Apr 20 2019

Das Song-ABC: You Want Alchemy

Dieser Song gehört zu den unbekannteren Werken von Kate Bush. Geschrieben und aufgenommen wurde er nach dem Abschluss der Arbeiten zum Album „The red shoes“ und zum Film „The line, the cross and the curve“ [1]. Er wurde nur auf den in Europa und Australien erschienenen CD-Singles von „Eat the music“ veröffentlicht [1]. Jetzt ist er auf der Compilation „The other sides 1“ endlich nicht nur für Sammler verfügbar. Der Song handelt von einem Ausflug, den die Protagonistin mit einer Gruppe von nicht näher definierten Personen macht („What a lovely afternoon / On a cloudbusting-kind-of day / We took our own ‚Mystery Tour‘ / And got completely lost somewhere up in the hills.“). Irgendwo in dieser ländlichen Einsamkeit treffen sie auf einen Imker. Er erzählt von seiner Ehrfurcht und seiner Verehrung für Bienen, die für ihn ein Schlüssel zur Welt sind („They got alchemy! / They turn the roses into gold! / They turn the lilac into honey /They’re making love for the peaches“). Zuerst hält ihn die Protagonistin für einen Spinner, sie versteht seine Faszination für die Bienen nicht. Aber allmählich wagt sie einen vorsichtigen Schritt in die private Welt dieses Mannes. Es gelingt ihr sich zu öffnen und die Freuden dieses einsamen Mannes zu spüren und zu respektieren. Sie nähert sich mit Sympathie und für einen kurzen Moment kann sie seine Vision teilen. Sie kann die Alchemie sehen. Zu diesem Song findet sich nichts in den Biographien von Johanovic und Thomson, wir sind also auf eine ganz eigene Interpretation angewiesen.

Der Song beginnt ruhig. Eine bekannte Melodie fällt auf: eingewoben in den Teppich der Streicher ist der Beginn des „Claire de lune“ von Claude Debussy (u.a. zu „What a lovely afternoon / On a cloudbusting-kind-of day“ gleich zu Beginn). Es ist eine zärtliches, träumerisches Melodiefragment, das immer wieder im Song auftaucht. Im Refrain („You want alchemy! […]“) wechselt die Perspektive zum Imker. Wie so oft bei Kate Bush wechselt mit der Perspektive auch die Musiksprache. Nun ist das eher ein Sprechgesang, ohne richtige Melodie, heftiger im Ton. Es klingt so, als ob hier jemand seine Gefühle ausdrückt, der selten mit anderen Menschen redet und des Singens in Melodien nicht so mächtig ist. Es ist eine Art gestammelte Anbetung der Natur.
In der zweiten Strophe ist das „Claire de lune“ wieder mit der Natur, den Bienen verbunden. Auch im zweiten Refrain taucht diese Melodie nun im Hintergrund auf. In der dritten Strophe vermischen sich die Gesangsstile der Protagonistin und des Imkers. Beide haben zu einer gemeinsamen Harmonie gefunden. Ganz zum Schluss des Songs „gewinnt“ das „Claire de lune“-Thema, wie eine Hymne an die Natur und ihre Geheimnisse erhebt es sich über dem Hintergrund. Es kommen Einwürfe eines Chores dazu („what they gonna do…?“), das erinnert an die den Sonnenaufgang ankündigenden Chöre in „Nocturne“ (auch dies eine Anbetung der Natur).
Der Song ist voller Querbeziehungen, hervorstechend ist natürlich das „Claire de lune“. Dies ist der 3. Satz der „Suite bergamasque“ von Claude Debussy aus dem Jahr 1890, übersetzt bedeutet der Titel Mondglanz oder Mondschein [2]. Es ist ein komplexes und faszinierendes Stück, das Einflüsse aus der Lyrik, der Barockmusik und des Impressionismus miteinander vermischt. Es ist ein Mittler zwischen den Welten. Der Titel des Stückes wurde kurz vor der Veröffentlichung hinzugefügt, er beruht auf dem Titel eines Gedichts des Symbolisten Paul Verlaine. Das Gedicht spricht von “au calme clair de lune triste et beau” – dem stillen Mondlicht, traurig und schön [3]. Der geplante Originaltitel war aber „Promenade sentimentale“ und griff damit ein Gedicht von Verlaine aus dessen 1866 veröffentlichter Sammlung „Paysages tristes“ (traurige Landschaften) auf [3]. Dieses Gedicht war wahrscheinlich die Inspiration, die Debussy brauchte. Die Eröffnungszeilen („Le couchant dardait ses rayons suprêmes / Et le vent berçait les nénuphars blêmes”), in denen die letzten Strahlen der untergehenden Sonne und die sich wiegenden Seerosenfelder beschrieben werden, sind mit großer Schönheit in den Anfangstakten von „Claire de lune“ umgesetzt [3]. Das Stück von Debussy steht für die Natur, ihre Geheimnisse und ihre Schönheiten – genau dafür wird es auch im Song von Kate Bush als musikalisches Zeichen benutzt. Die Natur ist etwas Ewiges, sie wurde in der Musik aller Zeiten beschworen. Durch die Verwendung des Debussy-Fragments stellt sich Kate Bush ganz bewusst in diese Tradition.

Neben der Verwendung des „Claire de Lune“ gibt es weitere direkte Verweise in den ersten drei Textzeilen. „What a lovely afternoon“ – diese Textzeile wird sich später auf der Sky-Seite des Albums „Aerial“ wiederfinden. „On a cloudbusting-kind-of day“ – das verweist auf den Song „Cloudbusting“. „We took our own ‚Mystery Tour’“ – das zitiert die gleichnamige EP und den gleichnamigen Film der Beatles. „Magical Mystery Tour“ (englisch ‚Magisch geheimnisvolle Fahrt‘) ist der Soundtrack zum gleichnamigen Fernsehfilm der Beatles. Auf der Doppel-EP ist auch das Instrumentalstück „Flying“ enthalten, das zur Zeit der Komposition noch den Arbeitstitel „Aerial Tour Instrumental“ trug [4]. Das hier über die Beatles auf das Album „Aerial“ verwiesen wird so wie es auch die erste Textzeile tut, das ist wahrscheinlich Zufall, vielleicht aber auch nicht. Eine magische, geheimnisvolle Reise – das ist es aber, was die Protagonistin in „You want alchemy“ durchmacht, vordergründig in die Natur, aber auch in die Seele eines anderen Menschen.
Von „You Want Alchemy“ gehen Verbindungen aus in ganz unterschiedliche Richtungen, Altes und Neues scheinen zusammenzuhängen. Echos aus der Vergangenheit treffen auf Visionen der Zukunft, Natur spiegelt sich in der Seele.  „You want alchemy“ ist die Brücke über die Jahre des Verstummens zwischen den Alben „The red shoes“ und „Aerial“. Der Song nimmt zentrale Motive von „Aerial“ vorweg. Mir erscheint er wie eine Keimzelle. Es finden sich ähnliche Bilder, ähnliche Worte. Auf dem Album ist aus dem Samenkorn einer Idee eine volle Blume geworden. © Achim/aHAJ

[1] https://www.katebushencyclopedia.com/you-want-alchemy (gelesen 13.10.2018)
[2] https://de.m.wikipedia.org/wiki/Suite_bergamasque (gelesen 21.02.2019)
[3] http://theconversation.com/decoding-the-music-masterpieces-debussys-clair-de-lune-79765 (gelesen 21.02.2019)
[4] https://de.m.wikipedia.org/wiki/Magical_Mystery_Tour_(Album) (gelesen 21.02.2019)

Apr 13 2019

Vor 40 Jahren: Die Tour of Life

Hamburg, Stuttgart. München, Duisburg, Mannheim und Frankfurt – sechs Konzerte hat Kate Bush 1979 zu ihrer europaweiten Tour of Life zwischen dem 28. April und 10. Mai in Deutschland gegeben. Eine Tour, die Maßstäbe gesetzt hat, was die künstlerische, visuelle und technische Seite betrifft. Eigens für ihre Shows wurde das Headset erfunden, damit Kate auf der Bühne Bewegungsfreiheit hatte und sowohl singen wie gleichzeitig auch tanzen konnte. Schon 1979 vereinte sie Tanz, Pantomime, Magie, Theater-Elemente und Poesie mit ihrer Musik zu einer Inszenierung, die von Publikum und Kritik gleichsam gefeiert wurde. Wie akribisch sich das Team um Kate auf diese Tournee vorbereitet hat, zeigen nicht nur die Tour-Dokumentationen der BBC und die 40-minütige Dokumentation von Albert Krogmann vom SWF, sondern auch Bilder, die vor Jahren im englischen Forum aufgetaucht sind. So gab es beispielsweise detaillierte Zeichnungen für das Bühnenset, Anweisungen für Lichteffekte und Stoffmuster für Kates Outfit zu den jeweiligen Songs. Zusätzlich gab es Skizzen, welche Kostüme Kate im Verlauf der Show trägt. Unveröffentlichte Fotonegative zeigen die Proben zur Tour, zudem gibt es Fotos von den Generalproben. Auf weiteren Dokumenten kann man für jeden Song einen genauen Ablaufplan für Tänzer, Band und Beleuchtung erkennen. Die Show war bis ins kleinste Detail durchgeplant.


Apr 08 2019

Das Bild des Monats: April

© Sjaak Vullings

Als „fantastisch und zugleich beängstigend“ hat Stefan in seiner Song-Analyse zu „Get out of my House“ den Song beschrieben, Sjaak verleiht ihm mit seinem Bild etwas diabolisches. „Für mich geht es in diesem Song darum, das eigene Umfeld gegen eine Person zu schützen, die (wieder) in dein Leben eintreten möchte, aber nicht mehr willkommen ist. Das Haus ist das Symbol der Person selbst, wenn sie singt: ‚Dieses Haus ist so alt wie ich‘. Der Mann, der hinein will, versucht alles, um sich wieder in dein Leben einzuschmeicheln. Sie kennt jedoch seine teuflischen Tricks und ist sehr kreativ dabei, ihn aus ihrem Haus fernzuhalten“, interpretiert Sjaak das Lied. Für das Foto musste Sjaaks Freund Jean-Philippe quasi den Kopf hinhalten. Das Bild entstand 2015 in Madrid. „Manchmal nenne ich Jean-Phillippe auch Luzifer, weil er ein überaus charmanter Mann ist. Aber seit ‚Heads we’re dancing‘ wissen wir alle, was Kate über charmante, teuflische Männer denkt“, erzählt Sjaak. In den letzten Jahren hat er sich ein bisschen mit dem Thema Bildbearbeitung beschäftigt und dementsprechend Jean-Philippe den teuflischen Look mit dem zweiten Gesicht verpasst.
‘Woman let me in!
Let me bring in the memories!
Woman let me in!
Let me bring in the Devil Dreams!’

Wer den Beitrag über Sjaak verpasst hat, kann hier mehr über ihn erfahren.

Apr 06 2019

Letzte Songs neu interpretiert

War das Project „Record full of last Songs“ von Timo C. Engel alias „Bleedingblackwood“ schon eine spannend-schräge Herausforderung, wird es mit der neuen CD von Timo nochmal eine Spur schräger. „Das Album ist ein wenig wie ein Mixtape, wie man sie früher oft bekommen hat. Nur dass alle Songs von mir sind…aber irgendwie auch nicht mehr“, erzählt Timo zu der Scheibe, die jetzt via Bandcamp digital veröffentlicht worden ist. „Befreundete Musiker haben Remixe, Coverversionen und Neuinterpretationen meiner Lieder aufgenommen und auch das Cover-Artwork wurde von verschiedenen Künstlern neu interpretiert“, sagt Timo. Und das Ergebnis ist überraschend. Wo Timo mit einer Vielzahl von teils sehr ungewöhnlichen Instrumenten Klangwelten erschaffen hat, erklingen jetzt plötzlich Synthesizer-Sounds. Mit dabei sind Remixe von aMinus, Filtig (Dadatek), Eschberg, (r)/Fabrizio Modonese Palumbo, A.R.P., The Surreal Funfair, Jo (Orange Ear) und Le Plan, zwei Cover-Versionen von An:Idea und Diana Lindner. Einen Song hat Timo selbst nochmal in einer akustischen Version eingespielt. Das alles ist absolut hörenswert und überzeugt auch deshalb, weil verschiedene Künstler sehr unterschiedliche Versionen gleicher Songs abliefern. Etwa bei Venus Flytrap Eyes, das von Diana Lindner als wundervolles Cover bezaubernd sanft neu eingesungen wird, sich bei An:Idea fast zur Disco-Nummer wandelt, um bei Filtig schräg zu entgleiten. Hören kann man all das hier. Den Beitrag zu Timos Original-CD gibt es hier.

Mrz 31 2019

Neu in der Sammlung: Die Hounds of Love 10 Inch

Drei Vinylplatten hat Kate zu den Record Store Days zwischen 2011 und 2013 veröffentlicht – eine schöner als die andere. 2013 gab es den 2012er-Remix von Running Up That Hill mit der B-Seite Walk Straight Down The Middle mit FishPeople-Motiven von Director’s Cut auf schwarzem Vinyl. Besonderer Clou: Das achtfache Motiv zu RUTH erzeugt beim Abspielen den Eindruck, als ob der Läufer in Bewegung ist. 2012 hatte Kate mit Lake Tahoe und Among Angels zwei Songs von 50 Words for Snow zum Record Store Day beigesteuert, mit den entsprechenden Motiven des Albums. Was mir bisher fehlte war die 2011er-Veröffentlichung. In den USA erschien damals die Hounds Of Love 10 Inch-Vinyl mit den Songs Hounds Of Love/Cloudbusting aus der A-Seite, und Watching You Without Me/Jig Of Life von The Ninth Wave als B-Seite – auf mormoriertem, pinken Vinyl in kleiner Auflage. Mit ein Grund, warum sie zu eher hohen Preisen von bis zu 200 Euro gehandelt wird. Mit viel Glück konnte ich die Scheibe – originalverpackt – jetzt auf Ebay in den USA für 65 Dollar plus Versand ergattern – geradezu ein Schnäppchen. Nur sie auszupacken habe ich mich bisher noch nicht getraut…

Mrz 12 2019

Never for Ever und das „verlorene“ Booklet

Auf einen meiner nächtlichen Streifzüge durchs Internet fiel mir letztens ein seltsames Angebot ins Auge: Eine Never for Ever first pressing LP aus England sowie eine Babooshka-Single, ebenfalls aus England, beides drapiert auf einem japanischen Booklet, das ich weiter nicht identifizieren konnte. Bei näherer Untersuchung (ich habe das Bild versucht zu vergrößern) fiel mir auf, dass es sich nur um das seltene Promo Booklet zu der japanischen Never for Ever Promo LP handeln konnte. Japanische Promo LPs sind wie eine Wundertüte, man weiß nie, was sich genau in der LP-Hülle befindet. Sehr sehr selten sind Promo-Fotos beigelegt (habe ich bis jetzt nur bei The Kick Inside gesehen) und noch seltener Promo-Booklets, die meist seltener sind, als die Promo LPs selbst. Oft wurden sie einfach weggeschmissen oder sind verloren gegangen. Da ich von der Never for Ever LP nur die UK Reissue besitze, schlug ich bei dem günstigen Angebot von rund 20 Euro natürlich sofort zu, und zwei Wochen später war das Paket da. Es handelte sich wirklich um das rare Booklet, das ich in 40 Jahren Sammeln noch nie sah! Warum der Händler (der übrigens aus Japan kommt) der UK Never for Ever LP ein japanisches Promo Booklet beilegte, wird wohl immer ein Geheimnis bleiben. Da ich die japanische white label Promo LP ohne Booklet bereits besaß, kommt jetzt zusammen, was zusammen gehört! Happy hunting! Michael Guth

Mrz 08 2019

Kate über ihre Songs


Im Zuge der Veröffentlichung von The Other Sides als 4CD heute hat Kate in ihrem Erinnerungsschatz gekramt und Details zu den Songs Rocket Man, Under The Ivy, The Man I Love und Experiment IV auf ihrer Webseite veröffentlicht.

Rocket Man:
I remember buying this when it came out as a single by Elton John. I couldn’t stop playing it – I loved it so much. Most artists in the mid seventies played guitar but Elton played piano and I dreamed of being able to play like him.
Years later in 1989, Elton and Bernie Taupin were putting together an album called Two Rooms, which was a collection of cover versions of their songs, each featuring a different singer. To my delight they asked me to be involved and I chose Rocket Man. They gave me complete creative control and although it was a bit daunting to be let loose on one of my favourite tracks ever, it was really exciting. I wanted to make it different from the original and thought it could be fun to turn it into a reggae version. It meant a great deal to me that they chose it to be the first single release from the album.
That meant I also had the chance to direct the video which I loved doing – making it a performance video, shot on black and white film, featuring all the musicians and… the Moon!
Alan Murphy played guitars on the track. He was a truly special musician and a very dear friend. Tragically, he died just before we made the video so he wasn’t able to be there with us but you’ll see his guitar was placed on an empty chair to show he was there in spirit. 

The Man I Love:
This romantic song was written by George and Ira Gershwin and when Larry Adler put an album together of their songs, called The Glory of Gershwin, he asked me to sing this beautiful song. The album was produced by George Martin. I was very fond of George – such a special talent and creative spirit, a really gentle man, very kind and incredibly interesting. It was a great honour to work with him and Larry.  George and Larry were very different personalities ( Larry was a real character), but they made a great creative combination.
It was released as a single and Kevin Godley directed the video. I loved working with Kevin –  so imaginative and great fun. I’d worked with him and Lol Creme when they directed the video for Peter Gabriel’s song, Don’t Give Up. Kevin chose to present the video in a very traditional way which suited the song extremely well.  Godley and Creme are huge talents who left their mark not just in the music industry with their intelligence and wit in the band 10CC but also in the visual world with their groundbreaking videos, working with an impressive list of diverse artists.

Under The Ivy:
I needed a track to put on the B-Side of the single Running Up That Hill so I wrote this song really quickly. As it was just a simple piano/vocal, it was easy to record.
I performed a version of the song that was filmed at Abbey Rd Studios for a TV show which was popular at the time, called The Tube. It was hosted by Jools Holland and Paula Yates. I find Paula’s introduction to the song very touching.
It was filmed in Studio One at Abbey Rd. An enormous room used for recording large orchestras, choirs, film scores, etc. It has a vertiginously high ceiling and sometimes when I was working in Studio Two,  a technician, who was a good friend, would take me up above the ceiling of Studio One. We had to climb through a hatch onto the catwalk where we would then crawl across and watch the orchestras working away, completely unaware of the couple of devils hovering in the clouds, way above their heads!  I used to love doing this – the acoustics were heavenly at that scary height.  We used to toy with the idea of bungee jumping from the hatch.

Experiment IV:
This was written as an extra track for the compilation album The Whole Story and was released as the single. I was excited at the opportunity of directing the video and not having to appear in it other than in a minor role, especially as this song told a story that could be challenging to tell visually. I chose to film it in a very handsome old military hospital that was derelict at the time. It was a huge, labyrinthine hospital with incredibly long corridors, which was one reason for choosing it. Florence Nightingale had been involved in the design of the hospital. Not something she is well known for but she actually had a huge impact on hospital design that was pioneering and changed the way hospitals were designed from then on.
The video was an intense project and not a comfortable shoot, as you can imagine – a giant of a building, damp and full of shadows with no lighting or heating but it was like a dream to work with such a talented crew and cast with Dawn French, Hugh Laurie, Peter Vaughn and Richard Vernon in the starring roles. It was a strange and eerie feeling bringing parts of the hospital to life again. Not long after our work there it was converted into luxury apartments. I can imagine that some of those glamorous rooms have uninvited soldiers and nurses dropping by for a cup of tea and a Hobnob.
We had to create a recording studio for the video, so tape machines and outboard gear were recruited from my recording studio and the mixing console was very kindly lent to us by Abbey Rd Studios. It was the desk the Beatles had used – me too, when we’d made the album Never For Ever in Studio Two. It was such a characterful desk that would’ve looked right at home in any vintage aircraft.
Although it was a tough shoot it was a lot of fun and everyone worked so hard for such long hours. I was really pleased with the result.

Mrz 04 2019

Das Bild des Monats: März

© Sjaak Vullings

Ein Graffiti an einer Tür. Der erste Gedanke von Sjaak: Klar, hat etwas mit einer Hochzeit zu tun. So ganz stimmt das natürlich nicht, aber so ähnlich. „The Wedding List“ schoss Sjaak nämlich als erstes durch den Kopf. „Es ist das Lied einer herzzerreißenden Tragödie und der ultimativen Rache“, sagt er zu dem Song. Der abgebildete Mann könnte also auf der Hochzeitsliste gestanden haben. Die ultimatiche Rache hat er da schon hinter sich und Blei im Kopf. Und weil Rache bekanntlich auch süß sein kann, hat er das Bild rosa eingefärbt. „Ich habe dieses Lied immer geliebt, weil es so voller Energie und sehr dynamisch ist. Der Mensch kann aggressiv, eifersüchtig und böse sein, und ich kenne diese Gefühle in mir. Zum Glück für mich und meine Umgebung drücke ich diese Gefühle nicht in so schrecklichen Handlungen aus, wie es die Dame im Lied tut!“, sagt Sjaak.
Now, as I’m coming for you,
All I see is Rudi.
I die with him, again and again.
And I’ll feel good in my revenge.
I’m gonna fill your head with lead
And I’m coming for you!’

Wer den Beitrag über Sjaak verpasst hat, kann hier mehr über ihn erfahren.

Feb 27 2019

Kaffeeklatsch: Kate Bush & Sex


Sexualität und Erotik sind immer wiederkehrende Themen in den Songs von Kate Bush. Schon ihr Debütalbum kommt einem mehrfachen Tabubruch gleich. Wie setzt Kate das Thema um? Wie ändert sich ihr Blick auf das Thema im Laufe ihrer musikalischen Entwicklung? Fragen, die hervorragend in den „Kaffeeklatsch“ passen. Heute mit Beate, Fan der ersten Stunde und früher Mitherausgeberin des deutschen Fanzines „Irgendwo in der Tiefe“.

Reden wir über Kate Bush und Sex. Mal sehen, ob wir da Experten sind. Es ist 1978, Kate besingt eine Ikone der englischen Literatur und auf der gleichen Scheibe geht es in „Strange Phenomena“ um den „punctual blues“. Ich könnte jetzt nicht behaupten, dass ich 1978 als 14-jähriger Junge auch nur ansatzweise einen blassen Schimmer hatte, worum es da eigentlich geht. Wie war das bei Dir?

Beate: Als Mädchen, als Teenager war Sex und Sexualität etwas, das noch sehr abstrakt war und unter verschiedenen Aspekten eher ungeschickt vermittelt wurde. In den grellen Überschriften von Jugendzeitschriften, eher verhalten-verkniffen im Elternhaus und sachlich-steril im Biologieunterricht. Zotig und irgendwie geschmacklos von Seiten gleichaltriger Jungs. Und mit immenser ängstlich-faszinierter Erwartungshaltung hinter vorgehaltener Hand, tuschelnd mit Freundinnen. Dass man sich dem Thema auch unverbrämt poetisch, neugierig, offen fasziniert und dennoch mit mystischer Tiefe nähern kann, war für mich in verschiedenen Formen der Kunst möglich. In Theaterstücken, im Ballett, in der Malerei, Literatur. Natürlich auch in der Musik. Es dauerte eine Weile, bis sich dies erschloss und wirkt daher noch immer nach. Besonders in Kates Musik. Ihr Umgang mit dem Thema Sex und Erotik in ihrer Arbeit, besonders auch auf den ersten Alben, ist sehr vielschichtig, hat seinen Ursprung in der Welt von Träumen und Vorstellungen und fließt, ähnlich wie Jahre später in The Sensual World, in die Wirklichkeit, ins Lebendige.
Wann und wie hat sich dir erschlossen, dass in Kates Texten sexuelle Bilder, Anspielungen oder gar sehr deutliche Ansätze enthalten sind?

Spät. Sehr spät. Vor allem deshalb, weil ich mich Kate in der Anfangszeit über ihre Musik und nicht über die Texte genähert habe. Vermutlich stehe ich damit aber nicht alleine. TKI ist ja voll von Anspielungen. In Feel it taucht die Textzeile „So keep on a-moving in, keep on a-tuning in, Synchronize rhythm now“ auf, in Wow gibt es mit „hitting the vaseline“ Andeutungen von schwulem Sex, ein Jahr später handelt Kashka from Baghdad von einem verliebten Männerpaar. Hat man das Ende der 70er Jahr einfach überhört?

Beate: Oh, ich glaube nicht, dass Kate hier überhört wurde, man ging glaube ich (etwa in Interviews) einfach nicht direkt darauf ein. An Kates Geste im „Wow“-Video – sie tätschelt sich an der entsprechenden Textstelle ja symbolisch das Hinterteil – soll die BBC ja meines Wissens Anstoß genommen haben. Im Gegenzug gab es keinerlei Probleme, Kate als Person als Sexsymbol in Szene zu setzen oder „verkaufen“ zu wollen. Das ist ein klein wenig paradox, aber auch recht typisch. Beim künstlerischen Ausdruck errötet man, während gleichzeitig relativ skrupellos entsprechende Fotos favorisiert wurden. Man denke an das berühmte pinke Top…

…bei dem es dann allerdings auch Versuche gab, es aus dem äh…Verkehr zu ziehen. Trotzdem muss es doch 1978 ein Tabubruch gewesen sein – sie singt über Menstruation und schwule Liebe. Das hat so zuvor in Popsongs noch keiner gewagt und selbst noch Jahre später wurden Songs von der BBC mit zu eindeutigem Inhalt boykottiert. Oder ist es vielleicht deshalb kein Tabubruch gewesen, weil sie nicht provozierend, sondern sehr natürlich mit dem Thema Sexualität umgeht?

Beate: Ja, das waren Tabubrüche, und es gab auch noch weitere, wenn man an den tragischen Titelsong The Kick Inside denkt, in dem es ja um eine verbotene Liebe zwischen Bruder und Schwester geht und der sich interessanterweise direkt an Room for the Life anschließt. Das gesamte Debutalbum ist tief durchdrungen von weiblicher Sexualität. Bereits auf Lionheart erweitert sich diese Perspektive dann. Auch das ist eine Besonderheit. Männliche Künstler zu der Zeit, gerade im Rockbereich, thematisierten Sex, teils provokant, teils platt und sexistisch. Kates Umgang mit dem Thema war und ist tatsächlich sehr natürlich und gleichzeitig sehr poetisch und tiefsinnig. Und er bleibt respektvoll, selbst wenn sie augenzwinkernd und voller Anspielungen damit umgeht.

Ändert sich dieser Blick auf das Thema, wenn Du beispielsweise die Lieder von The Kick Inside mit The Sensual World vergleichst?

Beate: Definitiv ja. Die Lieder, Texte und Musik, sind auf The Sensual World viel sinnlicher und erotischer und auch bewusster. Wir hören auf The Kick Inside noch viel mehr Neugier, ein großes ernsthaftes Interesse und auch eine gewisse Unschuld im positiven Sinne am Thema. Und viel verträumte Verliebtheit. Ab The Sensual World hören wir einer reiferen, erwachsenen Frau zu, die eine Welt erfährt, die von Sinnlichkeit und tiefer Empfindung durchdrungen ist, Ebene um Ebene. Der Satz „stepping out of the page into the sensual world“ scheint das gesamte Album zu durchziehen. Nicht nur in den Texten, sondern auch in den Stimmen und den Instrumenten. Man denke etwa an dieses „Zerfließen“ in The Fog, den Spannungsbogen des Trio Bulgarkas mit Dave Gilmours ekstatischer Gitarre in Rocket‘s Tale, das weiblich-männliche Spannungsfeld in Love and Anger, oder den erotischen Kitzel in Heads we‘re dancing… vom wunderbaren Titelsong gar nicht zu sprechen. In einer alten Rezension des Songs schrieb ein Musikjournalist übrigens, dass er sich zum Tanzen dazu weite Hosen wünsche. Wie empfindest du diesen Wandel in Kates Alben?

Reifer, erwachsener und erotischer trifft es auch in meinen Augen perfekt. Das Yes im Titelsong ist Erotik pur in drei unverfänglichen Buchstaben. Am meisten beeindruckt es mich immer, wenn sie dabei wie in Heads we‘re dancing eine unerwartete Geschichte erzählt oder wie in This Woman’s Work die Perspektive ins Ungewohnte verschiebt. Das sind nur zwei der vielen Songs von ihr, die ich oft sogar eher noch visuell wahrnehme und es ist wahrhaftiges Kino. Soweit das Thema Kate Bush und Sex. Sollen wir zum Schluss noch ‘nen Schneemann vernaschen?

Beate: Ja, das finde ich auch. Das Mhhh, yes… dieses Seufzen mit bewusstem Ausdruck von Genuss, von Sehnsucht und Erfüllung… wundervoll. Bringt uns zu diesem wunderbaren Schneemann-Thema. Die Geschichte an sich ist schon fantastisch… Sie baut einen Schneemann, der nachts in ihr Schlafzimmer kommt, der in ihr Bett zu ihr sinkt und schmilzt, während sie sich lieben. Diese Erzählung ist so vielschichtig. Das Verschmelzen, Dahinschmelzen, die gleichzeitige Ewigkeit des Augenblicks und dessen unaufhaltsame Vergänglichkeit. Es ist fast schmerzlich intensiv, Kate zuzuhören. Es drückt etwas aus, das wir alle schon erlebt haben, denke ich. Wenn man etwa jemanden bereits vermisst, obwohl man ihn noch in den Armen hält. Wie wunderschön ausgedrückt in diesem Bild… Was meinst Du?

Verschmelzen ist das richtige Stichwort. Sie verschmelzen und schmelzen dahin, suchen, finden und verlieren sich. Du kannst alles nachempfinden und an Menschen denken, die du geliebt und verloren hast. Gleichzeitig funktioniert er aber auch auf dieser vordergründigen Ebene der vollkommen abstrusen Geschichte vom Sex mit einem Schneemann und man kann sich vorstellen, wieviel Spaß sie bei der Aufnahme hatte. Das ist wirklich ein so unglaublicher Song der dich lachen lässt und gleichzeitig zu Tränen rührt. Wenn sie das Thema Liebe und Sexualität auf The Sensual World in Vergleich zu The Kick Inside reifer und erwachsener umgesetzt hat, muss man hier feststellen, dass sie bei diesem Lied eine Symbiose von Inhalt und Musik erreicht. Das ist Perfektion pur.

Feb 22 2019

The Other Sides ab März auf CD

Das 4LP-Set „The Other Sides“ wird am 8. März auf CD veröffentlicht. Auf 4 CDs wird es dann die 12-Inch-Mixe, B-Seiten, Raritäten und Coverversionen geben. Die remasterten Tracks auf CD sind identisch mit der LP-Version. Nach der Veröffentlichung der remasterten Alben hatten Fans kritisiert, dass „The Other Sides“ ausschließlich auf Vinyl bzw. nur im Box-Set veröffentlicht worden war. Um das CD-Set zu promoten, wurde zudem erstmals das Video zu Kates Coverversion von „Rocket Man“ offiziell veröffentlicht. Dazu schreibt sie auf ihrer Homepage:

I remember buying this when it came out as a single by Elton John. I couldn’t stop playing it – I loved it so much. Most artists in the mid seventies played guitar but Elton played piano and I dreamed of being able to play like him.Years later in 1989, Elton and Bernie Taupin were putting together an album called Two Rooms, which was a collection of cover versions of their songs, each featuring a different singer. To my delight they asked me to be involved and I chose Rocket Man. They gave me complete creative control and although it was a bit daunting to be let loose on one of my favourite tracks ever, it was really exciting. I wanted to make it different from the original and thought it could be fun to turn it into a reggae version. It meant a great deal to me that they chose it to be the first single release from the album. That meant I also had the chance to direct the video which I loved doing – making it a performance video, shot on black and white film, featuring all the musicians and… the Moon! Alan Murphy played guitars on the track. He was a truly special musician and a very dear friend. Tragically, he died just before we made the video so he wasn’t able to be there with us but you’ll see his guitar was placed on an empty chair to show he was there in spirit. This is the first time this video has officially been released since its original TV broadcast.

Feb 17 2019

Mankowitz: Symphony of You

Am 5. September soll ein neues Buch von Gered Mankowitz erscheinen. der Titel: Kate Bush: Symphony of You. Bei Amazon England kann das Buch aktuell für 30 Pfund vorbestellt werden. Angaben zum Verlag fehlen noch. Mankowitz hat im Januar, März und August 1978  drei Fotoshootings mit Kate gemacht. Eine vierte folgte im Februar 1979. Von ihm stammen die Cover zu The Kick Inside und Lionheart. Symphony of You ist laut Beschreibung auf Amazon als Hommage an Kate gedacht – als Würdigung ihrer Musik, ihrer Kreativität und ihres Einflusses auf die Musikwelt. „Mit Hunderten von Gered Mankowitz‘ atemberaubenden Fotografien aus den frühen Jahren von Kates Karriere wurde der Großteil der Bilder in diesem Buch noch nie veröffentlicht. Das Buch enthält auch Essays von Autoren aus verschiedenen Genres – von Bestsellerautoren und preisgekrönten Musikern bis zu Akademikern – sie äußern sich dazu, wie Kate die Kulturlandschaft geprägt hat. Symphony of You ist eine wirklich besondere Sammlung und eine Hommage an einen einzigartigen Künstler“, heißt es bei Amazon weiter. Auf der Internetseite von Gered Mankowitz wird das Buch aktuell noch nicht beworben. Mankowitz hatte im Zuge der 2014er-Konzerte von Kate bereits zwei Bücher mit seltenen Fotos von Kate veröffentlicht: das großformatige Buch Wow (60×45 cm) mit 250 Fotografien und eine reduzierte Ausgabe mit 48 Seiten.

Feb 15 2019

Das Song-ABC: Rubberband Girl

Rob Jovanovic meint, dies sei der vielleicht lockerste und optimistischste Popsong, den Kate Bush je geschrieben hat [1]. Für ihn vermittelt der Song „ansteckend gute Laune und klingt richtig rockig“ [1]. Und wirklich – „Rubberband Girl“ ist schwungvoll und geht sofort ins Ohr, er klingt so fröhlich, wie man es von Kate Bush selten kennt. So etwas auf dem düsteren Album „The red shoes“, kann das wahr sein? Es ist in der Tat ein sehr tänzerischer Song, der geradeheraus daherkommt. Im Chorus gibt es verstärkende Effekte (Begleitstimmen, wie ein Chor), aber die Melodie ist identisch. Zum Schluss („Rub-a-dub-a-dub ….“) wird der Song immer wilder, dann kommt ein Bläserchor dazu mit für Kate Bush eher ungewöhnlichen Bläsereinsätzen [1]. Es folgt eine fast ekstatische Steigerung, wie ein immer stärkeres Schwingen am Gummiseil. Permanent wird ein Rhythmus fest durchgehalten. Graeme Thomson merkt an, der Song sei „in seiner lebhaften Art ein trügerisches Einstiegsstück, das auf einem gleichbleibenden Grundton dahindengelt und dessen trockener, beständiger Groove verrät, dass es auf die Schnelle im Studio geschrieben wurde“ [2]. Er hält ihn für einen mutigen Versuch, der aber letztlich nicht geglückt sei [2]. Leider führt er nicht aus, was ihn zu diesem Urteil führt. Unterschiedliche Einschätzungen, unterschiedliche Wertungen: es lohnt offenbar, hier etwas tiefer zu schauen.

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In “Rubberband Girl” steht das Gummiband als Symbol für die Flexibilität, für das Rettungsseil. Es ist für Kate Bush ein Symbol dafür, mit den Widrigkeiten des Lebens umzugehen: „Well, it’s playing with the idea of how putting up resistance… um… doesn’t do any good, really. The whole thing is to sort of go with the flow.“ [3] Im Song geht es in verschiedenen Bildern um diese Themen. Schon zu Beginn wird die zentrale Botschaft ausgesprochen: „You see I try to resist“. Dies wird dann noch durch eine Aussage verstärkt und bekräftigt: „A rubberband bouncing back to life / A rubberband bend the beat / If I could learn to give like a rubberband / I’d be back on my feet“. Es endet mit dem Wunsch, das so auch umzusetzen und so widerstandsfähig wie ein Gummiband zu werden („Oh I wanna be a rubberband girl“). Hier ist vordergründig viel Fröhlichkeit in der Musik, ein Tanzlied scheint es zu sein, es klingen im Text keine Zweifel auf. Es gibt aber sehr viele Elemente im Hintergrund, Stimmen kommen aus allen Richtungen, das ist Chaos und Desorientierung. Ganz so einfach ist es also nicht, das Lied ist für mich ein bißchen Pfeifen im Walde. In der Zeit der Entstehung des Albums gab es schwerwiegende Ereignisse im persönlichen Umfeld, die Mutter von Kate starb überraschend, Freunde starben, sie trennte sich von ihrem Freund Del Palmer. Das Thema Widerstandsfähigkeit hat Kate Bush wahrscheinlich stark beschäftigt. Fröhliche Musik über nicht ganz so fröhlichen Texten schien ein Mittel zu sein, damit umzugehen (man höre sich z.B. „Eat the music“ an bzw. lese meine Analyse im Song-ABC dazu). Das Hängen an diesem Gummiband hat für mich aber noch weitere Aspekte – es hat etwas von einer Marionette, die an Fäden fremdgesteuert wird. Auch dies passt zur Situation – wer schon einmal eine schwere Krise durchlebt hat, kennt dieses Gefühl gut, keine Kontrolle mehr über sich selbst zu haben. Zum Schluß verwandelt sich das fröhliche  Tanzlied in eine aus den Fugen geratende Musik. Wie ist die Steigerung zu deuten? Gerät das Gummiband außer Kontrolle? Ist das Freude am Spiel? Ist das ein gutes oder ein schlechtes Ende? Wie oft bei Kate Bush hinterlässt der Schluß eines Liedes ein ambivalentes Gefühl und beantwortet Fragen nicht. (Ich finde das toll.)

Die musikalische Umsetzung – Details aus [4] – tragen zu dieser Ambivalenz bei. Die Grundstruktur ist tänzerisch vorantreibend, durchgängig wird der 4/4-Takt beibehalten. Notiert mit das mit 5b, ein Des-Dur. Die Melodie ist reines Des-Dur, es kommen z.B. alle Tonarttöne absteigend von Des bis zum Des eine Oktave tiefer vor (auf „I feel they‘ve got a lot more sense than me“, „ I gotta land with my feet firm on the ground“ und „I could learn to give like a rubberband“). Dies ist alles sehr einfach in der melodischen Struktur. Die Melodie z.B. hat keinen einzigen leiterfremden Ton. Die Melodie wird begleitet durch Veränderungen des As-Dur-Akkords (der Dominante in Des-Dur). Die Akkordfolge (immer über zwei Takte) ist dabei As7sus4, As7, As6sus4, As6. Dies ist eine Akkordfolge, die das harmonische Dur-Moll-Schema verrückt bzw. verlässt. Das permanente „Gehämmer“ auf dem Grundton As erzeugt einen getriebenen, fast manischen Eindruck. As7 ist ein Septakkord, der als sehr spannungsreich empfunden wird. Das As6 ist die Sixte ajoutée (frz. „hinzugefügte Sexte“) [9], ebenfalls dissonant klingend. Dazu kommen die SUS-Akkorde (das Folgende zitiert aus [5]). „SUS ist eine englische Abkürzung für suspended und bedeutet ´außer Kraft gesetzt´. Diese Akkorde heißen so, weil bei ihnen die Terztöne sozusagen ´außer Kraft gesetzt´ werden, bzw. weil es bei diesen Akkorden keine Terzen gibt. […] Beim SUS4 wird die Terz durch eine reine Quarte ersetzt […]. Bei SUS2 Akkorden fliegt die Terz für die Sekunde heraus. […]. Somit kann man folgende Regel aufstellen: sus4 = reine Quarte & große Sekunde, sus2 = große Sekunde & reine Quarte.“ SUS-Akkorde haben gemäß [5] „nichts mit Dur- oder Moll-Akkorden zu tun, sie sind eigenständige Akkorde, die noch nicht einmal aufgelöst werden müssen!“ Sie werden „häufig in der Pop-Musik verwendet, da sie sich sehr reibend anhören“ [5]. Bemerkenswert ist, das SUS-Akkorde von Kate Bush selten verwendet werden. Es kam ihr hier also wohl auf die hypnotisch-manische Wiederholung reibender, harter Akkorde an, die durch den beibehaltenen Grundton fast aufdringlich und verstörend wirken. Die benutzten Tonarten (nach Beckh [6]) unterstützen die Deutung, dass es in diesem Song um das Überstehen von Katastrophen geht. Es sind Tonarten der Hoffnung. Des-Dur steht für etwas Höheres, Helleres, Lichtes, es ist das Schauen der Sonne um Mitternacht, es ist eine in der Tiefe des Irdischen erlebte höchste geistige Höhe. As-Dur ist nicht die Grundtonart, aber durch die hypnotische Wiederholung dieses Akkordes hat er ebenso eine zentrale Bedeutung. Es ist gemäß Beckh das Licht in der Finsternis, die mystische Tonart. „Wir sehen uns auf einmal in mystische Tiefen des eigenen Innern, des Innersten der Welt hineingeführt, ein Licht beginnt aufzuleuchten, wo wir bisher nur Dunkel vermuteten“ [6].

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Das Vorantreibende, Tanzbare des Songs hat wohl dazu geführt, dass er Platz 12 in den britischen Charts erreichte [1]. Die Hitqualitäten kamen erst während der Aufnahme zum das Album begleitenden Film ins Bewusstsein. „Originally, the first single was intended to be Eat The Music. but during the production of the film to accompany the album, Rubberband Girl seemed to be catching everyone’s imagination, and has proved to be a substantial chart success“ [8]. Graeme Thomson vermutet, dass er auf die Schnelle im Studio geschrieben wurde [2], was wohl teilweise der Wahrheit entspricht „Rubberband Girl is one of the few that worked first time – it just has a basic rock feel with a riffing guitar, the backing vocals went down first and then we tried various lyrics and lead vocal ideas.“ [8] Zu „Rubberband Girl“ existieren zwei Videos, das erste ist ein Ausschnitt aus dem Film, das zweite erfüllt mehr die Funktionen eines Promo-Videos. Kate Bush erläutert das damit, dass der Wunsch nach dem zweiten Video aus Amerika kam. „Well, I was actually asked to do so by America. […] And – it was quite an interesting experiment just to make more a kind of straight forward promo, which only took a day to shoot. So – it was, it was quite fun really“ [7].

Zum Schluss möchte ich noch einen Blick auf die völlig andersartige Version des Songs auf „Director‘s Cut“ werfen. Diese Version wurde in Fankreisen ziemlich kontrovers diskutiert, ich werde mich auf meine Sicht beschränken. Diese Fassung klingt vollkommen anders als die Ursprungsfassung, sie klingt wie live, ohne die druckvollen Studiobässe. Für mich klingt es so, als ob die Sängerin nach einen ganz langen Tag zu viel getrunken hat und vor sich hin singt. Es ist vielleicht die fünfte Zugabe nach einem langen Auftritt der Band in einen Pub, in dem alle – Publikum, Band, Sängerin – schon betrunken sind. Zum Schluss kommt eine immer stärkere Begleitung durch eine Harmonika dazu – als ob jemand aus dem Publikum spontan mitgemacht hat. Nimmt Kate Bush hier den Kontrast Studio-Version / Liveauftritt auf die Schippe? Veralbert sie das? Bei vielen Künstlern ist dieser Unterschied genauso schräg (weswegen ich mir nur von besonderen Künstlern Liveauftritte antue). Oder soll das ausdrücken, dass das Gummiband nicht mehr funktioniert, sondern nur noch der Alkohol? Graeme Thomson sieht das nüchterner, für ihn klingt diese von Grund auf neu eingespielte Fassung „im besten Sinne ungezügelt und befreit, Kate Bush a la Rolling Stones“, verspielt und spontan [2]. Kate Bush hatte überlegt, ob der Titel überhaupt auf das Album soll. „Es ist einfach nur ein alberner Popsong“ [2]. Also vermute ich, sie wollte sich einfach mal ein bisschen Spaß mit uns machen (Prost!). © Achim/aHAJ

[1] Rob Jovanovic: Kate Bush. Die Biographie. Höfen. Koch International GmbH/Hannibal. 2006. S.181
[2] Graeme Thomson: Kate Bush – Under the Ivy. Bosworth Music GmbH. 2013. S.320f und S.395
[3] Marianne Jenssen: „Rubber Souls“. Vox Nov. 1993
[4] Kate Bush: The red shoes (Songbook). Woodford Green. International Music publications Limited. 1994. S.7ff
[5] https://www.theorie-musik.de/akkorde/sus-akkorde/ (gelesen 10.10.2018)
[6] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner. Verlag Urachhaus. Stuttgart 1999. S.231ff (Cis-Dur) und S.198f (As-Dur)
[7] „MTV Most Wanted“ mit Ray Cokes. 22. Oktober 1993
[8] Interview in Future Music mit Del Palmer: „Well red“. November 1993
[9] https://de.m.wikipedia.org/wiki/Sixte_ajout%C3%A9e. (gelesen 15.11.2018)

Feb 10 2019

Die Essenz des geschriebenen Wortes

How To Be Invisible
Autor: Kate Bush, Faber & Faber, ISBN 978-0-571-35094-0, 2018, 192 Seiten

Von Beate Meiswinkel

Anfang der 1980er Jahre plante Kate Bush die Veröffentlichung einer ca. 144 Seiten starken Autobiografie. “Leaving my Tracks” sollte bei Sidgwick & Jackson erscheinen; der Verlag hatte auch bereits den Entwurf eines farbigen Schutzumschlags mit Klappentext drucken lassen, von dem im Netz Fotos kursieren (https://www.worthpoint.com/worthopedia/kate-bush-leaving-tracks-dustjacket-946831895). Es ist sehr schade, dass dieses Buch niemals erschien. Und es sollte noch etwa 35 Jahre dauern, bis Kate mit „How To Be Invisible“ schließlich als Buchautorin in Erscheinung trat. Anstelle eines autobiografischen Werkes entschied sie sich für eine Sammlung ihrer Songtexte, begleitet von einigen wenigen einführenden Worten und der ebenso schlichten wie unumwunden liebevollen Widmung „For Bertie“.

Buchautor David Mitchell („Der Wolkenatlas“), der bereits für die Before The Dawn-Shows mit Kate zusammenarbeitete, steuerte ein kurzweilig zu lesendes Vorwort bei; sein obligatorischer Streifzug durch die KB-Discographie ist durchaus gelungen und kommt erfreulicherweise ohne Degradierung von „The Sensual World“ und „The Red Shoes“ aus. Wie viele von Euch hatte ich mir „How To Be Invisible“ bereits kurz nach Ankündigung des Veröffentlichungsdatums vorbestellt. Obwohl ich mich darauf freute, hielt sich die Erwartung doch etwas in Grenzen, vor allem, nachdem Fotos des eher schmucklosen schwarzen Covers erschienen waren. Kates Texte sind ja ohnehin längst allgegenwärtig: in CD-Booklets, auf LP-Hüllen, in verschiedenen Songbooks – sogar online, man muss nur googlen.
Als das Buch schließlich seinen Weg in meine Hände fand, waren zunächst Überraschung und Erstaunen, bald darauf Entzücken und Freude groß. Mit dem tatsächlich schlichten, jedoch durchaus eleganten Leineneinband erinnert „How To Be Invisible“ ein wenig an ein Moleskin-Notizbuch und somit an etwas, das jenseits aller Digitalisierung zeitlos geschriebenes Wort bewahrt. Auf die leuchtend rote Banderole auf der Rückseite wurde in detailverliebtem Innuendo der Buchtitel in Blindenschrift geprägt. Weitere hübsche graphische Details sind im Buchinnern zu finden.
Geschriebenes Wort ist etwas, das man mit Gesang und Musik nicht unmittelbar in Verbindung bringt, obwohl es doch essentiell ist! Liegt bei einem Album der Fokus zunächst auf dem Klang, der Musik, der Stimme, so wird bei intensiverem Zuhören die Wertigkeit der Texte offenbar. „How To Be Invisible“ beinhaltet also die pure Essenz dieses geschriebenen Wortes.

Während man üblicherweise daran gewöhnt ist, Songtexte mitzulesen oder gar mitzusingen, wenn die Musik spielt, so lädt das Buch dazu ein, die Lyrics einmal in Stille zu erfahren. Bar des Diktats vom Rhythmus der Musik oder des Gesangs offenbaren sich die wohlvertrauten Worte auf einmal ganz anders. Sie erhalten eine neue Dimension, sie öffnen Türen zu etwas anderen Räumen oder Landschaften. Und während man die Worte in Stille liest oder leise mitspricht, taucht zuweilen in unserem Innern der Nachhall von Kates Stimme in zerbrechlichen Fragmenten auf: ein bestimmtes Timbre, ein Seufzen, ein Kieksen, ein Gurren, manchmal auch ein Aufschrei… harm is in us.
Über die Anordnung bzw. Gruppierung der Texte habe ich mir viele Gedanken gemacht: ich habe mich sogar regelrecht davon faszinieren lassen. Während A Sky of Honey (einschließlich des wunderbaren „Tawny Moon“) und The Ninth Wave in ihrem ursprünglichen Zusammenhang belassen wurden, ergeben die übrigen acht Textgruppen ein harmonisches, jedoch nicht so einfach nachvollziehbares Bild. Die Passagen von „How To Be Invisible“ winden sich gleichsam spielerisch wie manifest durch das gesamte Werk. Wie der Ariadnefaden schenken sie uns eine Richtschnur, die Rätsel und Lösung in einem bietet und die jederzeit fallen gelassen und wieder aufgegriffen oder gar weitergesponnen werden könnte. Kate Bushs Magie entfaltet sich hier in gänzlich anderer Weise: unhörbar und rein durch die Abwesenheit ihrer Musik – und gerade deshalb vielleicht besonders eindringlich.
Könnte man Überschriften finden für diese neu geordneten Textgruppen? Ich denke, das bleibt der Intention der Autorin einerseits und der Fantasie des Lesers andererseits überlassen. Für mich ergaben sich folgende mögliche Assoziationen:
1. Sky High (Snowflake – King of the Mountain)
2. Childhood, Adolescence (Cloudbusting – Sat in your Lap)
3. Out of Reach, Worth Striving for (Under the Ivy – All the Love)
4. The Consequenes of War (Army Dreamers – England My Lionheart)
5. Magic (A Coral Room – The Fog)
6. A Sky of Honey
7. Mystic (Houdini – Get out of my House)
8. Yearning, Longing (Never be mine – Moments of pleasure)
9. The Ninth Wave
10. Food for Thought, Phantastic (How to be invisible – Lake Tahoe)

Ich bin mir jedoch sicher, dass sich beim wiederholten Lesen neue Assoziationen bilden. Das Buch lädt dazu ein, es immer wieder aus dem Regal zu nehmen, um darin zu blättern, oder es gar in der Handtasche mitzunehmen, damit man auch unterwegs hineinschauen kann.
„How To Be Invisible“ erschien übrigens im November 2018 auch in einer limitierten Auflage von 500 nummerierten und von der Autorin handsignierten Exemplaren, die einige Glückliche für 150 GBP erwerben konnten. Dieses prächtige Sammlerstück wird inzwischen zu horrenden Preisen gehandelt, die sich im Laufe der Zeit weiter ins Astronomische steigern dürften.

Feb 04 2019

Das Bild des Monats: Februar

© Sjaak Vullings

„Wo wären wir, wenn wir im Leben keine Risiken eingehen würden?“, fragt sich Sjaak. Es geht um den Song Night of the Swallow. „Die Energie im Bild und im Lied handelt von dem Drang und der Notwendigkeit, gefährliche und riskante Dinge zu tun, trotz der Person zu Hause, die nicht möchte, dass man dies tut. Die Wechselwirkung zwischen Risiko und dem Wunsch nach Sicherheit ist ein sehr interessantes, universelles Thema“, erklärt Sjaak.
There’s no risk.
I’ll whisk them up in no moonlight.
And though pigs can fly,
They’ll never find us
Posing as the night,
And I’m home before the morning.
Es muss keine Nacht im Februar sein, aber nach der Analyse im Song-Abc passt das Bild perfekt. Entstanden ist das Foto von Sjaak im Museum De Pont in Tilburg, das zeitgenössische Kunst präsentiert. Sjaak hat dort ein Kunstobjekt mit einer kleinen Glasspitze entdeckt und versucht, das Licht mit einer Bewegung einzufangen. Und tatsächlich wirkt es, als ob viele Schwalben durch die Nacht fliegen. Dazu trägt auch das blaue Licht bei, das die Magie der Nacht verdeutlichen soll.

Wer den Beitrag über Sjaak verpasst hat, kann hier mehr über ihn erfahren.

Jan 27 2019

Das Song-ABC: Night of the Swallow

„Night of the Swallow“ ist eines der eher ruhigen, auf den ersten Blick weniger experimentellen Stücke auf dem Album „The Dreaming“. Allerdings besitzt es Besonderheiten, die es zu einem sehr wegweisenden Song gemacht haben, deren Bedeutung und Einfluss über das Bush-Universum hinausgehen. Graeme Thomson fasst das so zusammen [1]: „[Der Song] steckt voller dunkler Vorahnungen, Licht und Schatten bilden ein geschlossenes Ganzes und barocke Balladenkunst geht mit traditionellen keltischen Instrumenten eine bestechend schöne Verbindung ein.“ Diese damals neue und überraschende Einbeziehung von traditionellen Instrumenten und Stilformen wurde von Kate Bush auch auf späteren Alben aufgegriffen. Sie war damit eine Wegbereiterin für andere Künstler, die dieses neue Stilmittel aufgriffen. Der Song folgt auf dem Album auf „The Dreaming“, es ist ein bruchloser Übergang. Hier vermischen sich zu Beginn Didgeridooklänge mit irischen Klängen, Australien weicht Irland, beide Songs besinnen sich auf die Tradition. „Night of the Swallow“ kann am ehesten als Ballade bezeichnet werden. In der Stimmung erinnert es mich immer an „Oh England my Lionheart“ vom Album „Lionheart“. Auch dort schimmert die Tradition durch die Pop-Folie.

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Das Klammern in einer Beziehung, die zu große Enge, die Suche nach einer Befreiung (sei sie noch so riskant) – dies ist für Kate Bush das eigentliche Thema [3]: „Yes, unfortunately a lot of men do begin to feel very trapped in their relationships and I think, in some situations, it is because the female is so scared, perhaps of her insecurity, that she needs to hang onto him completely. In this song she wants to control him and because he wants to do something that she doesn’t want him to she feels that he is going away. […] Of course, from the guys point of view, because she doesn’t want him to go, the urge to go is even stronger. For him, it’s not so much a job as a challenge; a chance to do something risky and exciting.“ Offenbar hat Kate Bush über diese Thematik intensiv nachgedacht [3]: „It’s almost on a parallel with the mother and son relationship where there is the same female feeling of not wanting the young child to move away from the nest.“ Es handelt sich natürlich um eine ausgedachte Situation, aber nach Kate Bush nicht ohne Beziehung zur Realität [3]: „But although that woman’s very much a stereotype I think she still exists today.“ Im Song ist das feinfühlig umgesetzt. Der Gesang der Frau ist zu Beginn fast ein verzweifeltes Schreien bzw. Rufen, hochemotional. Es wird dann weicher, und zärtlicher, manchmal fast flehend. Der Song ist hier ist ruhig und balladenhaft. Den Mann kennzeichnet im Refrain eine ganz andere Stimmfärbung, der Gesang ist ruhig, beschwichtigend, leise Trommeln im Hintergrund. Im Chorus wird es dann ausgelassen, tänzerisch, voranstürmend, beschwingt-euphorisch, sehr irisch. Der Chorus steigert sich zum Schluss fast hymnisch beschwingt. Der Drang nach Freiheit bricht sich Bahn. Der Mann vergleicht sich dabei mit einer Schwalbe und hier zeigt sich das tiefe Eindringen von Kate Bush in eine Thematik. Dieser Vogel ist das Symbol für das sehnsüchtig erwartete neue Leben, für Wachstum und Fruchtbarkeit mit der Hoffnung auf vorteilhafte Veränderungen [4]. Sie ist das Sinnbild für Auferstehung, Licht, Erneuerung in Reinheit. Sie ist schnell, lebhaft, kühn bei Gefahr und voller Finten in den Flugkünsten. Dies trifft sehr genau zu auf den Charakter und die Sehnsüchte des Mannes. Neben dieser positiven Symbolik gibt es aber auch eine negative Seite [4]: die Schwalbe kann auch für Täuschung und Selbstbetrug stehen. Dies drückt sogar ein Sprichwort aus – eine Schwalbe macht noch keinen Sommer. Hier spiegeln sich die Befürchtungen der Frau wieder.

Auch musikalisch ist der Song sehr interessant [5]. Er steht im einem durchgängigen 4/4-Takt, es gibt ganz kleine Einsprengsel anderer Taktarten (3/4 und 5/4). Notiert ist der Song in h-Moll. Sehr häufig kommt aber auch der H-Dur-Akkord vor, der nicht zum harmonischen System gehört, es mischen sich  h-Moll und H-Dur. Aus h-Moll kommen die Akkorde h-Moll, G-Dur, A-Dur und fis-Moll vor, aus H-Dur die Akkorde H-Dur und E-Dur. Ebenso gibt es den cis-Moll-Akkord, der zu beiden harmonischen Systemen gehört. Der Song beginnt und endet mit H-Dur. Chromatisch aufsteigende Akkordketten (E-Dur, F-Dur/Cis-Dur, fis-Moll) verbinden die beiden Welten. Dies geschieht auf „I won‘t let you do it – das steht im 3/4-Takt – und auf „I won‘t let you go through with ist – das steht im 5/4-Takt. Reines H-Dur herrscht von „Meet them over at Dover“ bis „the Water“ bzw. „to malta“. Im Booklet ist das als „Refrain“ gekennzeichnet. Von „With a hired plane“ bis „before the morning“ gibt es dann reines h-Moll, ebenso weiter von „Give me a break“ bis „like a swallow“. Im Booklet ist das als „Chorus“ gekennzeichnet. Die Welt des Mannes ist damit in klar getrennte harmonische Bereiche getrennt, ein h-Moll-Bereich folgt auf einen H-Dur-Bereich. In der Welt der Frau sind H-Dur und h-Moll vermischt. Der Grundton beider Tonarten ist gleich, es schwankt zwischen Dur und Moll – zwei Seiten einer Medaille. Die beiden Tonarten passen in ihrer Bedeutung (gemäß [6]) sehr gut zur Thematik des Songs. H-Dur ist nicht mehr ganz im Irdischen, es ist die Vorahnung des Herübergehens, das Licht vor Sonnenuntergang, die Verklärung, steht für etwas Überirdisches. Es ist auch die Tonart der höchsten Liebe (in „Tristan und Isolde“ endet so z.B. der „Liebestod“). Es ist die Tonart der letzten Verklärung. H-Moll steht dagegen für Empordrängen, für ein Emporstürmen mit Abgrundgefahr. Die Tonarten sagen klar, dass der Frau und der Mann bei allen Unterschieden in den Charakteren in tiefer Liebe miteinander verbunden sind (H-Dur). Diese Beziehung wird aber „angegriffen“ durch das h-Moll, das für Freiheit, Herausforderung und die Suche nach Gefahr steht – nicht ohne Grund geht der Gesang des Mannes von H-Dur in h-Moll über.

„Night of the Swallow“ ist Kate Bushs erster Song mit einem starken irischen „Akzent“. Es ist der irische Dudelsack zu hören, die Uilleann Pipes. Das Lied war das erste von zwei (das andere war „Sat in Your Lap“), das für das Album aufgenommen wurde [7]. Es wurde hauptsächlich im Frühling 1981 in den Abbey Road Studios in mehreren Sessions an dem Song gearbeitet. Die irische Musikergruppe kam in Irland zusammen, wo Bush über Nacht mit ihnen zusammenarbeitete. Nachdem sie die Aufnahme um sieben Uhr morgens beendet hatte, flog sie zurück nach London, um das Lied zu mischen. Aufgenommen wurde der Song mit Stuart Elliott, Del Palmer und den irischen Musikern Bill Whelan, Liam O’Flynn und Dónal Lunny der Gruppe Planxty und Seán Keane von The Chieftains. Kate Bush hatte lange auf eine Gelegenheit gewartet, diesen irischen Touch einzusetzen [8]: „I’ve wanted to work with Irish music for years, but my writing has never really given me the opportunity of doing so until now. As soon as the song was written, I felt that a ceilidh band would be perfect for the choruses.“ In ihren Anfangsjahren war Kate Bush freigiebiger mit Informationen über ihre Arbeit, sie sprach bereits im Juli 1981 über das Lied [9]: „She has more or less completed five tracks, one of which involves the Irish folk band, ‪Planxty. She asked the group if they would be interested in working with her, they said yes, she flew to Dublin, found she had a ’strong feeling for Ireland‘ (mum has Irish blood), and together they came up with ‚Night of the Swallow‘.“

Die Zusammenarbeit mit den irischen Musikern hat Kate Bush sehr zugesagt [9]: „They’re fantastic musicians with open, receptive minds, which is unusual for people who work with traditional folk music.“ Vielleicht hat dies dazu geführt, dass sie auch später ungewöhnliche Kooperationen (Trio Bulgarka!) nicht gescheut hat. „Night of the Swallow“ ist ein komplexer Song, der sich anmutig durch viele wechselnde Stimmungen schlängelt. Er kombiniert perfekt ganz unterschiedliche Dinge – Schönheit, Schmerz, Enthusiasmus und auch eine gewisse Unheimlichkeit. Diese Stimmungswechsel werden verstärkt durch die Verwendung von bewegend-schwungvoller irischer Musik, die als Kontrast zur rauen Seite der Geschichte benutzt werden. Er ist durch diese Verwendung der irischen Musik wegweisend gewesen. Für mich besonders schön ist, dass diese Neuheit nicht herausgestellt wird, sondern wie ganz selbstverständlich und organisch integriert daherkommt. © Achim/aHAJ

[1] Graeme Thomson: Kate Bush – Under the Ivy. Bosworth Music GmbH. 2013. S.242
[2] Kris Needs: „Dream Time in the Bush“. ZigZag 1982
[3] Paul Simper: „Dreamtime is over“. Melody Maker. 16.10.1982
[4] Clemens Zerling, Wolfgang Bauer: Lexikon der Tiersymbole. Kösel Verlag. München 2003. S.273ff
[5] „Kate Bush Complete”. EMI Music Publishing / International Music Publications. London. 1987.  S.127ff
[6] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner. Verlag Urachhaus. Stuttgart 1999.  S.171ff (H-Dur) und S.181ff (h-Moll)
[7] https://en.m.wikipedia.org/wiki/Night_of_the_Swallow (gelesen 18.10.2018)
[8] Kate Bush: „About the dreaming“. KBC Issue 12. Oktober 1982
[9] Ian Birch: „What I did on my holidays“. Smash Hits. 23.07.1981