\/a><\/p>\n

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Rubberband Girl – And So Is Love – Eat The Music – Moments Of Pleasure – The Song Of Solomon – Lily – The Red Shoes\u00a0– Top Of The City – Constellation Of The Heart – Big Stripey Lie – Why Should I Love You? – You’re The One<\/p>\n

The Red Shoes – Eine Analyse<\/h4>\n

„The Red Shoes“ ist kein Konzeptalbum. Aber auch wenn es das nicht ist, so gibt es meiner Ansicht nach doch einen roten Faden in diesem Album. Ich m\u00f6chte versuchen, diesem roten Faden nachzusp\u00fcren. Die Deutung und Interpretation wird sich dabei an der Musik, dem Text und der Gestaltung des Booklets bzw. des Covers orientieren.
\nLaut Kate selbst wachsen Titel w\u00e4hrend der Entstehung und ver\u00e4ndern sich, neue Ideen und Eindr\u00fccke flie\u00dfen ein (1). Solche Inspirationen kommen aus dem pers\u00f6nlichen Umfeld. Zur Deutung eines Albums ist also die Betrachtung dieser Einfl\u00fcsse ein zu beachtender und nicht zu vernachl\u00e4ssigender Aspekt.
\nIn der Zeit der Entstehung des Albums gab es schwerwiegende Ereignisse im pers\u00f6nlichen Umfeld. Die Mutter von Kate starb \u00fcberraschend, Freunde starben. Die Ersch\u00fctterung durch den Tod der Mutter war so stark, dass Kate die Arbeit monatelang unterbrechen musste (2). Den Albumhintergrund bilden Verluste, Verluste von Personen und Illusionen. Eine Suche nach Halt ist zu sp\u00fcren (es gibt religi\u00f6se Themen), eine Suche nach Beistand (deswegen die Vielzahl von bekannten Gastmusikern?), eine Suche nach Richtung, nach einem Ausweg. „The Red Shoes“ kommt aus einer Welt, die in Scherben liegt.
\nDer Titel ihrer Alben ist f\u00fcr Kate nach ihrer eigenen \u00c4u\u00dferung (3) eine Art Kurzbeschreibung, so etwas wie ein Buchtitel, in ihm findet sich mottoartig die Essenz des Albums. „Die roten Schuhe“ ist der Titel eines M\u00e4rchens von Andersen. Ein M\u00e4dchen ist besessen davon, ein Paar roter Schuhe zu besitzen. Daf\u00fcr gibt sie alles auf, vernachl\u00e4ssigt alles, nimmt den Tod von geliebten Personen gleichg\u00fcltig hin. Sie wird bestraft durch einen Zauber, muss ewig verdammt tanzen, erst das Abhacken der F\u00fc\u00dfe bricht den Zauber. Schlie\u00dflich stirbt sie nach langer Zeit der Abbitte, endlich erl\u00f6st. Dieses M\u00e4rchen ist von Michael Powell 1948 in einem ber\u00fchmten Ballettfilm aufgenommen und interpretiert worden. Eine T\u00e4nzerin wird zerrissen zwischen ihrer Leidenschaft f\u00fcr ihren Tanz und ihrer Liebe zu einem Mann.
\nDas Motiv der roten Schuhe dominiert das Cover, das Booklet verweist aber auch auf einen zweiten Track des Albums. Fr\u00fcchte sind das (vordergr\u00fcndige) Thema von „Eat the music“ und das R\u00fcckcover wird durch diese Fr\u00fcchte bestimmt, rot und lebendig und unge\u00f6ffnet. Das Booklet selbst ist zum Auffalten, so als ob es ein innen liegendes Geheimnis verbirgt. Auf der Au\u00dfenseite zeigt es eine Tanzdarstellung, Kate und eine zweite Person, edel, schwarzwei\u00df, sinnlich. Dieses Bild ist auf einen Teppich aus unge\u00f6ffneten Fr\u00fcchten aufgesetzt. Nach Auffalten des Booklets zeigt sich das wahre Innere: ge\u00f6ffnete, zerschnittene Fr\u00fcchte, nicht mehr rot und lebendig, wie ein verletzter, aufgebrochener, blutiger K\u00f6rper. Titel und Texte sind wie ein dunkler Schatten dar\u00fcber gelegt. F\u00fcr mich ist das eine Offenlegung von Verletzung, aber auch ein vorbehaltloses \u00d6ffnen gegen\u00fcber dem H\u00f6rer. Im Text zu „Eat the music“ heisst es „Split me open \/ With devotion \/ You put your hands in \/ And rip my heart out \/ Eat the music“. All dies wird in den Bildern des Booklets dargestellt.
\nAspekte der Verlorenheit, des Verlusts, der Ersch\u00f6pfung, der Suche nach Halt finden sich \u00fcberall in den Liedern wieder. Auch eine St\u00f6rung in der Beziehung zu ihrem langj\u00e4hrigen Lebenspartner Del Palmer deutet sich in den Liedern schon an, das Motiv der Trennung und der verlorenen Liebe kommt in mehreren Songs vor. Und in der Tat kam es nach dem Album dann zur Trennung (2).
\nIn „Rubberband Girl“ steht das Gummiband als Symbol f\u00fcr die Flexibilit\u00e4t, f\u00fcr das Rettungsseil. Hier ist vordergr\u00fcndig viel Fr\u00f6hlichkeit in der Musik, ein Tanzlied scheint es zu sein. Es gibt sehr viele Elemente im Hintergrund, Stimmen kommen aus allen Richtungen, das ist Chaos und Desorientierung. „And so ist love“ wird von Traurigkeit und einer Stimmung des Verlusts, des Zweifels, der Verzweiflung beherrscht. „Eat the music“ ist wieder scheinbar fr\u00f6hliche Musik, aber fast besessen wird das gleiche musikalische Motiv wiederholt. Auch der Text ist alles andere als fr\u00f6hlich (s.o.). In „Moments of Pleasure“, „The Song of Solomom“ und „Lily“ geht es um Verlust, Einsamkeit, Suche nach W\u00e4rme und N\u00e4he, um Suche nach Hilfe, Schutz und Unterst\u00fctzung. Im besessenen Tanzst\u00fcck „The red shoes“ findet sich das Motiv der Flucht aus dem bisherigen Leben („Put them on and your dream’ll come true \/ With no words, with no song \/ You can dance the dream with your body on“). „Top of the City“ ist eine traurige Ballade \u00fcber den Verlust der Liebe und \u00fcber den Selbstmord. Um eine Auseinandersetzung mit der Liebe, dem Herzen, aber auch mit dem Schmerz geht es in „Constellation of the Heart“, ins Komische gezogen, mit einfl\u00fcsternden Stimmen des Chores, die Kate versuchen zu \u00fcberzeugen, dass das Leben doch gut\/sch\u00f6n\/wundervoll sein kann und nicht nur angsterf\u00fcllt\/schmerzend. „Big stripey lie“ ist total fremdartig, absolut dunkel, fast ohne jede Hoffnung (bis auf eine einsame, wunderbare Violinlinie). Abkehr von der Welt und Zweifel kennzeichnen „Why should i love you“, eine allertraurigste Liebeserkl\u00e4rung „You’re the one“ an den Geliebten nach der Trennung beschliesst das Album. (An der Stelle von Del Palmer w\u00e4re ich sp\u00e4testens hier ins Gr\u00fcbeln gekommen.)
\n\u00dcberall in diesem Album ist Schmerz. \u00dcberall in diesem Album sind im Hintergrund bedrohliche Stimmen, Ger\u00e4usche, Chaos. Ein Album der Verlassenheit, Verzweiflung, der vorget\u00e4uschten Fr\u00f6hlichkeit, ein (Hilfe)Schrei. Ein Album \u00fcber den Zusammenfall der Welt; eine Momentaufnahme kurz vor dem Crash. Danach war die lange Ersch\u00f6pfungspause folgerichtig und danach erscheint ein lichtdurchflutetes Album wie „Aerial“ noch mehr wie ein Befreiungsschlag, wie eine Abkehr von der Vergangenheit.
\n„The red shoes“ ist ein untersch\u00e4tztes bzw. nicht verstandenes Album. Selbst Jovanovic (2) in seinem ansonsten guten Buch zieht keine Schl\u00fcsse und steht ihm zweifelnd gegen\u00fcber. Zur Zeit ist es im Aerial-Hype geradezu Mode in der Musikpresse, das Album schlecht zu machen – in (4) wird z.B. von „das war sterbens\u00f6der Alte-Menschen-Biedersinn“ gesprochen. Meiner Ansicht ist so etwas ein Indiz f\u00fcr eine sehr oberfl\u00e4chliche, zeitgeistgest\u00f6rte Betrachtungsweise und ein Eingest\u00e4ndnis des Nichtverstehen(wollen)s. Liegt dieses Zur\u00fcckschrecken in einer Angst vor so offen in der Musik gezeigten Emotionen begr\u00fcndet? Selbst Kate zieht sich im nachhinein von dieser Direktheit und Offenheit zur\u00fcck, sie relativiert und verschleiert das Album (5): „It’s mutch too long and it goes on and it gets boring.“
\nWahrscheinlich braucht „The red shoes“ noch einige Jahre, um gesch\u00e4tzt zu werden. Einen im der Stimmung und in der Wahl der Mittel sehr \u00e4hnlichen Album wie „The Dreaming“ ist es ja nicht anders ergangen. Wenn man sich aber nur ein bi\u00dfchen genauer mit dem Album besch\u00e4ftigt, dann geht das Verstehen und Sch\u00e4tzen ganz schnell (Liebe ist eine andere Sache). Fans sollten das hinbekommen .-)<\/p>\n

(1) Interview in „Vox“ 11\/93 S. 32 ff.
\n(2) R. Jovanovic: Kate Bush. The Biography; London 2005; S.183 ff.
\n(3) Interview in „Eclipsed“ 12-01\/05-06 S.24 ff.
\n(4) Falk Schreiber: „Die Wiederg\u00e4ngerin“; in „Kulturnews“ 01\/06 S.8
\n(5) Interview in „Mojo: 12\/05 S. 76 ff.
\nAutor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

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22.10.1990<\/strong><\/p>\n

This Woman’s Work<\/h2>\n
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8-CD Box-Set<\/p>\n

CD 1: The Kick Inside – CD 2: Lionheart – CD 3: Never For Ever – CD 4: The Dreaming – CD 5: Hounds Of Love – CD 6: The Sensual World.<\/p>\n

CD 7: The Empty Bullring –\u00a0Ran Tan Waltz – Passing Through Air\u00a0– December Will Be Magic Again\u00a0– \u00a0 Warm And Soothing – Lord Of The Reedy River –\u00a0Ne T\u00b4En Fuis Pas –\u00a0Un Baiser D\u00b4Enfant –\u00a0Under The Ivy – Burning Bridge –\u00a0My Lagan Love –\u00a0The Handsome Cabin Boy –\u00a0Not This Time –\u00a0Walk Straight Down The Middle –\u00a0Be Kind To My Mistakes<\/p>\n

CD 8: I’m Still Waiting –\u00a0Ken –\u00a0One Last Look Around The House Before We Go…. –\u00a0Wuthering Heights (New Vocal) –\u00a0Experiment IV –\u00a0Them Heavy People (live) –\u00a0Don\u00b4t Push Your Foot On The Heartbrake (live) –\u00a0James And The Cold Gun (live) –\u00a0L\u00b4Amour Looks Something Like You (live) –\u00a0Running Up That Hill (12″) –\u00a0 Cloudbusting (The Organon Mix) –\u00a0Hounds Of Love (Alternative) –\u00a0The Big Sky (Meteorological Mix) –\u00a0 Experiment IV (12″)<\/p>\n

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\u00a017.10.1989<\/h5>\n

The Sensual World<\/h2>\n

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The Sensual World – Love And Anger – The Fog – Reaching Out – Heads We’re Dancing – Deeper Understanding – Between A Man And A Woman – Never Be Mine – Rocket’s Tail – This Woman’s Work – Walk Straight Down The Middle<\/p>\n

The Sensual World: Eine Analyse<\/h4>\n

Einstiegspunkt f\u00fcr meine Analyse ist der Titel des Albums. Mit der Titelgebung wird dem Album gleichsam ein Markenzeichen aufgesetzt. Die Inhalte und die Stimmungen werden in einer einpr\u00e4gsamen Phrase zusammengefasst. Kates Albumtitel sind meist programmatisch, sie dienen als Einf\u00fchrung in die musikalische Welt, bilden das Motto [1]. In meinem Beitrag m\u00f6chte ich die These belegen, dass „The Sensual World“ ein Album \u00fcber sinnliche Erfahrung ist, ein Album \u00fcber unsere emotionale Beziehung zur Welt und zu unseren Mitmenschen in all ihren Facetten.
\nKate sagt selbst [2] \u00fcber den titelgebenden Track: „In dem Song steigt die Hauptfigur aus ihrer schwarzwei\u00dfen, zweidimensionalen in die richtige Welt um. Der erste Eindruck ist die Sinnlichkeit dieser Welt. Die Tatsache, da\u00df man Dinge anfassen kann, da\u00df man die Farbe der B\u00e4ume sehen, das Gras unter den F\u00fc\u00dfen f\u00fchlen kann. Die Tatsache, da\u00df wir von so viel Sinnlichkeit umgeben sind. Wir nehmen sie gar nicht mehr wahr. Aber ich bin mir sicher, da\u00df jemand, der das alles vorher nicht erlebt hat, davon vollkommen \u00fcberw\u00e4ltigt w\u00e4re.“<\/i>
\nDas Cover visualisiert im Idealfall den Inhalt des Albums, es gibt dem Titel des Albums ein aussagekr\u00e4ftiges Bild. Bei „The Sensual World“ passt das Covermotiv sehr gut zu diesem „Umsteigen“ in die sinnliche Welt, dieser Menschwerdung. Es enth\u00e4lt aber zudem noch weitere Deutungs-Informationen.
\nIn schlichtem Schwarzwei\u00df, br\u00e4unlich angehaucht stellt sich das Cover dar, wie ein altes, etwas vergilbtes Foto. Der Titel ebenfalls schlicht, in goldener Schrift. Kate schaut gro\u00df\u00e4ugig direkt den Betrachter an, ihre Haare verschwimmen mit dem samtigen Hintergrund und sind kaum sichtbar. Das Gesicht – etwas unwirklich, spitz, feenhaft – tritt aus einem gestaltlosen Dunkel hervor „into the sensual world“. Kate ist unbekleidet, sie h\u00e4lt eine gro\u00dfe, voll erbl\u00fchte Rose in der Hand, hinter der sie den unteren Teil des Gesichts (den Mund) versteckt. Diese \u00fcberdimensionale Rose beherrscht zusammen mit Kates gro\u00dfen Augen das Bild. Es ist unklar, ob es sich um eine wei\u00dfe Rose oder eine rote Rose handelt. Diese Rose symbolisiert offenbar die auf dem Cover dargestellte Hauptperson des Tracks „The Sensual World“, in dem die Ich-Erz\u00e4hlerin von sich als „flower of the mountain“ spricht.
\nDie Rose ist eine Blume, die \u00e4u\u00dferst symboltr\u00e4chtig ist. Die hervorgehobene Position auf dem Cover zwingt fast dazu, sich mit diesen Bedeutungen zu befassen. Die rote Rose bedeutet Liebe und Hochzeit, die wei\u00dfe Entsagung und Tod (Friedh\u00f6fe werden oft als Rosengarten bezeichnet) [3]. Im Altertum hatten Rosen die Bedeutung von Trauer und Tod. In Rom geh\u00f6rte das Fest, bei dem man die Gr\u00e4ber der Toten mit Rosen schm\u00fcckte (die „Rosalia“) zu den Todesritualen. Im Verlaufe der Christianisierung wurde die Blume aber dann mit Maria in Verbindung gebracht, die rote Rose ist gleichsam ein Symbol der Mutter Gottes geworden [4]. F\u00fcr die gro\u00dfen Astrologen wie Agrippa von Nettesheim war die Rose die Blume der gro\u00dfen G\u00f6ttin Venus, die Blume der Liebe und der Sch\u00f6nheit [5]. Die Anordnung der Kelchbl\u00e4tter f\u00fchrt zudem auf das Pentagramm (F\u00fcnfeck), wodurch die Rose auch ein Zeichen des Geheimnisses wurde [3].
\nMit „The Sensual World“ und mit der Rose in der Hand zeigt sich uns Kate als eine lichte und eine dunkle Verk\u00fcnderin der Liebe und der Geheimnisse. Mit dieser voll erbl\u00fchten Rose zeigt uns Kate, dass es um die Verk\u00f6rperung und Darstellung der weiblichen Aspekte geht. Offene Aussagen von Kate [2] unterst\u00fctzen dies:
\n„Dies ist meine weiblichste Platte. Die Rockmusik wird von M\u00e4nnern beherrscht, von m\u00e4chtigen Drumsounds und kr\u00e4ftigen B\u00e4ssen. Das sind die typischen Macho-Sounds. Ich wollte weibliche Stimmen und weibliche Arrangements draufsetzen. Ich wollte die weibliche St\u00e4rke herausstellen.“ <\/i>
\nFinden sich diese Aspekte in der Musik und in den Texten wieder? Meiner Ansicht nach bei den Texten sicherlich. Bei der Musik ist dies schwieriger zu beurteilen.
\nDie Musik ist – wie von Kate angesprochen – nicht von dahertrommelnden B\u00e4ssen gepr\u00e4gt. Sie ist komplex, verwoben, weich, durch sich \u00fcberlagernde Strukturen gekennzeichnet. Es ist ein integrierter Klang, die Stimme ist eine Klangfarbe unter vielen. Die Integration der Stimme geht oft so weit, dass der Text kaum verst\u00e4ndlich ist. Die Musik ist von Frauenstimmen (Kate, Trio Bulgarka) gepr\u00e4gt. Klassische Instrumente werden verwendet, es gibt zudem viele irische Ankl\u00e4nge. Die komplexe, sinnliche Welt ist mit der Vergangenheit verwoben. Diese Kl\u00e4nge sind nicht „m\u00e4nnlich“ im Sinne der \u00c4u\u00dferung von Kate. Offener treten die weiblichen Aspekte allerdings in den Texten zu Tage.
\nDer Bogen des Albums spannt sich vom titelgebenden St\u00fcck „The Sensual World“ bis zum Schlussst\u00fcck “ This Woman’s work“ (in der CD-Version ist noch “ Walk Straight Down The Middle “ als Bonus-Track angef\u00fcgt). Die Texte kreisen um Beziehungen und damit zusammenh\u00e4ngende Emotionen, gesehen aus weiblicher Sicht. Der Bogen spannt sich vom Hineintreten in die sinnliche Welt bis zur Geburt eines Kindes, der Weitergabe des Lebens.
\nKeimzelle ist das Lied „The Sensual World“, der erste Track des Albums, der namensgebende Track. Urspr\u00fcnglich sollte hier der ber\u00fchmte, von Sinnlichkeit und Erotik \u00fcberquellende Schlussmonolog der Molly Bloom aus dem „Ulysses“ von James Joyce als Textgrundlage genommen werden. Da Kate die Rechte nicht bekam, entstand der Text in Anlehnung daran, jetzt zus\u00e4tzlich angereichert um das Motiv des Hereintretens in die sinnliche, „wahre“ Welt („Stepping out of the page into the sensual world.“). Mit diesem ersten Lied tritt die weibliche Hauptfigur des Albums hinein in die Welt und beginnt ihre Erfahrungen. „Bloom“ bedeutet \u00fcbersetzt Duft, Bl\u00fcte, Hauch, Sch\u00f6nheit, rosige Frische. All diese Assoziationen finden sich im Text wieder (z.B. „He said I was a flower of the mountain, yes, \/ But now I’ve powers o’er a woman’s body, yes.“) und zeigen sich auch in der Covergestaltung (z.B. die Rose).
\nIn den weiteren Titeln spannt sich der Bogen der Erfahrungen von den Gef\u00fchlen zwischen zwei Liebenden („Love and Anger“) bis zur orgiastischen Ausgelassenheit („Rocket’s tail „). Dazwischen gibt es Lieder \u00fcber alle Arten von Zuneigung, Liebe, Beziehungen. Es sind Lieder \u00fcber die Liebe, die tief ist und unheimlich wie das Wasser („The Fog“), Lieder \u00fcber das instinktive Verlangen, das Verlangen nach Liebe und Zuneigung, aber auch \u00fcber die Gefahren dabei („Reaching Out“), Lieder \u00fcber die Faszination des B\u00f6sen im allt\u00e4glichen Gewand („Heads we’re dancing „).
\nSo wie das Album mit einer „Geburt“ in „The Sensual World“ beginnt, so endet es mit einer (Wieder)Geburt in „This Womans Work“. Dieser Track ist als Filmmusik zu dem Film „She’s having a baby“ geschrieben worden. Er begleitet dort eine sehr emotionale Szene, in der ein Ehemann um seine Frau bangt, die ein Baby bekommt.
\nAuch der auf der CD-Version angeh\u00e4ngte Bonustrack „Walk Straight Down The Middle“ kreist um das Thema Beziehungen. In den aufgespannten Rahmen zwischen Geburt und Geburt passt er so angeh\u00e4ngt allerdings nicht (weswegen ich ihn beim Anh\u00f6ren des Albums meist auslasse und ihn lieber einzeln h\u00f6re). Das Album ist eine gro\u00dfartige Visualisierung des Schlussmonologs aus „Ulysses“, ein Eindruck dieser „Sensual World“, in die man aus dem Papier heraustritt. Obwohl der Blick auf die Welt mit einem weiblichen Blick geschieht, ist es doch umfassender, allgemeing\u00fcltiger. Das Album ist eine tiefgr\u00fcndige Erforschung dessen, was die menschlich-sinnliche Welt ausmacht: Beziehungen aller Art. Oder um es in einem kurzen Satz zusammenzufassen: „the purpose of The Sensual World is to examine all sorts of problems in relationships“ [6].<\/p>\n

[1] M. Loesl: „Kate Bush spricht!“; „Eclipsed“; Nr. 78, Dez\/Jan 05\/06, S.24-25
\n[2] C. Rebmann: „Kate Bush“; Fachblatt Musikmagazin 11(?)\/89 (zitiert nach gaffaweb)
\n[3] Der Gro\u00dfe Brockhaus; Leipzig 1933; Band 16, S.98
\n[4] L. Impelluso: Die Natur und ihre Symbole; Berlin 2005; S.118
\n[5] W. Bauer, I. D\u00fcmotz, S. Golowin, H. R\u00f6ttgen: Bildlexikon der Symbole; M\u00fcnchen 1980; S.32
\n[6] R. Lucius: „The Lily in Her Soul“; HomeGround Nr. 68 S.12-13<\/p>\n

Autor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

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10.11.1986<\/strong><\/p>\n

The Whole Story<\/h2>\n

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Best of: Wuthering Heights (New Vocal) –\u00a0Cloudbusting –\u00a0The Man With The Child In His Eyes – Breathing –\u00a0Wow – Hounds Of Love –\u00a0Running Up That Hill –\u00a0Army Dreamers –\u00a0Sat In Your Lap –\u00a0Experiment IV\u00a0– The Dreaming –\u00a0Babooshka<\/p>\n

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\u00a016.9.1985<\/strong><\/p>\n

Hounds Of Love<\/h2>\n

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Hounds Of Love: Running Up That Hill (A Deal With God) – Hounds Of Love – The Big Sky – Mother Stands For Comfort – Cloudbusting<\/p>\n

The Ninth Wave: And Dream Of Sheep – Under Ice – Waking The Witch – Watching You Without Me – Jig Of Live – Hello Earth – The Morning Fog<\/p>\n

Bonus Tracks zum 100. Geburtstag von EMI 1997: The Big Sky (Meteorological Mix) – Running Up That Hill (12″ Mix) – Be Kind To My Mistakes – Under The Ivy – Burning Bridge – My Lagan Love<\/p>\n

Hounds of Love: Eine Analyse<\/h4>\n

Das Album \u201cHounds of Love\u201d ist ein H\u00f6hepunkt in der Karriere von Kate Bush, ein Meilenstein. Es enth\u00e4lt eine F\u00fclle von originellen und sch\u00f6nen Liedern, die vielf\u00e4ltige Interpretationen erlauben. Wie kaum ein Bush-Album vorher ist es ein Blick in eine eigene, faszinierende Welt.
\nDas Album ist auf den ersten Blick viel sonniger als das vorhergehende „The Dreaming“. Die musikalischen Mittel – auf \u201eThe Dreaming\u201c noch im Rausch des Experiments genutzt \u2013 sind jetzt voll beherrscht, von Selbstsicherheit gepr\u00e4gt, meisterlich angewandt.
\nViel zu wenig wird ein Satz beachtet, den Kate Bush in einem Radiointerview (Diliberto 1985, nur im Radiointerview enthalten) gesagt hat: \u201eI think albums are like that, they’re…they are little diaries. <\/em>You know, you sort of sit there and write — not autobiographical things — but what you feel at the time, things that move you. I think it does say a lot about you at the time.<\/em>\u201d Kates Alben k\u00f6nnen (und sollen) verstanden werden als Stimmungstageb\u00fccher. \u00dcber diese Grundstimmung des Albums gibt Kate Bush selbst freim\u00fctig Auskunft: \u201eIch wollte \u00fcber die positive Kraft der Liebe schreiben und nicht mehr \u00fcber Menschen, die sich zerst\u00f6ren. [..] Dabei wollte ich Liebe nicht nur als fr\u00f6hliche, lichtvolle Angelegenheit beschreiben, sondern sie in allen, auch ihren dunklen Aspekten zeigen. Die LP hat dadurch zwei sehr unterschiedliche Seiten bekommen. Die erste gibt einen Ausblick auf verschiedene Formen von Liebe und handelt durchweg von Beziehungen, und die zweite Seite geht tiefer, darum auch das alle St\u00fccke umfassende Konzept.<\/em>\u201c (Hub 1985)
\nLeitidee sind also die unterschiedlichen Aspekte der Liebe, wobei die zweite Seite die tiefergehenden Aspekte betrachtet. Das Album ist so in zwei deutlich getrennte Seiten geteilt. Kate hat zugestanden, dass sie zuerst unsicher war \u00fcber die Tragf\u00e4higkeit der Konzeptidee und dass sie deshalb sozusagen als \u201eSicherheitsleine\u201c eine Seite mit individuellen Songs gestaltet hat: \u201eSo it made sense for me to secure myself by writing a couple of other songs for the other side while I was working on that side.<\/em>\u201c (Devitt 1985). Die erste Seite ist auch als Gegenpart (Spiegel?) der Konzeptseite gedacht: \u201eIt would be interesting to have a side that was conceptual, and then make the other side a kind of counter-balance.<\/em>\u201c(Devitt 1985)
\nDie erste Seite ist eine Handvoll von Liebesliedern \u00fcber problematische Beziehungen. Die Musik ist popsong-artig, zug\u00e4nglich. Niemals waren Songs von Kate Bush chartstauglicher. Das gilt aber nur f\u00fcr die Musik – die Texte sind von abgr\u00fcndigerer Natur. Komplexe Aspekte der Liebe werden thematisiert. Dass Liebe nicht nur sonnig, sondern gleichzeitig auch be\u00e4ngstigend sein kann, wird schon durch den Titel dieser Seite (und des Albums) verdeutlicht – \u201eHounds of Love\u201c. Kate erkl\u00e4rt das so: \u201e[..] das sind die Hunde, die den jagen – symbolisch nat\u00fcrlich -, der sich vor der Liebe f\u00fcrchtet, der Angst hat, ihr in die „Falle“ zu gehen. Aber es sind nicht wirklich b\u00f6se Hunde, man kann ja auf dem Cover sehen, wie sanft und sch\u00f6n die „Hounds of Love“ sind.<\/em>\u201c (Hub 1985)
\n\u201eRunning up that hill\u201c entstand im Sommer 1983 als erster Song des Albums (Thomson 2012, S.258). Es ist ein hymnisch vorantreibender Titel voller Energie mit einem Grundteppich aus leisen Trommeln und einem orgelpunktartig eingesetzten Synthesizerakkord. Der Song handelt von der Unm\u00f6glichkeit, dass sich zwei Liebende wirklich verstehen k\u00f6nnen und wie verlockend es w\u00e4re, f\u00fcr eine kurze Zeit die K\u00f6rper tauschen zu k\u00f6nnen und in die Seele des Gegen\u00fcber einzutauchen. Er ist energisch und perfekt gesungen \u2013 offenbar handelt es sich um eine sehr energiegeladene Beziehung, in der die Funken fliegen.
\n\u201eHounds of Love\u201c basiert lose auf dem Film „The night of the demon“, in dem ein d\u00e4monisches Wesen auf die Menschen losgelassen wird. Die Furcht vor der d\u00e4monischen, zerst\u00f6rerischen Kraft der Liebe wird thematisiert. Der Song ist im Rhythmus zerrissener, bedrohlicher. F\u00fcr mich klingt dieser vorw\u00e4rtsdr\u00e4ngende Rhythmus wie ein gro\u00dfes verfolgendes Tier, das durch einen dunklen Wald l\u00e4uft (und das am Schluss ankommt). Gro\u00df, gef\u00e4hrlich, kraftvoll. Aber das ist nur die Sicht auf die Liebe aus Sicht der Feiglinge (das Wort \u201ecoward\u201c kommt im Text vor) \u2013 die Jagdhunde der Liebe sind sanft und sch\u00f6n. Sie beh\u00fcten den, der sie in den Arm nimmt und an sich heranl\u00e4sst \u2013 so sagt es das Cover.
\n\u201eThe big sky\u201c ist eine vorantreibende Welle, die sich immer mehr steigert. Abkehr vor der Realit\u00e4t, vielleicht Angst vor der Realit\u00e4t, ein Blick in den Himmel (wie auch in \u201eHello Earth\u201c \u2013 hier spiegelt sich das). Es geht um das Nicht-Verstanden-Werden in Beziehungen („you never understood me“). Der Song ist voller Stimmen, ein sich \u00fcberschlagendes Chaos aus Geschehnissen. Die eigene Fantasie ist voller Geheimnisse und grenzenlos. Aber es finden sich auch Andeutungen von dunklen Dingen, Hinweise auf Wasser, eine gro\u00dfe Flut \u2013 die Textzeile „build me an ark“ kommt vor. Dies kann als weiterer Verweis auf die zweite Seite „The ninth wave“ des Albums gesehen werden.
\n\u201eMother stands for comfort\u201c im Gegensatz dazu ist k\u00fchl, ruhig, zur\u00fcckgenommen, fast psychopathisch emotionslos in der Instrumentation. Die Stimmung ist abgek\u00fchlt, erfroren. Jemand verl\u00e4sst sich auf die bedingungslose Liebe seiner Mutter, ganz egal was er getan hat. Kate Bush selbst hat es perfekt erl\u00e4utert: \u201eWell, the personality that sings this track is very unfeeling in a way. And the cold qualities of synths and machines were appropriate here. There are many different kinds of love and the track’s really talking about the love of a mother, and in this case she’s the mother of a murderer, in that she’s basically prepared to protect her son against anything. ‚Cause in a way it’s also suggesting that the son is using the mother, as much as the mother is protecting him<\/em>.\u201d (Skinner 1992). In seiner erfrorenen Stimmung klingt der Song so, als wenn er auch auf die zweite Seite passen w\u00fcrde.
\nPulsierende Streicher und ein staccatoartiger Rhythmus kennzeichnen \u201eCloudbusting\u201c. Der Song handelt von der Liebe zwischen Sohn und Vater, bedroht durch \u00e4u\u00dfere Kr\u00e4fte. Es basiert auf dem Buch \u201eBook of Dreams\u201c von Peter Reich, dem Sohn des ber\u00fchmten Psychoanalytikers Wilhelm Reich. Eine der Ideen von Wilhelm Reich war eine Regenmaschine, der \u201eCloudbuster\u201c, zu der sie zusammen gingen, um Regen zu machen. Der Vater wird verhaftet, das Kind bleibt allein zur\u00fcck (damit haben wir eine gegens\u00e4tzliche Konstellation zu „Mother stands for comfort“). Kate erl\u00e4utert das so: \u201eAnd the song is really about that adult looking back at the magic of their relationship, how much they loved it and how for him now that his father is not there anymore that every time it rains he thinks about how they were together out there on the machine cloudbusting. And it makes him happy he finds a way with coping with it.<\/em>\u201c (N.N. 1985). Der Song steigert sich zu einem Marsch, fast einem Trauermarsch. Das gibt die Stimmung wieder, verdeutlicht aber auch die Energie der Regenmaschine. Am Schluss die T\u00f6ne einer anhaltenden Lokomotive, eine Vollbremsung. (Kate Bush sagte, dass dies eine Notl\u00f6sung gewesen sei \u2013 es fehlte ein passender Schluss f\u00fcr das Lied.)
\nWie soll man die zweite Seite \u201eThe Ninth Wave\u201c beschreiben? F\u00fcr mich ist es eine d\u00fcstere Suite \u00fcber den Tod und die Wiedergeburt. Ich stelle mir Fragen wie \u201eHat die Vollbremsung am Schluss von \u201aCloudbusting\u2018 zum Tod gef\u00fchrt? Ist dies ein Traum im Delirium?\u201c. Diese Suite von Songs hat eine Oberfl\u00e4che, sie h\u00e4ngen \u00fcber eine durchgehende Geschichte zusammen. Lassen wir wieder Kate Bush selbst sprechen: \u201eWir reden \u00fcber einen Sturm. Da ist ein Mensch bei Sturm \u00fcber Bord gegangen und k\u00e4mpft eine ganze Nacht gegen die Wellen, die M\u00fcdigkeit und die Gefahr, aufzugeben. Zu dieser Handlung habe ich alle St\u00fccke der zweiten LP-Seite geschrieben. [\u2026] Da geht also jemand \u00fcber Bord, nachts. Er wird wahnsinnig m\u00fcde, will resignieren. Dann ziehen seine Vergangenheit, seine Gegenwart und seine Zukunft an ihm vorbei und versuchen, ihn wachzuhalten und durch diese Nacht zu kriegen.<\/em>\u201c (Hub 1985)
\nWas aber verbirgt sich unter dieser Oberfl\u00e4che, was uns Kate nicht erz\u00e4hlen will, was sie nur andeutet? Auch dazu gibt es von Kate Bush selbst wenigstens einen Hinweis: \u201eDas sind nat\u00fcrlich auch Metaphern f\u00fcr eine sehr tiefe innere Erfahrung, nach der man am anderen Ende als gel\u00e4uterter Mensch wieder ans Licht tritt.<\/em>\u201c (Hub 1985)
\nDie dunkle und t\u00f6dliche Anziehungskraft des Meeres (Thomson 2012, S.261) wird heraufbeschworen. Das Meer, das Symbol des Unterbewussten. Die Schiffbr\u00fcchige als Symbol des Verlorenseins in sich selbst. In dieser Suite entfernt sich die Protagonistin von Lied zu Lied weiter von der Realit\u00e4t, taucht tiefer ein in das Unbewusste \u2013 bis zum Wiederauftauchen im letzten Song. \u201eJa, wie eine Wiedergeburt. Da ist einmal das \u00e4u\u00dferliche, k\u00f6rperliche Moment, und dann ein Prozess, der im Kopf abl\u00e4uft, Gedanken, Reisen zu inneren R\u00e4umen.<\/em>\u201c (Hub 1985). Durchgehendes Symbol ist das Licht, das leitet \u2013 und dieses Licht ist f\u00fcr mich die Liebe. Nur die Liebe in all ihren Aspekten rettet vor dem Untergehen.
\nIn \u201eAnd dream of sheep\u201c wird der Rahmen der Geschichte aufgestellt: Eine Schiffbr\u00fcchige treibt im n\u00e4chtlichen Meer, mit Schwimmweste und Notlicht, kaum noch bei Bewusstsein. Eine Gesangsstimme wie im Traum. Stimmen aus dem Leben versuchen sie noch zu erreichen, aber wie von Narkotika bet\u00e4ubt sinkt sie tiefer und tiefer („like poppies, heavy with seed – They take me deeper and deeper“). Auch die Melodie geht hinunter in diese Tiefe. Geht es nur in die Bewusstlosigkeit oder tiefer ins Meer? Ertrinkt sie?
\nOhne Pause beginnt \u201eUnder Ice\u201c, abrupt sind wir in einer d\u00fcsteren Zwischenwelt. Wenige T\u00f6ne erklingen, ein dumpfer Herzschlagrhythmus, Bet\u00e4ubung. Dies ist ein dunkler Traum, eine Erinnerung: Schlittschuhlaufen auf d\u00fcnnem Eis. D\u00fcnnes Eis \u2013 die tr\u00fcgerisch-sichere Schicht \u00fcber den gef\u00e4hrlichen Abgr\u00fcnden. Einsamkeit herrscht, nur einmal ert\u00f6nt eine ganz ferne Stimme. Dann zersplittert das Eis, die Realit\u00e4t zerbricht. Unter dem Eis ist etwas – das eigene Ich – verbunden mit dem Lautsymbol des Echolots. Die Protagonistin erschreckt, sie erkennt sich in diesem K\u00f6rper unter dem Eis, versunken. Realit\u00e4t (der K\u00f6rper unter dem Eis) und Perspektive der Protagonistin (oberhalb der Wasserfl\u00e4che) beginnen sich zu trennen. Am Schluss ein weiteres Versinken, der Rhythmus erstirbt (stirbt das Herz?).
\n\u00dcbergangslos geht es mit \u201eWaking the witch\u201c weiter. Stimmen, die danach rufen aufzuwachen. Stimmen, die von dieser Reise abhalten wollen. Das Licht als Symbol der Rettung wird beschworen („Can you not see that little light up there?“). Dann setzt die Panik des Ertrinkens ein, die Stimme der Protagonistin wird zerrissen und zerhackt (als ob sich der Mund mit Wasser f\u00fcllt), die Melodie und die Stimmung werden hektisch, wirr, laut. Im Delirium wird diese Situation mit der Hexenprobe verschr\u00e4nkt \u2013 der Richter (der Teufel?) an der Pforte des Todes, Glocken, Gebete. Der Blackbird (Amsel) \u2013 ein Symbol der Seele. Stirbt die Protagonistin, weil sie sich schuldig f\u00fchlt? Sucht sie im Sterben nach einer Erkl\u00e4rung? Oder ist dies ein Grenz\u00fcbergang? F\u00fchlt sich Kate als Hexe? (Ist dies eine ironische Reaktion auf Kommentare zu ihren Videos?) „Waking The Witch“ hei\u00dft die Hexe wecken \u2013 f\u00fcr mich geht es darum, den Lebenswillen zu wecken \u2013 egal wie die Situation ist. Der Richter stellt fest „Not guilty! Wake of the witch!“ (aber beim Hexentest ist man dann nicht schuldig, wenn man untergeht und stirbt).
\nEine Ausblendung, eine Pause \u2013 erst dann beginnt \u201eWatching you without me\u201c. Diese Pause bedeutet f\u00fcr mich, dass wir jetzt wirklich in einer anderen Welt sind. Auch die Stimme ist zuerst wie nach dem Aufwachen, bevor dann das eigentliche Lied beginnt. Alles klingt ganz entfernt, die Musik ist fremdartig, ruhig, melodisch. Die Protagonistin besucht als Geist ihre Angeh\u00f6rigen. Mit den Lebenden ist keine Kommunikation mehr m\u00f6glich. Dann wieder zerrissene Stimmen, wie im vorigen Titel, wie im Ertrinken. Es geht noch eine Schicht tiefer in den Tod.
\n\u201eWatching you without me\u201c steht in der Mitte von \u201eThe ninth wave\u201c, abgesetzt von den drei Liedern davor und den drei Liedern dahinter (die jeweils \u00fcbergangslose Einheiten bilden). Er ist f\u00fcr mich der emotionale Kern. Beziehungen werden als selbstverst\u00e4ndlich angesehen \u2013 und ihre tiefe Bedeutung und Wichtigkeit sieht man erst, wenn es zu sp\u00e4t ist, wenn keine Kommunikation mehr m\u00f6glich ist. Dies ist ein sehr trauriges Lied.
\n\u201eJig of life\u201c beginnt wieder nach einer Pause. Irische Musik aus einer anderen (der diesseitigen) Welt, Erinnerung an Vergangenheit (Musik) und Zukunft (Text). Der Kreuzweg der Entscheidung zwischen Leben und Tod („Now is the place where the crossroads meets“) ist erreicht, Vergangenheit und Zukunft stehen sich gegen\u00fcber. Inhalt des Textes ist die Begegnung mit der m\u00f6glichen Zukunft, dem \u00e4lteren Ich, w\u00e4hrend die Musik mit ihren irischen Kl\u00e4ngen vom Paradies der Vergangenheit erz\u00e4hlt. Die Zukunft ruft („let me live girl“), Stimmen versuchen die Protagonistin zu halten, das gipfelt zum Schluss in ein Anflehen („never, never, never, never \/ Let me go“). Vergebens?
\n\u00dcbergangslos beginnt \u201eHello Earth\u201c mit leisen Stimmen wie aus einem Raumschiff. Die Protagonistin hat sich verwandelt, sie ist nicht mehr auf der Erde. Sie ist \u00fcber allem, weit weg von ihrem Leben. Sie beobachtet nur noch von ganz fern den Sturm, der sie das Leben kostet. Sie betrachtet den Sturm \u2013 \u201emurderer of calm\u201c \u2013 der die innere Ruhe zerst\u00f6rt und aufger\u00fchrt hat, der sie auf diese Schicksalsreise geschickt hat. Das ist \u00fcberirdisch sch\u00f6n gesungen. Die Protagonistin sieht sich als Licht im Himmel („And look up at the sky \/ there’s something bright \/ travelling fast \/ Look at it go“). Hier ist eine Parallele zu „The Big Sky“, dort wird auch in den Himmel geschaut. Auch dort ist die Realit\u00e4t nicht auf der Erde zu suchen: „They look down at the ground, missing“.
\nDas Lied enth\u00e4lt dunkle Passagen, aus dem Soundtrack des Herzog-Films „Nosferatu“ entlehnt. In diesem Film geht es um das ewige Leben, die Nacht, Unsterblichkeit. Diese Stimmen kommen nach dem „Look at it go“. Es ist fremdartig, was da am Himmel ist. \u201eWas ich mir vorstellte, waren nicht so sehr klassische Chorstimmen, sondern welche, die irgendwie unheimlich und auch ein bisschen feierlich klingen mussten.<\/em>\u201c (Hub 1985) Zum Schluss nur noch einmal eine Erinnerung, wie von fern: „Why did I go?“, dann der geheimnisvolle Chor aus der Gegenwelt. Die Musik verd\u00e4mmert. Das Echolot (das Symbol f\u00fcr das eigene Ich) ert\u00f6nt aus der Tiefe, die Musik versinkt. Das eigene Ich taucht noch tiefer, zum Tod hinab. Und dann kommt das Lichtzeichen: „Tiefer, tiefer. Irgendwo in der Tiefe gibt es ein Licht.“ In Deutsch gesungen, in einer anderen Sprache, also fremdartig. Die Rettung liegt ganz tief ein einem selbst, auch wenn man es nicht versteht und erst eine \u00dcbersetzung braucht. „Go to sleep little earth“ – der Abschied ist da.
\nKate beschreibt diesen Song so: \u201eJa, das St\u00fcck ist der H\u00f6hepunkt der zweiten Seite, die einen durchlaufenden Handlungsfaden hat [..]. Es ist sowas wie ein Fiebertraum, das Delirium, bevor der letzte Song kommt, der ganz anders ist, von Hoffnung, Licht und dem anbrechenden Morgen handelt. „Hello Earth“ ist \u00fcber den Punkt, an dem du nicht weiterkannst, wo du sehr schwach bist. Und da bist du vielleicht bereit, die Dinge zu akzeptieren, jetzt, wo du am Ende deiner Reise angekommen bist. Du hast die Wahl: Dich zu \u00e4ndern oder weiterzumachen und zu sterben. Das hat nat\u00fcrlich auch eine religi\u00f6se Komponente.<\/em>\u201c (Hub 1985)
\nUnmittelbar beginnt \u201eThe Morning fog\u201c, laut, es ist wie ein Schritt durch ein Tor, ein Erwachen. „The light \/ Begin to bleed \/ Begin to breathe \/ Begin to speak“ – das Licht in der Tiefe ist erreicht. Vordergr\u00fcndig ist dies ein fr\u00f6hlicher Aufwecker, so sagt es Kate Bush selbst und alle Interpreten schlie\u00dfen sich an (u.a. Thomson 2012, S.263). Aber wo geschieht das Aufwachen? Ist es das Aufwachen nach dem Tod im Paradies? Ist es die Fr\u00f6hlichkeit des ewigen Lebens? Die herk\u00f6mmliche Interpretation ist die Situation nach der Rettung der Schiffbr\u00fcchigen – aber davon kommt weder im Text noch in der Musik etwas vor. Stimmiger ist f\u00fcr mich die konsequente Fortsetzung der Geschichte, die immer tiefer hinein in den Tod und in das Wasser zum Licht f\u00fchrt. Das Erreichen des Lichts ist der Beginn eines neuen Abschnitts, eine Wiedergeburt, vielleicht in einem Paradies. Ganz abrupt endet \u201eThe Morning fog\u201c mit einer Liebeserkl\u00e4rung \u2013 nach einer Wiedergeburt gibt es nicht mehr viel zu sagen.<\/p>\n

„The ninth wave“ ist ein Weg durch das Dunkel. \u201eThe ninth wave\u201c ist ein Kreuzweg, eine Heldenreise in das unbekannte und gef\u00e4hrliche Innere. Nur die Liebe rettet.<\/p>\n

Literatur:
\nNan Devitt: Interview f\u00fcr \u201cGood Rockin Tonight\u201d, 11\/1985
\nJohn Diliberto: Interview f\u00fcr \u201cTotally Wired\/Songwriter\/Keyboard, 6\/1985
\nAndreas Hub: „Kate Bush. Aufgetaucht“. Interview mit Kate Bush. Fachblatt Musikmagazin. 11\/1985
\nN.N.: Night Flight interview, 11\/1985
\nRichard Skinner: Classic Albums interview: Hounds Of Love. Radio 5. Gesendet 26.01.1992
\nGraeme Thomson: Under the ivy. Deutsche \u00dcbersetzung von Tobias Rothenb\u00fccher. 2012. Omnibus Press<\/p>\n

Autor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

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\u00a013.9.1982<\/h5>\n

The Dreaming<\/h2>\n

\"The<\/a>\"The<\/a><\/p>\n

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Sat In Your Lap – There Goes A Tenner – Pull Out The Pin – Suspended In Gaffa – Leave It Open – The Dreaming – Night Of The Swallow – All The Love – Houdini – Get Out Of My House<\/p>\n

The Dreaming: Zehn Blicke auf fremde Welten<\/h4>\n

Eine Analyse zum Album \u201eThe Dreaming\u201c zu schreiben ist eine Herausforderung. Was kann noch geschrieben werden, was \u00fcber die bereits existierenden Reviews hinausgeht? Beate Meiswinkel zum Beispiel hat in ihrem wunderbaren R\u00fcckblick f\u00fcr diese Webseite [1] alle wesentlichen Punkte zusammengefasst. Was also noch? Ich m\u00f6chte mich darauf beschr\u00e4nken,\u00a0 Informationen zur Entstehung zu geben, gefolgt von einem Versuch der Einsch\u00e4tzung und Einordnung. Nun gut \u2013 das wird trotzdem nicht kurz werden.
\nZur Entstehungsgeschichte findet sich eine gute Zusammenfassung in der Biographie von Graeme Thomson [2]. Kate Bush f\u00fchlte sich offenbar zunehmend eingeengt durch die Art, in der die ersten drei Alben entstanden waren. Unzufriedenheit ist auch zu sp\u00fcren \u00fcber die Art, wie sie fr\u00fcher gesungen hat, Selbstzweifel waren da. Es fehlte zudem bisher aus ihrer Sicht die F\u00e4higkeit, durch die Stimme die \u201eWahrheit\u201c auszudr\u00fccken [3]: \u201eI think my writing and my voice have continually tried to get better, to be able to do something I actually like. And it\u2019s very frustrating when you are writing songs and singing them, and you\u2019re not enjoying what\u2019s coming back. So hopefully, y\u2019know, it will be become more pleasurable for me, the actual process, because it is painful to listen to things that sound awful, when you really wanted them to sound good.\u201c
\nEin grunds\u00e4tzlicher Wechsel musste her, eine Weiterentwicklung, ein Abbiegen vor einer m\u00f6glichen Sackgasse: \u201eI couldn\u2019t go on forever as the little girl with the \u201ahee-hee\u2018 squeaky voice\u201c [4]. Eingeengt f\u00fchlte sie sich offenbar auch immer mehr dadurch, dass sie nicht die volle Kontrolle \u00fcber ihre Musik hatte, auch dies \u00e4nderte sich mit diesem Album [3]: \u201e[\u2026] and I think that perhaps the biggest influence on the last album was the fact that I was producing it so I could actually do what I wanted for the first time.\u201c
\nKate Bush befand sich also an einem aus ihrer Sicht kritischen Punkt ihrer Karriere. Alles musste sich \u00e4ndern.
\nEinen wichtigen Ansto\u00df gab die Zusammenarbeit mit Peter Gabriel. Kate Bush war w\u00e4hrend der Aufnahmesessions f\u00fcr Gabriels drittes Soloalbum dabei (sie arbeitete als Backgrounds\u00e4ngerin mit), in denen auch der charakteristische Drum-Sound f\u00fcr \u201eIn the air tonight\u201c von Phil Collins entwickelt wurde. Kate Bush gab selbst dazu ein paar Andeutungen [5]: \u201eIt\u2019s great to hear some really good music coming back. Wasn\u2019t \u202aPhil Collins\u2019s In the Air a masterpiece? Well, while I\u2019m trying to organise some tracks to record, I hope you will be having a positive March forward.\u201c. Die Teilnahme an diesem Prozess und der Einblick in die neuen technischen M\u00f6glichkeiten war f\u00fcr Kate Bush eine erregende Erfahrung [6]: \u201eSeeing Peter working in the Town House Studio, especially with the engineers he had, it was the nearest thing I\u2019d heard to real guts for a long long time. I mean, I\u2019m not into rhythm boxes \u2013 they\u2019re very useful to write with but I don\u2019t think they\u2019re good sounds for a finished record \u2013 and that was what was so exciting because the drums had so much power.\u201c
\nDiese elektrisierenden Erfahrungen f\u00fchrten schnell zur Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Hugh Padgham, der diesen Sound mit entwickelt hatte. Das erste Ergebnis war die Single \u201eSat in your lap\u201c, die dann sp\u00e4ter auch auf dem Album erschien.
\nDie weitere Entwicklung des Albums scheint ein qu\u00e4lender Prozess gewesen zu sein. Kate Bush selbst gibt in [7] Einblicke, welche die Probleme zart andeuten (die folgenden Zitate sind aus diesem Bericht). Mit Hugh Padgham wurden die Titel \u201eGet Out of My House\u201c und \u201eLeave It Open\u201c aufgenommen. Padgham war noch in weitere Produktionen eingebunden (\u201e[\u2026] however, Hugh was too busy to continue [\u2026]\u201c), weiter ging es im Sommer 1981 mit Nick Launay (\u201eHoudini\u201c, \u201eAll the Love\u201c, \u201eThere Goes a Tenner\u201c, \u201eThe Dreaming\u201c und \u201eSuspended in Gaffa\u201c). Die Aufnahmen fanden im Studio \u201eThe Townhouse\u201c statt und m\u00fcssen wieder intensiv gewesen sein (\u201eWe were working through the warm summer last year, and much dedication was required from all to stay in the studio all day without succumbing to the sun.\u201c). Auch hier lief die Zeit davon (\u201e[\u2026] we were all sad that Nick was too busy to continue and that the time at The Townhouse had run out.\u201c). Weiter ging es in den Abbey Road Studios mit Haydn Bendall f\u00fcr \u201eNight of the Swallow\u201c und \u201ePull Out the Pin\u201c. Wieder reichte die gebuchte Zeit nicht (\u201eThe two tracks are finished and Haydn\u2019s time runs out too [\u2026]\u201c). Nun stie\u00df Paul Hardiman zum Team, bis Weihnachten 1981 wurde in den Odyssey Studios gearbeitet. Auch hier gab es Zeitprobleme, das Studio stand nicht mehr zur Verf\u00fcgung. Im Advision Studio wurde schlie\u00dflich in m\u00fchevoller Kleinarbeit das Album abgeschlossen (\u201e[\u2026] and the three weeks we booked were to turn into more like three months.\u201c). Offenbar gab es in diesen drei Monaten wenig Freizeit: \u201eDave [Taylor] was [\u2026] the maintenance engineer, and on quite a few nights, when we went home to bed, he would be up all night twiddling inside machines or trying to figure out why the digital machines weren\u2019t working. Every night we ate take-away food, watched the evening news and returned to the dingy little treasure trove to dig for jewels.\u201c
\nDie Suche nach den Juwelen, nach dem perfekten Klang \u2013 es muss f\u00fcr alle eine Grenzerfahrung gewesen sein. Kate Bush entschuldigt sich fast etwas daf\u00fcr bei ihren Mitstreitern: \u201eDel Palmer engineered all the demos and every night he would sit up in the cramped little control room, getting different sounds for each track. He sat through hours of harmonies and takes of lead vocals, replying \u201aI\u2019m not bored\u2018
\nas many times as there were cups of tea, and nodding \u201aYeah, Kate, I think it sounds great!\u2018, a phrase to be echoed by Hugh, Haydn, Paul\u2013Bless you all.\u201c
\nEs ging in diesem langen Prozess nicht um die eigentliche Komposition, diese Phase war l\u00e4ngst abgeschlossen. Die Arbeit bereitete die richtige Ausgestaltung [7]: \u201eNow it\u2019s all finished, I think of the beginning. Twenty demos, ten of which became the album. In these demos all the moods and sounds were captured, and all the way through the album these demos were referred to. Often the session would stop, we\u2019d dig out the 1\/4 inch tape of the track we were working on, and with the original flavour and sounds strong in our heads, the session would begin again. In many ways it would have been interesting to have used the demos as masters, they were so spontaneous.\u201c
\nNervenaufreibend, belastend, im Kampf mit den neuen Techniken, unter Zeitdruck, wechselnde Wegbegleiter, abh\u00e4ngig von \u00e4u\u00dferen Einfl\u00fcssen, die Studiozeiten kosteten wahrscheinlich Unsummen \u2013 Kate Bush muss es gehasst haben. Sie \u00e4u\u00dfert sich nicht dazu. Aber in logischer Konsequenz baute sie danach ihr eigenes Home-Studio auf, verwirklichte die Freiheit in der Arbeit.
\n\u201eThe Dreaming\u201c ist ein Album, in dem die Komponistin und S\u00e4ngerin ALLES will. Es ist voller Experimente, die Beherrschung des Instrumentariums und der Visionen bedeutete eine praktisch ununterbrochene Arbeitszeit, die an die Substanz ging. Die angestrebte Vision beschrieb Kate Bush so [8]: \u201eI want it to be experimental and quite cinematic, if that doesn\u2019t sound too arrogant. Never For Ever was slightly cinematic, so I\u2019ll just have to go all the way.\u201c Rhythmen treten st\u00e4rker in den Vordergrund [9]: \u201eSince drum machines entered my life on the third album, it\u2019s never been the same.\u201c Der Gesang geht weg von der vorher vorhandenen S\u00fc\u00dfe und Leichtigkeit hin zu mehr Ernst, er ist tiefer und\u00a0 kr\u00e4ftiger, erdiger. Es gibt noch mehr Stimmf\u00e4rbungen als fr\u00fcher, den Inhalten angepasst, die Stimme ist dabei immer unter v\u00f6lliger Kontrolle. \u201eEs ist fast, als w\u00fcrde man Zeuge, wie ein M\u00e4dchen zur Frau wird.\u201c [2]
\nThemen des Albums sind Konflikte und Klaustrophobie, Flucht und Zerst\u00f6rung, der Kampf gegen Hemmnisse und Grenzen [2]. Selbstzweifel werden in verschiedenen Songs angesprochen. Kate Bush fasst das so zusammen [3]: \u201eI think the last album is very dark and about pain and negativity, and the way that people treat each other badly. It was a sort of cry really and I think that perhaps the biggest influence on the last album was the fact that I was producing it so I could actually do what I wanted for the first time. And then there are a lot of things we wanted to experiment with and I particulary wanted to play around with my voices, because there are a lot of different backing vocals and things like that. The different textures were important to me. I wanted to try and create pictures with the sounds by using effects.\u201c
\nAuch das Einhalten einer stilistischen Grundhaltung war Kate Bush wichtig \u2013 hin zu mehr archaischen Formen, zur\u00fcck zu den Wurzeln der Musik [4]: \u201eI wanted it to be a very human, emotional album. I think we\u2019ve come so far in making music sophisticated that we\u2019re almost in danger of losing the roots. That\u2019s why I think there\u2019s been a return to tribal influences. After all, that\u2019s where rock\u2019n\u2019roll came from in the first place. It\u2019s a very ethnic album, as well, in many respects.\u201c
\nGraeme Thomson fasst das alles kurz und pr\u00e4gnant so zusammen [2]: \u201eDer Eindruck kaum gez\u00fcgelter Hysterie in dieser Musik ist nicht allein den d\u00fcsteren Inhalten der Songs zuzuschreiben, er entsteht auch aus der schieren Menge an musikalischer Information, aus einer Art klanglicher \u00dcberlastung.\u201c
\nIch teile das nur bedingt. Hysterie kommt nur in wenigen Titeln vor, klangliche \u00dcberlastung ist die Ausnahme. Die Songs sind zum gro\u00dfen Teil zwar reich an Informationen, an \u00fcberraschenden Klangfarben, sie \u00fcberfordern aber nicht (das ist vielleicht aber nur Gew\u00f6hnung). Der Kampf mit der Technik ist zu bemerken, es wird experimentiert und ausprobiert. Das klingt manchmal roh und es ist manchmal auch ein bisschen \u00fcbertrieben. Kate Bush zeigt was sie kann und eine Reduktion auf das Wesentliche (die Essenz) gelingt ihr erst auf dem n\u00e4chsten Album. \u201eThe Dreaming\u201c ist wild und ungez\u00fcgelt, das ist das Sch\u00f6ne an ihm. Die M\u00f6glichkeiten werden ausgebreitet ohne Beschr\u00e4nkungen.<\/p>\n

Die Analyse des Albums ist nat\u00fcrlich nicht vollst\u00e4ndig, wenn nicht auf die Songs eingegangen wird. \u201eThe Dreaming\u201c beginnt mit \u201eSat in your lap<\/strong>\u201c, das vor der eigentlichen Arbeit am Album entstanden war und als recht erfolgreiche Single die Zeit zwischen den Alben \u00fcberbr\u00fcckte. Die Ankl\u00e4nge an Stammesrhythmen sind hier besonders deutlich (hier zeigt sich der erste Einfluss der Zusammenarbeit mit Peter Gabriel und des dort entwickelten Schlagzeugsounds). Die Arbeit an dieser Single und die Integration der neuen Sounds war f\u00fcr Kate Bush wie eine Initialz\u00fcndung [8]: \u201eI felt as if my writing needed some kind of shock, and I think I\u2019ve found one for myself. The single is the start, and I\u2019m trying to be brave about the rest of it. It\u2019s almost as if I\u2019m going for commercial-type \u201ahits\u2018 for the whole album.\u201c Der letzte Satz klingt bei Kenntnis des ganzen Albums etwas merkw\u00fcrdig \u2013 aber wer wei\u00df, was Kate Bush in ihrem Herzen f\u00fcr kommerziell h\u00e4lt \u2026 In diesem Song geht es [2] um die Erkenntnis, es geht um das Streben nach spirituellem Fortschritt. \u201eIst Erkenntnis etwas Angeborenes, Instinktives, Sexuelles [\u2026], oder kann man sie nur durch lebenslanges Suchen und Streben [\u2026] erlangen und selbst dabei m\u00f6glicherweise versagen?\u201c [2]. Hier wird das Kernthema des ganzen Albums angesprochen, darum geht es, das hat Kate Bush mit diesem Album versucht zu beantworten. Erz\u00e4hlt wird auch von sch\u00f6pferischer Frustration, was wohl dazugeh\u00f6rt. \u201eSat in your lap\u201c ist von einem vorantreibenden Sog erf\u00fcllt, wilde Trommeln, hektisches Klavier und sp\u00e4ter hektische Bl\u00e4ser, so etwas wie Peitschent\u00f6ne, T\u00f6ne wie aus einem Stammesritual \u2013 Rastlosigkeit. Es ist ein Song ohne Pause. Die Gesangsstimme ist tiefer als fr\u00fcher, zur\u00fcckgenommen, ebenfalls von Ruhelosigkeit getrieben. Manchmal gibt es fast opernhafte T\u00f6ne. In einer ganz anderen T\u00f6nung Einw\u00fcrfe, hoch gesungen, wie Kommentare (\u201eSome say that knowledge is something that you never have\u201c).
\n\u201eThere goes a tenner<\/strong>\u201c ist nach Meinung von Thomson [2] das leichteste St\u00fcck des Albums. Es ist eine t\u00e4nzelnde Krimiparodie, aber mit einem d\u00fcsteren Subtext. Offenbar werden Ganoven von Paranoia geplagt und geben auf, als der Tag der Umsetzung des geplanten Einbruchs gekommen ist [2]. Thomson stellt die Frage, ob dies auch ein Kommentar zu den eigenen \u00c4ngsten und Unsicherheiten bei der Produktion des Albums sein k\u00f6nnte. Die Ausgestaltung hat einige Besonderheiten. Der Gesang der Protagonistin ist zur\u00fcckgenommen, sie singt mit einem deutlichen Akzent. Es gibt comicartige Einlagen (\u201eall my words fade\u201c) und dunkle, tiefe, d\u00fcstere T\u00f6ne im Chorus (\u201eWe\u2018re waiting\u201c), die wie eine Ermahnung aus dem Grab klingen. Karikatur und D\u00fcsternis treffen in diesem Song zusammen \u2013 es ist ein gereiftes Echo auf das \u00e4hnliche \u201eCoffee Homeground\u201c vom Album \u201eLionheart\u201c.
\n\u201ePull out the pin<\/strong>\u201c greift den Vietnamkrieg auf, aus der Sicht eines Vietcong. Diese fast filmische Erz\u00e4hlung mit ihren Urwaldger\u00e4uschen holt den Schrecken des Krieges ganz nah heran, macht ihn mit lyrischen und musikalischen Mitteln f\u00fchlbar. Er ist ein ganz typisches Beispiel f\u00fcr die Arbeitsweise von Kate Bush. Eine au\u00dfermusikalische Inspiration (hier eine Sendung im Fernsehen) l\u00f6ste einen Assoziationssturm aus.\u00a0Hier geht es um etwas Existenzielles, den Kampf einer gegen einen (\u201eJust one thing in it, me or him. And I love life!\u201c). Das \u201eAnd I love life!\u201c wird geradezu verzweifelt herausgeschrieen, es ist der pure \u00dcberlebenswille. Dies ist eine fremdartige und dunkle Atmosph\u00e4re, die sich zum Ende hin hinter den Hubschrauberger\u00e4uschen \u2013 die an den Vietnam-Film \u201eApocalypse now\u201c erinnern \u2013 in Agonie und Tod verliert.
\n\u201eSuspended in gaffa<\/strong>\u201c kreist um die Suche nach Erf\u00fcllung, ist aber von Selbstzweifeln und Entfremdung durchzogen [2]. Ein schneller Walzerrhythmus (selten in der Popmusik) hetzt die tiefe Gesangsstimme durch den Song, begleitet von hohen chorischen Stimmen als Begleitung.
\n\u201eLeave it open<\/strong>\u201c kann wirklich als hochgradig experimenteller Song bezeichnet werden. Thomson h\u00e4lt ihn f\u00fcr einen verst\u00f6renden Song [2]. F\u00fcr ihn fasst er die d\u00fcstere Botschaft des Albums zusammen: \u201eHarm is in us\u201c. Die Stimmen in diesem Song sind verzerrt, \u00fcberall umtosen einen merkw\u00fcrdige Soundexperimente. Zum schon typischen Schema \u201etiefe Solostimme \/ hohe Begleitung\u201c kommen nun auch M\u00e4nnerstimmen als Begleitung hinzu (\u201eHarm is in us but power to arm\u201c). Der etwas lang geratene letzte Chorus geht in eine Schlusssteigerung \u00fcber, hier hebt der Song richtig ab und nimmt Drive auf. Merkw\u00fcrdige Stimmen erg\u00e4nzen nun die eigentlich positive Botschaft \u201eleave it open\u201c mit einem \u201eSay what we\u2018re gonna let in \/ We let the weirdness in\u201c. Auch dies kann als Kommentar zum Album verstanden werden, das ja ausdr\u00fccklich das Unheimliche und die Verr\u00fccktheit hereinl\u00e4sst.
\nDer Titelsong \u201eThe Dreaming<\/strong>\u201c wurde als Single ausgekoppelt. Es ist eine eher ungew\u00f6hnliche Single, sie hat nun so \u00fcberhaupt nichts mit dem Mainstream zu tun. Inspiriert wurde Kate Bush zu diesem Song durch eine Australienreise im Jahr 1978 [2]. Der Song hat das Schicksal der Aborigines zum Thema [2], deren Land ausgebeutet wird und die selbst der zerst\u00f6rerischen Kraft des Alkohols ausgesetzt sind (\u201edevils in a bottle\u201c). Ein \u201eknochenharter Rhythmus bildet das Ger\u00fcst des Songs\u201c [2]. Hier gab es eine Zusammenarbeit mit Rolf Harris, f\u00fcr dessen Song \u201eSun arise\u201c Kate Bush geschw\u00e4rmt hatte, f\u00fcr sie immer noch ein Meilenstein der Weltmusik [2]. Diese Zusammenarbeit sollte sich dann \u00fcber zwanzig Jahre sp\u00e4ter mit \u201eAerial\u201c fortsetzen. Der ganze Sound des Songs ist australisch inspiriert, ein Didgeridoo ert\u00f6nt, es ert\u00f6nen Tierlaute (Schafe?), alles ist wie Musik aus einer fremden Welt. Es erinnert mich an archaische Riten. Auch die Gesangsstimme ist merkw\u00fcrdig akzentuiert, als ob Kate Bush mit einem Akzent (der Aborigines?) singen w\u00fcrde. Fast \u00fcberirdische Passagen kommen dazu (\u201eComing in with the golden light\u201c), ferne Einw\u00fcrfe wie Erinnerungen erklingen (\u201eSee the light ram through the gaps in the land\u201c). Es ist eine zerrissene Welt, die hier gezeigt wird.
\n\u201eNight of the swallow<\/strong>\u201c ist f\u00fcr Thomson ein wegweisendes St\u00fcck [2]: \u201eBarocke Balladenkunst geht mit traditionellen keltischen Instrumenten eine bestechend sch\u00f6ne Verbindung ein.\u201c Diese neue und \u00fcberraschende Einbeziehung von traditionellen Instrumenten und Stilformen wurde von Kate Bush auch auf sp\u00e4teren Alben aufgegriffen. Sie war damit eine Wegbereiterin f\u00fcr andere K\u00fcnstler. \u00dcberraschend f\u00fcr mich ist der bruchlose \u00dcbergang von \u201eThe Dreaming\u201c zu diesen Song \u2013 hier vermischen sich Didgeridookl\u00e4nge mit irischen Kl\u00e4ngen, Australien weicht Irland, beide Songs besinnen sich auf die Tradition. \u201eNight of the swallow\u201c kann am ehesten als Ballade bezeichnet werden. In der Stimmung erinnert es mich immer an \u201eOh england my lionheart\u201c vom Album \u201eLionheart\u201c. Auch dort schimmert die Tradition durch die Pop-Folie.
\nIn \u201eAll the love<\/strong>\u201c trifft ausgefeilte Technologie auf eine sehr reine, fast klassische Singstimme [2]. Der Song beklagt, wie schwer es ist, der Liebe Ausdruck zu verleihen und auf andere zuzugehen [2]. Er endet in einer Toncollage aus verschiedenen Stimmen, die auf einem Anrufbeantworter ihre Stimmen hinterlassen \u2013 aber die Protagonistin antwortet nicht. Der Song ist ruhig, melancholisch, traurig. Die Diskrepanz zwischen eigenem Anspruch und den Erwartungen der Welt ringsum werden thematisiert (\u201eThey think I\u2018m up to something weird \/ And up rears the head of fear in me\u201c).\u00a0 Eine ganz zarte, hohe Knabenstimme gibt Hoffnung und Aufmunterung, wie eine himmlische Verhei\u00dfung: \u201eWe needed you to love us too, we wait for your move\u201c. Ein himmlischer Appell? Eine Aufforderung? In der Stimmung nimmt dies schon etwas von \u201eHello Earth\u201c vorweg und ich h\u00f6re auch eine Vorausahnung der reinen, kristallinen Sch\u00f6nheit von \u201eSnowflake\u201c. Linien in die Zukunft werden sichtbar.
\nEine faszinierende Studie \u00fcber das \u00dcbernat\u00fcrliche [2] ist \u201eHoudini<\/strong>\u201c. Ist Liebe st\u00e4rker als der Tod? Dieser Song ist wieder eines dieser geheimnisvollen Lieder von Kate Bush, der eine ganz konkrete Begebenheit der Geschichte in einem musikalischen Moment zusammenzieht. Harry Houdini war ein amerikanischer Entfesselungs- und Zauberk\u00fcnstler. Seine Ehefrau Wilhelmine Beatrice \u201eBess\u201c Rahner fungierte viele Jahre als seine B\u00fchnenassistentin. Geschildert wird die Geschichte dieser Frau, die von der Liebe zu ihrem toten Mann besessen ist. Wieder und wieder versucht sie, ihn auch im Tode zu erreichen. So gro\u00df ist ihre Liebe, dass sie nicht aufgibt. Kann die Liebe schlie\u00dflich doch den Tod besiegen? Hat die Rettung nicht in der Vergangenheit jedesmal geklappt? Liebe \u00fcber den Tod hinaus \u2013 dieses Thema wurde schon in Kate Bushs erstem Hit \u201eWuthering Heights\u201c besungen. Dort kehrte Cathy zur\u00fcck zu Heathcliff, hier Harry zu Bess.
\n\u201eGet out of my house<\/strong>\u201c ist schlie\u00dflich der d\u00e4monische Abschluss des Albums. Er ist der einzige Song, der konsequent auf einen Rhythmus setzt [2]. Im Chorus wird wieder eine fast opernhafte Stimme benutzt, das ist ein sehr theatralischer Effekt (\u201eNo strangers feet will enter me \/ I wash the panes I clean the stains away\u201c).\u00a0 Der Song ist inspiriert von Stephen Kings Roman \u201eThe Shining\u201c [2] bzw. wahrscheinlicher von der Verfilmung durch Stanley Kubrick. Es handelt sich vordergr\u00fcndig um ein vom B\u00f6sen besessenes Haus, tote Materie wird zum Leben erweckt. \u201eEs ist die Stimme einer Frau, die in ihrem privaten R\u00fcckzugsort bedr\u00e4ngt wird\u201c \u2013 das ist die Meinung von Thomson [2]. Ist es eine Parabel auf den Starruhm? Gibt Kate Bush hier ihrem Unterbewusstsein eine Stimme? Be\u00e4ngstigend sind f\u00fcr mich die verzweifelten Schreie im Hintergrund, die immer wieder auftauchen (\u201eGet out of my house\u201c). Die Bedr\u00e4ngung findet durch einen Mann statt (ein Echo auf Jack Nicholson im Film?), f\u00fcr mich hat das aber auch etwas von sexueller N\u00f6tigung. Eine erschreckende Vorstellung und ein verst\u00f6rendes Ende des Albums.
\nWie kann ich das Album zusammenfassen, wie kann ich ein Fazit ziehen? Ich will es auf eine neue Art versuchen. In Twitter ist die Zeichenl\u00e4nge f\u00fcr einen Tweet begrenzt und das erfordert viel Kreativit\u00e4t in der Beschr\u00e4nkung. Hier kommt nun als Fazit mein Versuch, die Essenz des Albums in einem Tweet zu erfassen:<\/p>\n

\u201eZehn Blicke auf fremde Welten. Gold und D\u00fcsternis, Licht und Hysterie, Traurigkeit und Liebe. Zerrissene Seelen, Himmel und H\u00f6lle treffen sich. Sch\u00f6nheit in der Dunkelheit, die gef\u00e4hrlich ist. With a kiss you\u2018d pass the key.\u201c
\nAutor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong>
\n<\/em><\/p>\n

[1] Beate Meiswinkel: \u201e35 Jahre \u201eThe Dreaming\u201c: Pressestimmen und Impression 1982-84\u201c.\u00a0 http:\/\/morningfog.de\/?p=4857<\/a>. (gelesen 01.01.2018)
\n[2] Graeme Thomson: Kate Bush. Under the ivy. 2013. Bosworth Music GmbH. S. 230ff
\n[3] N.N.: The New Music. 3.\/4. August 1985.
\n[4] Robin Smith: Getting Down Under With \u202aKate Bush. Unbekannte Quelle. 1982.
\n[5] Kate Bush: Letter from Kate. KBC article Issue 9. Fr\u00fchling 1981.
\n[6] Paul Simper: Dreamtime is over. Melody Maker, 16. Oktober 1982.
\n[7] Kate Bush: About The Dreaming. KBC article Issue 12. Oktober 1982.
\n[8] John Shearlaw: The Shock of the New. Record Mirror. September 1981.
\n[9] Kate Bush: About Hounds Of Love & Interview. KBC article Issue 17.<\/p>\n

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\u00a08.9.1980<\/h5>\n

Never For Ever<\/h2>\n

\"Never<\/a>\"Never<\/a><\/p>\n

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Babooshka – Delius – Blow Away – All We Ever Look For – Egypt – The Wedding List – Violin – The Infant Kiss – Night Scented Stock – Army Dreamers – Breathing<\/p>\n

Never For Ever – Auf dem Weg zum fernen Klang<\/h4>\n

Bei mir hat dieses Album die Leidenschaft f\u00fcr Kate Bush geweckt. „The Kick Inside“ und „Lionheart“ waren Zeichen der Entwicklung einer au\u00dferordentlich begabten K\u00fcnstlerin, mit „Never for ever“ wurde eine neue Ebene erreicht. So erschien es mir damals, ich war voller Faszination – bis heute hat sich an diesem Bild f\u00fcr mich nichts ge\u00e4ndert. Ein Tor zu einer ganz neuen Ausdruckswelt tat sich auf.
\nMit „Never for ever“ beginnt eindeutig eine neue Phase. Die beiden vorherigen Alben waren so aufgenommen wie eine Band im Studio klingt. Jetzt \u00fcbernahm Kate Bush mehr Kontrolle. Die Zusammenarbeit mit Andrew Powell, dem Produzenten der ersten beiden Alben, wurde in freundschaftlichem Einvernehmen beendet. Ein „experimentelleres Klangspektrum“ entwickelte sich, das Studio wurde\u00a0 nun „wie ein Instrument“ eingesetzt (1). Entstanden ist so ein au\u00dfergew\u00f6hnlich erfolgreiches Werk – es war das erste Album einer britischen Solok\u00fcnstlerin, das in den dortigen Charts auf Platz 1 eingestiegen ist (2).
\nEs ist ein Album, in dem alte St\u00fccke – Songs aus einer fr\u00fcheren Phase der Entwicklung – auf „faszinierende, zukunftsweisende neue Kompositionen“ treffen (1). „Violin“ und „Egypt“ waren bereits bei der „Tour of Life“ dabei, auch „Blow away“ und „The wedding list“ waren bereits komponiert (1). Die weiteren Songs wurden dagegen von einer Grundidee ausgehend im Studio komponiert, verfeinert und entwickelt. Nach meinem Empfinden hat auch ein Wechsel stattgefunden zu mehr vom Rhythmus her aufgebauten und weniger melodiegetriebenen Strukturen.
\nBei diesen neuen Songs zeigt sich ein zunehmendes Interesse an den M\u00f6glichkeiten der modernen Studiotechnik. Der ganz neue Sampling-Synthesizer Fairlight CMI wurde eingesetzt – eine f\u00fcr die damalige Zeit revolution\u00e4re Technologie. Nur drei Fairlights waren in Gro\u00dfbritannien im Einsatz, einer davon (wohl der von Peter Gabriel) wurde viermal f\u00fcr die Studiosessions ausgeliehen (1). Spuren dieses ersten Ausprobierens einer neuen Technik finden sich \u00fcberall. Ger\u00e4usche, die beim Spannen von Pistolen und Gewehren erzeugt wurden, wurden zum Beispiel f\u00fcr „Army dreamers“ gesampelt, menschliche Stimmen f\u00fcr „Delius“, T\u00fcrger\u00e4usche f\u00fcr „All we ever look for“ und zerbrechendes Glas f\u00fcr „Babooshka“.
\nEine Vielzahl ungew\u00f6hnlicher Instrumente wird genutzt wie Balalaika, Koto, Strumento de Porco, singende S\u00e4ge, Mandoline, Sitar – meist von Paddy Bush herangetragen und gespielt. Das gibt der Musik eine zus\u00e4tzliche exotische Dimension. Kate Bush erl\u00e4uterte das so: „Sie funktionieren wie beim Zeichentrick – sie f\u00fcgen hier ein bisschen Rot und da ein bisschen Gr\u00fcn hinzu und sorgen daf\u00fcr, dass das Bild schlie\u00dflich vollst\u00e4ndig wirkt.“(2) Alles dies war ein „unendlicher Schatz klanglicher M\u00f6glichkeiten, ein Tor zu einer neuen Welt“ (1)\u00a0 und f\u00fchrte zu einer immensen Ausweitung der musikalischen M\u00f6glichkeiten. „Never for ever“ ist ein Werk, das seine M\u00f6glichkeiten f\u00fcr Kate Bush allerdings erst im Laufe der Aufnahmesessions offenbart hatte: „Den letzten Schritt konnte ich damals nicht mehr machen, denn mir fehlte noch der Mut und das Spezialwissen.“ (1)
\nBeim H\u00f6ren f\u00e4llt auf, wie licht, transparent und durchsichtig alles komponiert ist. Jede musikalische Linie ist zu h\u00f6ren. Alle Songs sind mit Selbstsicherheit, Emotion und Delikatesse gesungen, f\u00fcr alle Gef\u00fchle werden die entsprechenden Stimmen gefunden.
\nDer Titel des Albums spielt „auf die Tatsache an, dass das Leben ein vor\u00fcbergehender Zustand ist und der Tod unausweichlich jeden ereilt, dass wir also „niemals f\u00fcr die Ewigkeit“ hier sind.“ (2)\u00a0 Auch das Cover zeigt den Willen, die Absicht (das verborgene Konzept) des Albums auszudr\u00fccken. „Ich wollte r\u00fcberbringen, dass wir alle schwarze und wei\u00dfe Seiten, also gewisserma\u00dfen Flederm\u00e4use und Schw\u00e4ne, in uns haben und dass die Mischung bestimmt, was wir f\u00fcr Menschen sind – wir sind nicht ausschlie\u00dflich gut oder schlecht, sondern beides. In meinem Fall flie\u00dfen die schwarzen und die wei\u00dfen Gedanken beide in meine Musik ein, und auf dem Cover str\u00f6men beide aus mir heraus und in das Album hinein. Das wollten wir symbolisch darstellen – die Tatsache, dass wir voller sehr verschiedener Dinge sind, die gelegentlich aus uns herausdr\u00e4ngen – entweder in Zorn oder kanalisiert und in etwas Kreatives umgesetzt“ (2). Und so dr\u00e4ngen Wesen aller Art auf dem Cover unter dem wolkengeschm\u00fcckten (himmlischen?) Rock von Kate Bush hervor: Schw\u00e4ne, Schmetterlinge, Katzen, Tauben, Flederm\u00e4use, Raben, Monster. Ein Pand\u00e4monium von M\u00f6glichkeiten – sie werden geboren von Kate Bush (sie entstr\u00f6men aus dem Scho\u00df unter dem Rock) und sie haben ihre Wurzel in Musik (zuerst sind Noten zu sehen).
\nHauptthemen des Albums sind Tod und Verg\u00e4nglichkeit (2). Viele Titel des Albums besch\u00e4ftigen sich mit dem Tod („Army dreamers“, „Breathing“, „The wedding list“, Blow away“), mit Verg\u00e4nglichkeit und Blicken in die Vergangenheit („Delius“, „All we ever look for“, „Babooshka“, „The infant kiss“) und mit Besessenheit („The infant kiss“, „Violin“, „The wedding list“). Aber auch filmische Inspirationen sind wieder dabei: „Delius“, „The wedding list“, „The infant kiss“. Die Songs sind dabei so vielf\u00e4ltig wie die Traumgestalten, die auf dem Cover unter dem Rock von Kate Bush hervordr\u00e4ngen. D\u00fcsternis und klares Licht, Schwarz und Wei\u00df vermischen sich.
\nMit markanten Akkorden beginnt das Album. Die Hitsingle „Babooshka“ schildert die Geschichte einer Frau, die in eine neue j\u00fcngere Pers\u00f6nlichkeit (ein j\u00fcngeres Ich?) schl\u00fcpft um herauszufinden, ob sie ihren Ehemann erneut verf\u00fchren kann. Wie in einer dieser russischen Puppen versteckt sich in einer H\u00fclle eine weitere Puppe. Verschiedene Identit\u00e4ten verstecken sich in einer Person und k\u00f6nnen herausgeholt werden. Es ist eine Geschichte \u00fcber das Altern und die Abnutzung des Bew\u00e4hrten. Kann man dies durch einen Wechsel der Identit\u00e4t – also durch eine T\u00e4uschung – aufhalten? Zum Schluss h\u00f6rt man das Ger\u00e4usch zersplitternden Glases – etwas zerbricht (das Alte oder das vorget\u00e4uscht Neue?). Mangel an Vertrauen zerst\u00f6rt die Beziehung (1).
\nDas zerbrechende Glas von „Babooshka“ geht in den tickenden Rhythmus von \u201eDelius“ \u00fcber. \u201eDelius\u201c ist ein melancholischer Song \u00fcber den Komponisten Frederick Delius, der im Alter schwer erkrankt war und kaum noch sprechen konnte. Sein Kopf war aber noch voller wunderbarer Musik, die er m\u00fchsam einem jungen Musiker, Eric Fenby, diktierte. Ein „roboterhafter“ Beat (2) bildet den Untergrund (ist dies die lebenserhaltende Maschine?), gesampelte menschliche Stimmen (1) kommen dazu, Dar\u00fcber leuchtet das Wunder der Imagination: Melodien gelangen in kleinen, wundersch\u00f6nen Partikeln nach oben. Inspiration war der Film „Song of Summer“ \u00fcber Delius von Ken Russell, den Kate Bush als junges M\u00e4dchen 1968 gesehen hatte (1). \u00dcber zehn Jahre schlummerte dieser Keim f\u00fcr ein Lied und wartete auf die passende Gelegenheit zum Wachsen.
\n„Blow Away (for Bill)“ ist ein Epitaph f\u00fcr Bill Duffield. Der Lichttechniker war w\u00e4hrend der Tour of Live durch einen Unfall ums Leben gekommen. Tod und Verg\u00e4nglichkeit – die Hauptthemen des Albums werden direkt angesprochen. Die Anfangsakkorde nehmen die Akkorde von „Delius“ auf und f\u00fchren sie fort. Es geht offenbar um das gleiche Grundthema. Wohin geht die Musik wenn wir sterben? Der Tod ist nicht das Ende, die Seele wandelt frei, bis sie sich zu einem neuen Leben entschlie\u00dft. Dabei trifft sie eine Reihe verstorbener Musiker: Minnie Riperton, Keith Moon, Sid Vicious, Buddy Holly, Sandy Denny, Marc Bolan. Ausl\u00f6ser war offenbar (2) ein Artikel, in dem Menschen ihre Nahtoderfahrungen beschrieben. Die Menschen verlie\u00dfen ihren K\u00f6rper und trafen am Ende eines langen Flures alle ihre toten Freunde. Sie waren gl\u00fccklich und fr\u00f6hlich. Dann sagten die Freunde, dass die Person nicht bleiben k\u00f6nne und so fand sie sich schlie\u00dflich in ihrem K\u00f6rper wieder.\u00a0 Kate Bush fand diese Vorstellung sehr anr\u00fchrend, dass nach dem Tod die Seele des Musikers in einen Raum gelangt, in dem alle verstorbenen Musikerkollegen warten, um gemeinsam Musik zu machen.
\nEin prachtvoller, fast majest\u00e4tischer Marsch: „All we ever look for“. Es geht um die W\u00fcnsche und Bed\u00fcrfnisse, die sich von einer Generation zur n\u00e4chsten wandeln und ver\u00e4ndern. Es geht um die Erwartungen, die Eltern an ihre Kinder haben: „All they ever want for you \/ Are the things they didn’t do“. Es geht um die Sicht der Kinder, die es auf jeden Fall anders machen m\u00f6chten: „All we ever look for – our own tomb“. Alle sind stets auf der Suche nach etwas und meist finden sie es nicht. Ein ewiger Kreislauf der Suche. Man wei\u00df nicht, wo man suchen muss und welche T\u00fcren die richtigen sind. Im Song \u00f6ffnen sich diese T\u00fcren, man horcht in die neuen R\u00e4ume hinein, w\u00e4gt ab, geht weiter. Hinter der letzten T\u00fcr erklingt der Applaus des Publikums – und diese T\u00fcr schlie\u00dft sich nicht. Die Gr\u00f6\u00dfe und Ungew\u00f6hnlichkeit dieses Songs begeistert mich immer wieder aufs Neue.
\nEine von Synthesizern gepr\u00e4gte Traumfantasie, schw\u00fcl und fast erotisch – „Egypt“. \u00c4gypten, das von Tod und Auferstehung und von Ewigkeitsgedanken gepr\u00e4gte Land. Diese Mysterien \u00fcberw\u00e4ltigen gleichsam die S\u00e4ngerin. Die Katze – in \u00c4gypten als heiliges Tier hoch verehrt – dient dabei als spiritueller F\u00fchrer.
\nVom Film „Die Braut trug schwarz“ von Francois Truffaut inspiriert ist „The wedding list“. Dort wird ein Mann w\u00e4hrend seiner Hochzeit ermordet und die Braut nimmt blutige Rache an den Todessch\u00fctzen. Diese Grundidee des Films ist \u00fcbernommen und auf eine f\u00fcr Kate Bush typische Art und Weise gefiltert und mit pers\u00f6nlichen Erfahrungen und Assoziationen angereichert. Wieder ist so eine Art Kommentar zur urspr\u00fcnglichen Kernidee entstanden. Es ist ein perfektes „Psychodrama in vier Minuten“ (1). Traumhaft ist der Chorus mit seinen Kirchenglocken im zweiten Durchgang: die Erinnerung an diese blutige Hochzeit. Das sind nur kurze Ruhepunkte, schnell kommt die Protagonistin wieder hinein in ihren Racherausch. Aber kann es nach dem Ende dieses Feldzugs Ruhe und Frieden geben? Die Protagonistin versinkt im Wahnsinn – so h\u00f6re ich das Ende mit den sich immer mehr steigernden Rufen und Schreien nach dem toten „Rudi“.
\nMit dem n\u00e4chsten Song geht der Wahnsinn weiter. „Violin“ ist eine musikalische Orgie, die in ihrer Wildheit versucht die Grenzen zu sprengen. Die Violine ist die manische Hexenmeisterin, die die Menschen in den Irrsinn treibt. Ist dies vielleicht ein Totentanz? Oder eine Hymne auf die Kraft der Musik?
\nG\u00e4be es einen Wettbewerb nach dem doppelb\u00f6digsten Song von Kate Bush – meine Wahl w\u00fcrde auf „The infant kiss“ fallen. Kein anderer Song spielt so stark mit den Erwartungen des H\u00f6rers und zieht einem so subtil den Boden unter den F\u00fc\u00dfen weg. Vorlage f\u00fcr den Song ist Henry James Erz\u00e4hlung „The Turn of the Screw“ (dtsch. „Die Drehung der Schraube“) bzw. die darauf aufbauende Verfilmung „The Innocents“ (1). Auf kongeniale Art und Weise werden die verschiedenen Ebenen der Vorlage musikalisch umgesetzt. „The infant kiss“ ist komplex, ist k\u00fchn, erkundet unerforschtes, verbotenes Terrain. Er schildert die \u00dcberw\u00e4ltigung durch vollkommen unerwartete Gef\u00fchle. Er l\u00e4sst offen, was real ist und was nicht, was sich au\u00dfen wirklich abspielt und was nur im Inneren. Der Song endet nicht, es gibt einen direkten \u00dcbergang nach dem letzten „let go“ in „Night scented stock“. Eine schw\u00fcle Gegenwelt tut sich dort auf, erotisierend, ohne Text, nur noch Vocalisen. Ist dies die sexualisierte Gegenwelt, die die pr\u00fcde viktorianische Protagonistin von „The infant kiss“ verdr\u00e4ngt und der sie sich nun wortlos \u00f6ffnet?
\nDen Schluss des Albums bilden zwei weitere H\u00f6hepunkte. „Night scented stock“ geht direkt in einen traurigen Walzer \u00fcber. „Army dreamers“ ist einer der gro\u00dfen englischen Antikriegssongs, getarnt als Top20-Hit (3). „Ich schreibe nur dann \u00fcber so etwas, wenn mich politisch motivierte Handlungen emotional ber\u00fchren“, sagte sie in einem Interview zu „Never for ever“ (2). Das Lied handelt von einem toten Soldaten, der von seiner Mutter betrauert wird. Eine Trauerfeier auf dem Flugfeld, sein Sarg wird hereingetragen von vier Soldaten. Sie denkt mit Wehmut an die Vergangenheit und an das, was aus ihrem Sohn h\u00e4tte werden k\u00f6nnen. Geschickt werden so Muttergef\u00fchle – also eine sehr emotionale und pers\u00f6nliche Empfindung – mit einem politischen Statement verbunden. „It’s just putting the case of a mother in these circumstances, how incredibly sad it is for her. How she feels she should have been able to prevent it. If she’d bought him a guitar when he asked for it.“, erl\u00e4uterte Kate Bush dies in einem Interview (4).\u00a0 Die Melodie ist eing\u00e4ngig, gl\u00e4nzend, meisterlich melodisch – ein Gl\u00fccksfall. Kate Bush hat hier neue Mittel probiert – „It’s the first song I’ve ever written in the studio“ (4) – und gewonnen.
\n„Breathing“ setzt mit „seinen schicksalsschweren, kraftvollen Akkorden einen dramatischen Schlusspunkt“ (2). Der Text beschreibt die Sicht eines ungeborenen Kindes im Mutterleib w\u00e4hrend eines Atomkriegs. Das Ungeborene kann dem Schrecken nicht entkommen, obwohl der Leib der Mutter es umh\u00fcllt und sch\u00fctzt. Es bekommt alles mit und muss alles mit ertragen. Kate Bush erkl\u00e4rt das so: „It’s almost like the mother’s stomach is a big window that’s like a cinema screen, and they’re seeing all this terrible chaos.“ (5) In der \u00dcberleitung nach dem zweiten Chorus zur Coda erkl\u00e4rt eine m\u00e4nnliche Stimme die Auswirkungen der Bombe – diese sachlichen Informationen wie aus einem Radio verst\u00e4rken das Grauen. In der Coda wird st\u00e4ndig „we are all going to die without“ wiederholt – dann endet der Song mit einem tiefen Ton, der wie eine erneute Explosion aus der Ferne hineinhallt. Das Ende bleibt offen. Der Song ist „eine wirkliche Verbindung aus Experiment und Emotion. Es ist eine \u00fcberw\u00e4ltigende Kombination.“ (1) Thomson fasst es so zusammen: „Es ist ein komplexes und intensives St\u00fcck voller Liebe, Schrecken und b\u00f6ser Vorahnung.“ (1)
\nEs spricht f\u00fcr den Eigensinn von Kate Bush, dass neben dem eing\u00e4ngigen „Babooshka“ diese zwei Antikriegssongs als Singles ausgekoppelt wurden. Es spricht f\u00fcr ihr sicheres Gesp\u00fcr, dass sie zudem noch erfolgreich waren.
\n„Never for ever“ entstand in kr\u00e4ftezehrenden Sessions, in Wiederholung um Wiederholung. „Hinter ihrer unnachgiebigen Arbeitsweise\u00a0 und ihrem hartn\u00e4ckigen Festhalten an einer Idealvorstellung steckt die Suche nach dem Moment der Transzendenz, das Bestreben, den Klang, den sie in ihrem Kopf h\u00f6rt, so nahe wie m\u00f6glich zu kommen, sodass ein geheimnisvoller, magischer Augenblick voll emotionaler Wahrheit entsteht“ (1). Eine K\u00fcnstlerin ist hier auf der Suche nach der Vision, dem idealen Klang. Dieser ferne Klang kann nur in besonderen Gl\u00fccksmomenten erreicht werden, wenn alle Beteiligten eins sind. Auf diesem Album ist dies an vielen Stellen gelungen. Das esoterische Terrain der ersten beiden Alben ist in fremde, „exoterische“ Gefilde ausgeweitet worden. „Never for ever“ klingt so auch heute noch frisch, gewagt, eigensinnig, neugierig und eigenst\u00e4ndig. Ich kann nur empfehlen, es \u00f6fter zu h\u00f6ren.<\/p>\n

(1) Graeme Thomson: Kate Bush. Under the ivy. 2013. Bosworth Music GmbH. S. 199-222
\n(2) Rob Jovanovic, Kate Bush. Die Biographie. 2006. Koch International GmbH\/Hannibal. H\u00f6fen. S.109-125
\n(3) Pat Gilbert: Army Dreamers, Mojo 10\/2014. S.74
\n(4) Colin Irwin: „I find myself inspired by unusual, distinct, weird subjects“. Interview im Melody Maker 4.10.1980.
\n(5) Jim Wirth: Never for ever. Kate Bush – The ultimate music guide. uncut. S.44-47<\/p>\n

Autor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

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12.11.1978<\/h5>\n

Lionheart<\/h2>\n

\"Lionheart\"<\/a>\"Lionheart<\/a><\/p>\n

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Symphony In Blue – In Search Of Peter Pan – Wow – Don’t Push Your Foot On The Heartbrake – Oh England My Lionheart – Fullhouse – In The Warm Room – Kashka From Baghdad – Coffee Homeground – Hammer Horror<\/p>\n

Lionheart \u2013 Rollenspiele und Theater<\/h4>\n

Der Sensationserfolg von \u201eWuthering Heigths\u201c, das erfolgreiche Erstlingsalbum \u201eThe Kick Inside\u201c \u2013 was kann nun folgen? Die Situation war f\u00fcr Kate Bush paradox. Auf der einen Seite der Glanz des Ruhms, auf der anderen Seite der Druck, sich jetzt beweisen zu m\u00fcssen. Am zweiten Album entscheidet sich, ob es weitergeht oder ob man wieder in der Versenkung verschwindet. EMI hatte vor dem ersten Album Jahre Zeit gegeben (eine Investition in eine m\u00f6glicherweise prospektive Zukunft), jetzt galt es, diesen \u201eLauf\u201c fortzusetzen. Ein neues Album musste her, so schnell wie m\u00f6glich, eine Tour hatte zu folgen. Es ist bekannt, wie sehr Kate Bush es hasst, unter Druck zu arbeiten. Jetzt war dieser Druck da (und wahrscheinlich reifte hier der Entschluss, nie wieder in eine solche Situation zu kommen). Auch das Umfeld war schwierig. Kate f\u00fchlte sich nicht frei in Ihren musikalischen Entscheidungen, der Produzent st\u00f6rte bzw. hatte andere Visionen als sie selbst, es gab Zerw\u00fcrfnisse unter den Studiomusikern. Zudem waren nur wenige Wochen Zeit f\u00fcr neue Kompositionen, viele Songs entstanden vor oder zeitgleich zum ersten Album, gerade einmal vier Titel sind nach Kate Bushs eigenen Angaben neu (Jovanovic 2006, S.92). Das Ergebnis ist \u00fcberraschenderweise ein Album, dem man diese Schwierigkeiten nicht anmerkt.
\nMit einer ruhigen Ballade beginnt das Album. In \u201eSymphony In Blue\u201c wandert die Stimme frei und ohne Beschr\u00e4nkung durch den Tonraum. Unterschiedliche Stimmf\u00e4rbungen, und Eint\u00f6nungen, Hintergrundstimmen wie schattenhafte Echos – all dies gibt dem Song eine fast schon unheimliche Tiefe. Der Text spiegelt die innere Situation in Analogien, in verschiedensten Facetten und Farben wieder. Blau ist die private, in sich versunkene Innenwahrnehmung. Rot ist die Liebe, der Sex, die Eifersucht \u2013 der Text ist hier wieder einmal sehr eindeutig. Im Chorus vergleicht sich Kate mit einer Melodie auf dem Klavier, die f\u00fcr die Sinfonie (= das Leben, die Gemeinschaft) gebraucht wird \u2013 und dieses Gef\u00fchl vertreibt die Angst vor der Welt, vor dem Tod. Das ist eine Reise, die sie ganz tief in ihre eigene Seele hineinf\u00fchrt (Thomson 2013, S.153). Dieser Auftakt des Albums spricht in Bildern \u00fcber die eigene Situation: Die Musik rettet.
\n\u201eIn Search Of Peter Pan\u201c ist ein weiterer ruhiger Titel. Von Melodie kann man hier nicht sprechen, es sind eher Ausrufe, mit offenen Enden. Der Chorus ist deutlich abgesetzt in einem anderen Rhythmus und viel melodiebetonter. Im Text geht es um das Herauswachsen aus der Kindheit, geschildert aus der Sicht eines Kindes. Laut Kate (Jovanovic 2006, S.92) geht es darum, wie leicht ein junger, unschuldiger Geist kontrolliert und manipuliert werden kann, ohne dass man das wirklich m\u00f6chte. Den Song pr\u00e4gt ein sehr theatralisches Flair, das durch das Musikzitat aus Walt Disneys Pinocchio noch verst\u00e4rkt wird (Jovanovic 2006, S.92). \u201eWhen you wish upon a star Your dreams come true“ \u2013 dieses Schlusszitat zeigt an, dass es m\u00f6glich ist, sich von seinen Zw\u00e4ngen und von einengenden Personen zu emanzipieren. Das l\u00e4sst sich nat\u00fcrlich als verdeckter Kommentar zu Kates damals aktueller Situation deuten.
\nMit einem bruchlosen \u00dcbergang geht es weiter mit \u201eWow\u201c und seinem ersten Satz \u201eWe’re all alone on the stage tonight\u201c \u2013 Tr\u00e4ume werden wahr, die Kindheit ist vorbei und pl\u00f6tzlich steht man allein und zitternd auf der B\u00fchne. Ruhig, fast hereinschleichend beginnt es, zum Chorus hin wird er schneller und treibender \u2013 das ist eine Steigerung mit \u201eWow\u201c-Effekt. Der Song ist voller dramatischer Wucht (Jovanovic 2006, S.92) und ein Kaleidoskop aus Verweisen auf die B\u00fchne und auf das Showbusiness. Ausgiebig und ironisch werden im Text Lieblingsworte von Kate wie \u201eamazing\u201c, „ooh yeah\u201c, \u201eincredible“, \u201efantastic\u201c, \u201ewow\u201c, \u201eunbelievable\u201c benutzt, daf\u00fcr ist sie nach Interviews immer bel\u00e4chelt worden. Das Lied ist ein sehr ausgereifter Titel, der schon f\u00fcr \u201eThe Kick Inside\u201c auf der Liste stand (Jovanovic 2006, S.92) und zu Recht ist er als Single ausgew\u00e4hlt worden.
\n\u201eDon\u2019t Push Your Foot On The Heartbrake\u201d ist von zielloser Melodik gepr\u00e4gt, fast paranoid springend, verschiedene Stimmen wetteifern um die Vorherrschaft. Der Chorus ist hart, treibend, als ob die handelnde Person angetrieben oder angefeuert wird. Im Text geht es um eine Frau in innerer Disharmonie, schwankend zwischen Depression und Manie, die Zerrissenheit der Melodie spiegelt das wieder. Der Song erinnert an Patti Smith und zeigt rockige H\u00e4rte (Jovanovic 2006, S.93). Hier finden sich schon Vorboten der teilweise hemmungslosen Wildheit, die viele Songs der n\u00e4chsten beiden Alben pr\u00e4gen wird.
\nMit \u201eOh England My Lionheart\u201c folgt ein drastischer Tempowechsel. Ein zur\u00fcckhaltendes Arrangement, Klavier, Fl\u00f6ten, Cembalo, ber\u00fchrender Gesang \u2013 das Lied verstr\u00f6mt ein beinahe mittelalterliches Flair (Jovanovic 2006, S.93f). \u00dcberall im Text finden sich England-Verweise (London Bridge, Shakespeare, die Themse, der Tower und seine Raben), alles ist von Sehnsucht gepr\u00e4gt. Kates Gesang aber l\u00e4sst alles Zuckers\u00fc\u00dfe an dem Titel verfliegen. (Jovanovic 2006, S.93f). Diese melancholische, ganz ruhige und romantische Ballade ist ein perfektes, trauriges Schmuckst\u00fcck und hat damals sofort mein Herz f\u00fcr das Album gewonnen.
\nDas Lied ist eine ganz pers\u00f6nliche Herzensangelegenheit. F\u00fcr das Pers\u00f6nliche spricht, dass der Text im Booklet handschriftlich abgedruckt ist. Kate mag den Titel nicht mehr, m\u00f6glicherweise deckt er doch zu viel aus dem Inneren auf. Er ist aber eindeutig das Zentrum des Albums, nicht ohne Grund spiegelt sich dies im Namen des Albums wieder. Die perfekte Kombination aus Musik und Text ist tief bewegend, sie bedient sich unvergesslicher Bilder, verortet Erinnerungen in Zeit und Raum (Thomson 2013, S.153).
\nEin Krieg ist beendet (\u201eThe soldiers soften, the war is over.\u201c), ein abgeschossener Milit\u00e4rpilot kommt in seinem Sarg zur\u00fcck in sein geliebtes England (\u201eDropped from my black Spitfire to my funeral barge.\u201c). Das Lied ist ein Strom von Erinnerungen, Bildern, Emotionen. Jemand kommt nach Hause, aber es ist nur noch eine Zwischenstation auf einem Weg ohne R\u00fcckkehr, es ist die Wehmut des endg\u00fcltigen Abschieds.
\nSind die ersten f\u00fcnf Titel Kommentare zur eigenen Situation? Sie haben auf jeden Fall eine verwandte Thematik \u2013 es sind Titel, die nach innen schauen, die pers\u00f6nliche Sichten wiedergeben.
\nDie zweite Albumh\u00e4lfte beginnt mit \u201eFullhouse\u201c, fast atonal in der Melodief\u00fchrung, wild, \u201eneben der Spur\u201c. Thomson spricht von \u201everworrener Melodie\u201c (Thomson 2013, S.153), das l\u00e4sst sich nachvollziehen. Im Text geht es um das alte Selbst, das zur\u00fcckkommen will. Das Lied ist voll von gegenl\u00e4ufigen Stimmen: Ein Mensch mit gespaltener Pers\u00f6nlichkeit, der mit seinen inneren D\u00e4monen k\u00e4mpft (Jovanovic 2006, S.94). Diese \u201eausbrechenden\u201c Titel (\u201eDon\u2019t Push Your Foot On The Heartbrake\u201d, \u201eFullhouse\u201c) sind noch eher grob und noch nicht so ausgefeilt wie auf den n\u00e4chsten beiden Alben.
\n\u201eIn The Warm Room\u201c ist eine ruhige Ballade, klavierbetont, sinnlich gesungen, schw\u00fcl. Das Lied befasst sich sehr offen mit Sex, aber aus m\u00e4nnlicher Sicht (Jovanovic 2006, S.94). Im Text geht es um die Begegnung zwischen einer Frau (einer Prostituierten?) und einem m\u00e4nnlichen Protagonisten. Alles hier ist sexuell aufgeladen, die Erotik findet sich selbst in den Stimmf\u00e4rbungen wieder (z.B. auf \u201emarshmallows\u201c). Das Lied macht den Zuh\u00f6rer zum Voyeur (Thomson 2013, S.153). Wir schauen bei geheimen, verbotenen, ganz intimen Dingen zu.
\n\u201eKashka From Bagdad\u201c erz\u00e4hlt die r\u00e4tselhafte Geschichte eines schwulen Paares, das sich in einem Haus verbirgt. Inspiriert wurde der Song von einer Krimiserie, in der es auch um ein d\u00fcsteres altes Haus ging (Jovanovic 2006, S.94). So ein visueller Ansto\u00df bildet wie so oft bei Kate Bush den Kern f\u00fcr dann etwas ganz anderes: Ein altes Haus mit zwei Menschen, von denen niemand wirklich viel wei\u00df, ein schwules Paar, Exotik (Bagdad), Geheimnisse, Liebe. Eine Nachtmusik, exotische Klaviert\u00f6ne, wie von der anderen Stra\u00dfenseite her\u00fcberklingend, Melodiefetzen, Stimmen von Gegen\u00fcber. Die Coda nimmt die Stimmung dieser warmen Nacht auf. Der Gesang ist besonders abgerundet und weich (Jovanovic 2006, S.94).
\nCoffee Homeground\u201c setzt den Theaterfaden fort. Bei mir treten sofort Assoziationen an das Musical \u201eCabaret\u201c auf. Kate singt teilweise mit deutschem Akzent und tiefer Stimme. Im Chorus ist die Stimme sehr hoch, abwechselnd mit der tiefen Stimme wird hier praktisch ein Duett\/Dialog gesungen. Das ist originell und exaltiert.
\nDer Text ist d\u00fcster, dreht sich um Mord, Gift, Intrige. Angeblich wurde er durch eine Fahrt mit einem Taxifahrer inspiriert, der glaubte, von einem anderen vergiftet zu werden (Jovanovic 2006, S.95). Im Song ist die handelnde Person zu Besuch, w\u00e4hnt sich immer in der Gefahr (Bef\u00fcrchtung?) vergiftet zu werden. Thomson mag den Song nicht, h\u00e4lt ihn f\u00fcr eine m\u00fcde Mischung aus Krimi und Brecht-Parodie (Thomson 2013, S.153) \u2013 aber da fehlt vielleicht der Sinn f\u00fcr schwarzen Humor, Groteske und Unsinn.
\nEin dramatischer Beginn, Filmmusik setzt ein, wie aus einem Horrorfilm: \u201eHammer Horror\u201c beginnt. Dann kommt die Stimme dazu, die geheimnisvoll \u00fcber der dunklen Grundierung schwebt und dann h\u00f6her und schneller wird. Faszinierend und sehr theatralisch!
\nDie Hammer Studios sind ein englisches Filmunternehmen, das in den 60\u2019ern und 70\u2019ern zahlreiche cineastische Schauerm\u00e4rchen produzierte (Jovanovic 2006, S.95). Das Lied ist inspiriert vom Film \u201eDer Mann mit den tausend Gesichtern\u201c, in dem James Cagney den Stummfilmdarsteller Lon Cheney bei seiner Interpretation des Gl\u00f6ckners von Notre Dame spielte (Jovanovic 2006, S.95). Im Text werden alle diese Elemente zu einer neuen Einheit zusammengef\u00fcgt. Der Gl\u00f6ckner von Notre Dame als Symbol der Dunkelheit (\u201eYou stood in the belltower, But now you’re gone. So who knows all the sights Of Notre Dame?\u201c) wird mit dem Thema der Zweitbesetzung (\u201cI’m the replacement for your part\u201d) verkn\u00fcpft. Schuldgef\u00fchle und die Schatten der Vergangenheit kommen dazu (\u201cRehearsing in your things, I feel guilty. And retracing all the scenes, Of your big hit, Oh, God, you needed the leading role. It wasn’t me who made you go, though.\u201d) Alles wird verwoben zu einer d\u00fcsteren Szene. Der Chorus ist schnell und treibend mit verschiedenen Stimmf\u00e4rbungen, am Ende des 2. Chorusabschnitts gibt es T\u00f6ne, die schon \u201eNever For Ever\u201c anklingen lassen. Am Schluss des Liedes verklingt die Musik fast atonal, tiefer Trommelwirbel, ein Gong ert\u00f6nt: Vorhang auf – jetzt beginnt die Vorstellung!
\nDas Album ist von der Stimmung her ganz anders als \u201eThe Kick Inside\u201c (Jovanovic 2006, S.92). Es enth\u00e4lt gewagtere St\u00fccke, ungew\u00f6hnlichere, sie sind experimenteller in der Musik und im Ausdruck. Ein erstes Album soll ja auch nicht \u00fcberfordern, vielleicht wurden sie deshalb nicht verwendet und waren \u201e\u00fcbriggeblieben\u201c.
\nWahrscheinlich auch durch die bevorstehende Tournee bedingt sind viele Songs recht theatralisch angelegt. Der Sound liegt auf halbem Weg zwischen einem Soundtrack und einer Musikrevue (Jovanovic 2006, S.92). Das Album ist voll von Theaterszenen, B\u00fchnenauftritten, Stimmen, Masken und Rollenspielen \u2013 und dahinter verstecken sich Blicke nach innen, intime und emotionale Elemente. Auch das Cover zeigt, dass es um Maskierung geht: Kate in einem L\u00f6wenkost\u00fcm.
\nDieses Album schl\u00e4gt eine andere Seite auf als \u201eThe Kick Inside\u201c. Der Aufbruch ist einem Hinaustreten in das grelle Licht der B\u00fchne gewichen. Alle Augen sind auf dich gerichtet, du musst dich verstellen, maskieren, dein Inneres sch\u00fctzen. Dieses Verbergen von Momenten gro\u00dfer Intimit\u00e4t macht f\u00fcr mich den Reiz dieses weithin untersch\u00e4tzten Albums aus. Mir war es wegen dieser Doppelb\u00f6digkeit immer n\u00e4her als \u201eThe Kick Inside\u201c.<\/p>\n

Literatur
\n\u2022 Rob Jovanovic, Kate Bush. Die Biographie. 2006. Koch International GmbH\/Hannibal. H\u00f6fen
\n\u2022 Graeme Thomson: Kate Bush. Under the ivy. 2013. Bosworth Music GmbH.<\/p>\n

Autor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n

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17.2.1978<\/h5>\n

The Kick Inside<\/h2>\n

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Moving – The Saxophone Song – Strange Phenomena – Kite – The Man With The Child In His Eyes – Wuthering Heights – James And The Cold Gun – Feel It – Oh To Be In Love – L’Amour Looks Something Like You – Them Heavy People – Room For The Life – The Kick Inside<\/p>\n

The Kick Inside: Eine Analyse<\/h4>\n

Mit \u201eThe Kick Inside\u201c legte Kate Bush 1978 ein Erstlingswerk vor, das bis heute erstaunt. Eine unbekannte S\u00e4ngerin und Komponistin von gerade achtzehn Jahren tritt nach vorn und pr\u00e4sentiert einen Korb voller Juwelen.
\nIm Gegensatz zu sp\u00e4teren Alben hatte Kate Bush hier noch nicht die Freiheiten, zu tun und zu lassen, was sie wollte. Sie musste sich als Neuling mit einem Produzenten (Andrew Powell) und einer handvoll von Studiomusikern arrangieren. Sie kam mit der Musik, spielte sie am Klavier vor (jeder Song war vollst\u00e4ndig ausgearbeitet), die Band erarbeitete recht frei dazu die Begleitung. Alle arbeiteten als Team (Jovanovic 2006, S.66). Die Produktion stellt Kates Stimme dabei in den Mittelpunkt und deckt sie nicht mit vielen Schichten zu. Das Ergebnis ist ein abgerundetes Gemeinschaftswerk und pr\u00e4sentiert Kate Bush und ihre Musik als das was sie ist – etwas Au\u00dferordentliches.
\nMit unheimlichen T\u00f6nen \u2013 als ob sich etwas aus dem Dunkel des Unterbewussten ins Licht erhebt \u2013 beginnt das Album mit \u201eMoving\u201c. Die T\u00f6ne verwandeln sich in Walges\u00e4nge, seltsam und faszinierend. Das Meer klingt an, ein Thema ganz vieler Bush-Songs. Der Song mit seiner hin und her schwingenden Melodie pr\u00e4sentiert die ganze Bandbreite der gesanglichen M\u00f6glichkeiten von Kate. Das Thema des Songs: Sex mit einem Fremden, das Brechen der Unschuld (\u201eYou crush the lilly in my soul\u201c \u2013 die Lilie als Symbol der Reinheit). Besser als mit diesen Bildern kann man es kaum aufzeigen, dass dieses Album ein Aufbruch ist. Ein neues Leben beginnt.
\nMit weiteren Walges\u00e4ngen (jetzt deutlicher konturiert, ohne das Unheimliche) wird zu \u201eThe Saxophone Song\u201c \u00fcbergeleitet. Die Stimme \u201eschleicht\u201c durch die Harmonien, es gibt viele kleine Umspielungen der Melodiet\u00f6ne. Die Gesangsdarstellung ist dabei eine \u201ekraftvolle, eher schn\u00f6rkellose\u201c (Jovanovic 2006, S.67). Der Schluss entwickelt sich zu einem hypnotischen Irrgarten aus Melodiepartikeln. Auch in diesem Lied geht es um Sexuelles. Die Anziehungskraft wird beschrieben, die ein unbekannter Saxophonspieler in einer Bar auf die Protagonistin aus\u00fcbt.
\n\u201eStrange Phenomena\u201c wird nach einem ruhigen Beginn mit unklarer verschleierter Harmonik beschwingter. Zuf\u00e4lle und Koinzidenzen spielen im Text die Hauptrolle, aber auch der \u201epunctual blues\u201c \u2013 die Menstruation.
\n\u201eKite\u201c ist schnell, fast rockig, \u201eReggae-Feeling\u201c (Jovanovic 2006, S.68) stellt sich ein. Die Stimme springt extravagant durch das Lied, im Chorus gibt es viele Taktwechsel (4\/4, 3\/4). Der Song macht einen sehr exaltierten Eindruck und erinnert in der Stimmung schon an das dritte Album \u201eNever For Ever\u201c. Ein Lied \u00fcber das Abheben, \u00fcber das sich befreien, \u00fcber das sich in einen Drachen \u00fcber allem verwandeln.
\nEine ruhige, stimmungsvolle Ballade setzt ein: „The Man With The Child In His Eyes\u201c. Kates Stimme ist hier tiefer, ruhiger, fast fraulich \u2013 und das, obwohl dieses Lied von einer 16-J\u00e4hrigen gesungen ist (der Song stammt aus ersten Sessions im Jahre 1975). Ein Lied \u00fcber einen unsichtbaren Begleiter, wie ihn Kinder oft haben? Oder vielleicht doch \u00fcber einen sehr viel \u00e4lteren Freund? Passiert da etwas Anst\u00f6\u00dfiges? Wie so oft bei Kate ist es doppelb\u00f6dig. Es wird dem H\u00f6rer \u00fcberlassen, wie tief und abseitig er den Text auslegen will. Kate selbst gibt in Interviews h\u00f6chstens harmlose Andeutungen von sich \u2013 und die Abgr\u00fcnde l\u00e4sst sie aus.
\n\u201eWuthering Heights\u201c \u2013 bei jedem Wiederh\u00f6ren \u00fcberrascht mich die wilde Originalit\u00e4t. Selbst nach 35 Jahren klingt dieses Lied \u201eneu\u201c. Es w\u00fcrde heute noch genauso viel Aufsehen erregen wie damals. Es ist ein Titel, der sich ganz vehement allem entgegenstellte, was zu dieser Zeit angesagt war (Jovanovic 2006, S.68).
\nDer Song schildert eine Episode aus dem Roman \u201eWuthering Heights\u201c. Er ist inspiriert vom Ende einer Verfilmung dazu: eine Hand, die durch ein Fenster kommt, Gefl\u00fcster. Kate macht sich die Leidenschaft, die Gewaltt\u00e4tigkeit, die Abgr\u00fcnde der Romanheldin zu Eigen (Thomson 2013, S.118). Der Song fasst die Essenz des Romans in vier Minuten zusammen, besser als es jede Verfilmung bisher geschafft hat. Die Emotionen brennen sich beim Zuh\u00f6rer ein. Die Stimme ist ganz hoch, schrill, geisterhaft \u2013 die Protagonistin des Romans sucht ihren Liebhaber als Geist heim. Es gibt viele Taktwechsel, besonders im Chorus (2\/4, 3\/4, sonst 4\/4, 2\/4). Dadurch entsteht ein Rhythmus, zu dem man nicht richtig tanzen kann, es ist unwirklich, neben der Welt. Die Melodie springt \u00fcber zwei Oktaven hin und her, ohne Fixpunkt, ohne richtigen tonalen Schwerpunkt. Wie kann so ein Lied ein Hit werden? Es l\u00e4sst noch heute das Herz erschauern. Es ist noch heute ein Schlag in das Gesicht jeder Mainstream-Popmusik und zeigt zugleich, was sich Popmusik trauen kann.
\nEin krasser Gegensatz dazu \u201eJames And The Cold Gun\u201c, ein tanzbarer Rock\/Pop-Titel, der rockigste Titel des Albums. Es gibt nur kleinere stimmliche Besonderheiten, insbesondere in den Gegenstimmen, von Kate im \u201eComic-Stil\u201c gesungen.
\n\u201eFeel It\u201c beginnt einen kleinen Zyklus von drei Liedern \u00fcber das, was bei einem \u201eOne night stand\u201c passieren kann. Das Lied ist ruhig, balladesk, intim, klavierbetont, die Stimme ist erwartungsvoll. Sex, spontan, nach einer Party, unerwartet. \u201eOh To Be In Love\u201c ist eine melodiebetonte Ballade. Die Stimme ist an den Enden der Strophen sehr hoch, alles ist emotional. Es ist der merkw\u00fcrdige Morgen nach einem Abenteuer, alles in diesem Lied dr\u00fcckt die Sehsucht nach Liebe und einer Beziehung aus. Das Gef\u00fchl danach – k\u00f6nnte es bei einem selbst mehr sein als nur eine fl\u00fcchtige Begegnung? \u201eL\u2019Amour looks something like you\u201d \u2013 die Protagonistin kann \u201eihn\u201c nicht vergessen. Immer wieder taucht er in ihrer Vorstellung auf, sie kann sich nicht von Fantasien \u00fcber ihn l\u00f6sen. Die Musik ist ruhig, die Stimme umspielt die Melodiet\u00f6ne. Das ganze Lied ist eine sexuelle Erinnerung.
\n\u201eThem Heavy People\u201c ist ein Schritt in ein anderes Gebiet. Ein vorw\u00e4rtstreibender Titel mit einem merkw\u00fcrdigen Rhythmus, eine Art stolpernder Tanz (jemand ist noch nicht im Gleichgewicht). Im Chorus dann ein geradliniger Rhythmus, die Richtung ist gefunden – vorw\u00e4rts. Der Song erz\u00e4hlt von den Inspirationen, Anst\u00f6\u00dfen, Schubsern, die andere Menschen der S\u00e4ngerin gegeben haben. Er erz\u00e4hlt von den Menschen, die sie in die richtige Richtung gesto\u00dfen haben.
\nMit \u201eRoom For The Life\u201c haben wir wieder eine Ballade vor uns. Taktwechsel (4\/4, 2\/4) akzentuieren den Rhythmus wie kleine Wellenbrecher. Der Schluss ist fast afrikanisch inspiriert. Das Lied handelt von der Kraft der Frauen, es beschw\u00f6rt die weibliche Kraft, es ist eine Hymne an die Schwangerschaft (Jovanovic 2006, S.70).
\nDer Schluss des Albums ist einer der H\u00f6hepunkte: \u201eThe Kick Inside\u201c. Ein ganz ruhiger Titel, melancholisch, in sich selbst versunken. Der Text ist \u201e\u00e4u\u00dferst kraftvoll\u201c (Jovanovic 2006, S.71), eine Inzestbeziehung wird thematisiert. Die Schwester wird schwanger von ihrem Bruder und begeht Selbstmord. Das Lied enth\u00e4lt den Abschiedsbrief. (Jovanovic 2006, S.71). Ganz unerwartet endet die Melodie, sie bricht auf einer Note mittendrin einfach ab. Ein offenes Ende, eine Wendung in Moll (ins Dunkel) auf dem letzten Ton, ein Hinaustreten. Als H\u00f6rer steht man da und ist pl\u00f6tzlich und unerwartet allein, der Schmerz dieses Abschieds dringt nach einer Schrecksekunde ein. Ich m\u00f6chte hineingreifen und der Protagonistin meine Hand reichen \u2013 aber es ist zu sp\u00e4t. Das ist grandios.
\nDas Album zeigt \u201edas erste Erwachen einer sehr starken Songwriterin\u201c (Jovanovic 2006, S.71). Die Texte sind \u201ef\u00fcr eine Popk\u00fcnstlerin sprachliches Neuland\u201c (Thomson 2013, S.117). Die Themen sind auch heute noch tabuisiert. Wer singt heute von Inzest, One-Night-Stands, Menstruation, Sex aus weiblicher Sicht? Das ist immer noch kein Mainstream \u2013 und vor diesem Album tat das niemand. Vor kurzem habe ich die Musik zusammen mit einem Freund geh\u00f6rt, f\u00fcr den das Album bis auf \u201eWuthering Heights\u201c neu war. Beim Mitlesen der Texte kam ein bewunderndes \u201eWow! \u2013 Ganz sch\u00f6n starker Tobak \u2013 achtzehn Jahre? \u2013 Und das haben sie ver\u00f6ffentlicht?\u201c. Die Bilder sind originell, manchmal be\u00e4ngstigend, urspr\u00fcnglich (\u201eBeelzebub is aching in my belly-o\u201c). \u201eSelbst die Liebesgeschichten sind von Sinnlichkeit gepr\u00e4gt, schauen ganz genau auf die Spitzen und Str\u00fcmpfe, Feuer und Kerzenschein, Fakt und Fantasie.\u201c (Thomson 2013, S.117)
\nDas Album ist voller Stimmen und voller sch\u00f6ner Geschichten. Der Gesang (auch der Begleitgesang) ist \u201emanchmal wirklich \u00fcberw\u00e4ltigend\u201c (Jovanovic 2006, S.71), die Stimme geht \u00fcber ein ganz weites Spektrum. Die schlichtesten Momente des Albums sind dabei oft die sch\u00f6nsten, das ist reine, unverf\u00e4lschte Emotion. Die Frische der Stimme, die Unbefangenheit, der jugendliche \u00dcberschwang sind herzerfrischend (z.B. \u201eKite\u201c).
\nAlles an diesem Album ist Aufbruch und Abschied zugleich. Ver\u00e4nderung, Entdecken, der Aufbruch in eine neue Welt, dies sind die gro\u00dfen Themen. Es erz\u00e4hlt von den Ver\u00e4nderungen, die mit der erwachenden Sexualit\u00e4t einhergehen, von den \u00c4ngsten und Zweifeln der Selbstfindung in der Phase des Erwachsenwerdens.
\nGraeme Thomson fasst den Eindruck so zusammen: \u201eEs gab nichts, was vergleichbar klang.\u201c (Thomson 2013, S.144). Besser l\u00e4st es sich nicht sagen. Hier verstellt sich niemand, hier zeigt jemand seine Seele. Ganz gro\u00dfes Kino \u2013 immer noch neu \u2013 immer wieder gut.<\/p>\n

Literatur
\n1) Rob Jovanovic, Kate Bush. Die Biographie. 2006. Koch International GmbH\/Hannibal. H\u00f6fen
\n2) Graeme Thomson: Kate Bush. Under the ivy. 2013. Bosworth Music GmbH.
\nAutor: Achim, Hannover (aHAJ)<\/strong><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

  16.\/30.11.2018 Remastered Vinyl I – IV                       Vinyl I: The Kick Inside, Lionheart, Never For Ever, The Dreaming Vinyl II: Hounds of Love, The Sensual World, The Red Shoes Vinyl III: Aerial, Director’s Cut, 50 Words for Snow Vinyl IV: 12″ Mixes: Running Up … <\/p>\n

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