Nov 13 2018

TSW für Unicef auf blauem Vinyl

Das Kinderhilfswerk Unicef hat jetzt eine ganz besondere Spendenaktion gestartet: Musikalben von 16 Künstlern werden streng limitiert auf 50 Exemplare auf blauem Vinyl erscheinen. Die Liste der Künstler reicht von Amy Winehouse über Coldplay, Bob Marley, Alicia Keys und David Bowie bis zu Jimi Hendrix und Paul Weller. Von Kate Bush wird das Album The Sensual World in der Unicef-Farbe blau erscheinen. Unicef will mit dieser Aktion möglichst viele Spenden sammen, die zu 100 Prozent dem Einsatz für die Rechte von Kindern zugute kommen sollen. 48 der jeweils auf 50 Exemplare limitierten blauen Vinyl-Platten werden verlost. Dazu muss man für 5 Pfund ein entsprechendes Ticket kaufen, um an der Verlosung teilnehmen zu können. Wer mehr als nur ein Ticket kauft und so Geld an Unicef spendet, kann seine Gewinnchancen erhöhen. Das erste Exemplar der Sonderpressung wird in einer Auktion meistbietend versteigert. Sammler können zudem auf ein Paket aller veröffentlichten Alben bieten (jeweils das zweite Exemplar).  Zum Kauf der Tickets hat man noch 27 Tage Zeit, die Auktion läuft in 13 Tagen aus. Kate führt die Gebote momentan mit 650 Pfund an; der Preis dürfte aber noch deutlich steigen. Da bleibt wohl nur die Hoffnung auf das Glück bei der Verlosung. Mitbieten und Tickets erwerben kann man hier.

Nov 12 2018

Das Song-ABC: Wow

„Wow“ ist eines der Highlights auf „Lionheart“, dem zweiten Studioalbum von Kate Bush. Ganz leise und sehr stimmungsvoll beginnt es, wie die Musik zu einem Bühnenauftritt. Der Vorhang öffnet sich und die Spannung steigt auf das, was nun kommt. „We’re all alone on the stage tonight“ – Träume werden wahr, die Kindheit ist vorbei und plötzlich steht man allein und zitternd auf der Bühne. Die Strophen sind ruhig und balladenhaft gehalten. Sie enden mit Zeilen, die mit „Oh yeah you’re amazing!“ beginnen, diese Strophenteile sind mit Zuspruch gesungen, fast sogar mit etwas Bewunderung in der Stimme. Der Chorus besteht fast nur aus einem wiederholt gesungenen „Wow“ – das letzte Wow geht beim ersten Durchgang ganz in die Höhe, beim zweiten Durchgang ganz nach unten. Das ist fast ein bisschen karikierend.
Das ganze Lied ist eine Einheit, es gibt keine Brüche in der Stimmung. Es ist aufgebaut wie ein Theaterstück mit Einleitung, Geschichte und Schluss. Es endet mit einem „We‘re all alone on the stage tonight“, danach ertönen Töne bzw. Vokalisen, die an das „Wow“ erinnern. Ganz zum Schluss schließen Vokalisen als Abschluss und Ausklang den Vorhang. Der Song ist voller dramatischer Wucht [1] und ein Kaleidoskop aus Verweisen auf die Bühne und auf das Showbusiness. Die erste Zeile handelt davon, allein auf der Bühne zu stehen, es geht weiter mit einem Verweis auf einen homosexuellen Schauspieler, der es nicht in die britische Krimiserie „The Sweeney“ (Fernsehserie aus den Siebzigern [6]) schafft. Ein Hinweis auf das  Showbusiness jagt den nächsten. Kate Bush hat das so erläutert: „Wow is a song about the music business – not just rock music but show business in general, including acting and theatre. People say that the music business is about rip-offs, the rat race, competition, strain, people trying to cut you down and so on, and though that’s all there, there’s also the magic.“ [5]
Die Biographen beschäftigen sich recht intensiv mit diesem Song, z.B Graeme Thomson: „Der Text nimmt die Eitelkeiten des Theaterbetriebs mit spitzer Zunge aufs Korn, und sie erlaubt sich einen herrlich anzüglichen Scherz, den sie im Video noch betont, wenn sie zu der Zeile „He‘s too busy hitting the vaseline“ ihr Hinterteil herausstreckt und ihm einen satten Klaps gibt“ [2]. Hinzuzufügen ist noch, dass sie bei der Erwähnung der Krimiserie „The Sweeney“ eine abfeuernde Pistole markiert. Später schien sie sich mit „derart ungeschminkten Zweideutigkeiten“ [2] nicht mehr wohlzufühlen. Als sie 1986 die Videosammlung „The whole story“ veröffentlichte, unterlegte sie den Song anstelle des Promo-Videos mit einer Collage aus Szenen ihrer Liveauftritte [2].
Der Text ist auch in anderer Hinsicht etwas frech. Ausgiebig und ironisch werden im Text Lieblingsworte von Kate wie „amazing“, “ooh yeah“, „incredible”, „fantastic“, „wow“, „unbelievable“ benutzt. Journalisten hatten sich wiederholt über den ausgiebigen Gebrauch solche Worte in Interviews lustig gemacht. Eingespielt wurde der Song von der KT Bush Band mit Charlie Morgan, Del Palmer und Brian Bath [1]. Er war bereits vor den Arbeiten zum Album „Lionheart“ geschrieben und schon in die engere Auswahl für „The kick inside“ gekommen. Er kam nicht auf das Debutalbum, weil er offenbar nicht richtig dazu gepasst hatte [2].
Kate Bush hatte mit diesem Song auch musikalische Ideen, die von der Öffentlichkeit aber kaum bemerkt wurden: „It was sparked off when I sat down to try and write a ‪Pink Floyd song, something spacey; though I’m not surprised no-one has picked that up, it’s not really recognisable as that“ [5] Auch zur Aufnahme des Songs gibt es Aussagen von Kate Bush. Sie deuten darauf hin, dass hier schon der Perfektionismus der Künstlerin durchgeschlagen hat. „I’ve really enjoyed recording ‚Wow‘. I’m very, very pleased with my vocal performance on that, because we did it a few times, and although it was all in tune and it was okay, there was just something missing. And we went back and did it again and it just happened, and I’ve really pleased with that, it was very satisfying.“ [7] Das „a few times“ ist wahrscheinlich ein Euphemismus für „immer wieder“.
Der Song ist im 4/4-Takt gehalten, mit sehr kurzen Einschüben von 2/4 vor dem Chorus. Die Tonart ist ein a-Moll, der Chorus wird von C-Dur-Akkorden begleitet („Wow …. unbelievable“). C-Dur ist die Dur-Parallele zu a-Moll [3]. Wie so oft bei Kate Bush sagen die Tonarten viel über den Song aus und oft geben sie den Textzeilen eine zusätzliche, hintergründige Bedeutung. Nach Beckh [4] ist a-Moll schwermütig, poetisch, elegisch, es ist eine Sehnsuchtstonart. Das passt gut zur (vergeblichen) Sehnsucht nach Anerkennung, die thematisiert wird. C-Dur ist das klare Licht, die nüchterne Klarheit [4]. Es kann aber auch feurig und temperamentvoll sein. Die Wow-Ausrufe des Chorus sind also ehrlich gemeint, es sind temperamentvolle Feststellungen mit nüchterner Bedeutung.
Zu den Strophenteilen „Oh yeah you‘re amazing ….. But still we don‘t head the bill“ und „Oh yeah you‘re amazing …. But you‘d have to play the fool“ gibt es einen Tonartwechsel. Es treten hier die Akkorde B-Dur, g-Moll, As-Dur und F-Moll auf, diese Akkordkette wird jeweils zweimal wiederholt. Das kann Es-Dur oder c-Moll sein [3]. Beide Tonarten stehen für das Kämpferische und Heroische [4]. C-Moll ist die Tonart, die am festesten auf dem Boden, am stärksten auf der Erde steht, sie ist das Fundament für die eigene Kraft und Stärke [4]. Die Verwendung von c-Moll / Es-Dur ist für mich – in Kenntnis weiterer, späterer Songs – sehr bemerkenswert. Eine Akkordgestaltung aus diesen Tonarten findet sich auch in „The Fog“ und „Lily“. Dort steht c-Moll für die Sicherheit, die der Vater bzw. die Heilerin gibt und Es-Dur ebenfalls für das Herauskämpfen aus einer schwierigen Situation. In „Running up that hill“ wird c-Moll im Zusammenhang mit einer Anrufung der positiven Mächte benutzt. Auch in „Never be mine“ wird c-Moll benutzt. Bei Kate Bush ist c-Moll die Klangwelt der Ratgeber, der Wissenden, der „guten Mächte“. Es ist die Sicherheit und der Schutz, der feste Grund unter den Füßen. Interpretiert man es so, dann sind diese Strophenteile ein Zuspruch, eine Unterstützung, eine Aufmunterung.
Auf den ersten Blick scheint der Text sich über die Personen und ihre Situation lustig zu machen. Die Tonarten sagen etwas anderes – glaube an Dich, tue es, gib nicht auf, wir stehen zu Dir. Die Biographen sind sich in der Bewertung diesmal einig. Jovanovic bewundert die schlichte, aber effektive Struktur, die herausragende Komposition und hält „Wow“ für einen ihrer ausgereiftesten Songs überhaupt [1]. Für Thomson ist „Wow“ ein geradezu klassischer Popsong mit zurückgenommenen Strophen, einem Refrain, der abhebt, und ausdrucksstarkem Gesang [2]. Diesmal habe ich keinen Grund, den beiden Biographen zu widersprechen, es stimmt einfach. Wegen seiner eingängigen Qualitäten erschien der Song im März 1979 als Single und erreichte zurecht in Großbritannien Platz 14 der Single-Charts [2]. © Achim/aHAJ

[1] Rob Jovanovic: Kate Bush. Die Biographie. Höfen. Koch International GmbH/Hannibal. 2006. S.92f
[2] Graeme Thomson: Kate Bush – Under the Ivy. Bosworth Music GmbH. 2013. S.113f und 152ff
[3] „Kate Bush Complete”. EMI Music Publishing / International Music Publications. London. 1987.  S.172f
[4] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner. Verlag Urachhaus. Stuttgart 1999.  S.78f (a-Moll), S.71f (C-Dur), S.124f (Es-Dur bzw. c-Moll)
[5] Kate Bush: „Hello Everybody“ & Interview . KBC Issue 2 (Sommer 1979).
[6] https://en.m.wikipedia.org/wiki/The_Sweeney (gelesen 24.10.2018) [7] https://www.katebushencyclopedia.com/wow (gelesen 16.10.2018)

Nov 09 2018

Die doppelte Hammer Horror

Ein weiteres Sammler-Kuriosum kommt aus Südafrika. Auch dort wurde „Hammer Horror“ 1978 in einem Card-Sleeve mit dem schönen Mankowitz-Cover veröffentlicht. Im selben Jahr wurde das Cover allerdings noch einmal verwendet, diesmal für „Wow“. Der Titel und die Katalognummer wurden einfach mit einem schwarzen Sticker überklebt. Da anzunehmen ist, dass „Hammer Horror“ kein großer Hit in Südafrika war, wird man wohl übriggebliebene „Hammer Horror- Cover einfach für die nächste Singleauskopplung benutzt haben, was vermutlich günstiger war, als extra ein neues herzustellen. Beide Versionen – besonders die „Wow“-Version – sind extrem schwer zu bekommen. Happy Hunting! Michael Guth

Nov 02 2018

Das Song-ABC: You’re The One

„You‘re the one“ ist der letzte Song auf dem Album „The red shoes“. Danach mussten wir zwölf Jahre auf das nächste Album von Kate Bush warten. Ich fand  in dieser Zeit die Vorstellung immer ganz entsetzlich, dass dieses traurige und irgendwie hoffnungslose Lied vielleicht das letzte musikalische Lebenszeichen von Kate Bush sein könnte.
Der Song klingt wie ein besinnliches, etwas melancholisches Liebeslied. Über einem ruhigen Untergrund erhebt sich die hohe, traurige Stimme von Kate Bush, ganz zärtlich. Die Protagonistin hat sich von ihrem Freund getrennt, offenbar im Guten. Sie will ihre Sachen aus der Wohnung holen, wenn der Ex nicht da ist. Aber alles erinnert an ihn, der neue Freund kann irgendwie nicht konkurrieren. Der Text fängt diese Stimmung ein, man macht ein tapferes Gesicht, redet taff und erwachsen – aber das kann den tiefen Schmerz nicht verdecken. Die Textzeilen „I’ve got everything I need / I’ve got petrol in the car / I’ve got some money with me / There’s just one problem / You’re the only one I want“ fassen dies ganz unsentimental, fast nüchtern zusammen.
Es ist ein eher konventioneller Text, der den Zuhörer direkt anspricht, ohne eine zweite Ebene. Es fehlt die mysteriöse Komponente. Ironischerweise wurde das Kate Bush dann auch zum Vorwurf gemacht, die sonst oft zu hören bekam, ihre Texte seien zu esoterisch. Graeme Thomson [1] meint, das „einzig Ungewöhnliche an diesem Stück ist, dass es für einen Kate-Bush-Song so sehr gewöhnlich ist: eine rumpelnde, nachdenkliche Rockballade mit einem künstlerisch anspruchslosen, eindimensionalen Text, der […] ungeschönt autobiografisch ist.“ Kate Bush hatte sich während der Entstehungszeit des Albums von ihrem Freund Del Palmer getrennt. Kate Bush spricht mit dem Text den Zuhörer wirklich direkt an, unverstellt – etwas, was irgendwie ein Kennzeichen des Albums „The red shoes“ zu sein scheint. Überall auf diesem Album geht es um Verlust, Schmerz, Unsicherheit.
Musikalisch ist der Song interessant gestaltet. Zuerst fällt die Zahl der prominenten Gastmusiker auf. Das Trio Bulgarka gibt eine exotische Färbung. Gary Brooker (Procul Harum) spielt die Hammondorgel – dieses Instrument trägt zur melancholischen Färbung bei. Jeff Beck spielt die Gitarre. Es ist so, als ob eine Musik einen sicheren Halt an Konstanten der Umgebung sucht, die dauernd durch tiefe Bassakkorde ins Dunkle gezogen wird.
Der Song ist im 4/4-Takt geschrieben, nur zwei Takte stehen im 2/4-Takt [2]. Notiert ist er in A-Dur. Es kommen nur die zu A-Dur passenden Akkorde cis-Moll, D-Dur, E-Dur und A-Dur vor (Tonikagegenklang III, Subdominante IV, Dominante V, Tonika I), die Harmonik verlässt nie diesen Rahmen. Auch hier ist der Song konventioneller als normalerweise bei Kate Bush üblich. Das alles müsste eigentlich wegen der vielen Dur-Dreiklänge fröhlich klingen, tut es aber nicht. Ein Schwerpunkt liegt auf dem Akkord cis-Moll, die Harmonik wird eingetrübt und in Richtung cis-Moll verschoben. A-Dur ist nur schwer als Tonart zu erkennen.
Dieses Schwanken zwischen A-Dur und cis-Moll gibt dem Song nun eine tiefere Ebene, wenn man sich an die Tonartencharakteristik von Beckh [3] hält. A-Dur gilt als leicht, licht, schwebend. Cis-Moll steht für Schwermut und Sehnsucht, es ist die Sehnsuchtstonart schlechthin. Die Protagonistin zeigt nach außen die selbstsichere, gefasste, zukunftsorientierte Fassade – aber dahinter ist alles voller Sehnsucht. „You‘re the one“ beginnt mit dem cis-Moll-Akkord, der A-Dur-Akkord erscheint zum ersten Mal bei „I’ve got everything I need“ – als ob die Protagonistin hier sagen will „ja, alles okay, alles super, alles licht“. Gleich danach wandelt es sich wieder ins Moll. Auf dem „want“ in „You’re the only one I want“ erklingt jedesmal der A-Dur-Akkord – das ist es eigentlich, was für die Protagonistin das Leichte, Lichte, Erstrebenswerte ist. Zum Schluss des Songs treten dann diese beiden widerstreitenden Akkorde in Kombination auf – es endet ohne (musikalisch harmonische) Lösung zwischen ihnen.
Ist „You‘re the one“ eine Art Antwort auf „Nothing Compares 2 U“ von Prince, mit dem sie ja auf dem Album kurz zusammengearbeitet hat? „Nothing Compares 2 U“ wurde 1985 auf dem Album „The Family“ der gleichnamigen Band veröffentlicht, 1990 gab es eine sehr erfolgreiche Coverversion von Sinead O‘Connor, 1993 wurde der Song auch von Prince selbst veröffentlicht [4]. Beide Lieder haben eine ähnliche Grundthematik, wobei „You‘re the one“ der realistischere, nüchternere Song ist. Ihm fehlt die latente Weinerlichkeit, die den Prince-Song in meinen Augen kennzeichnet.
„You’re the one“ würde sich wegen seiner Direktheit sehr gut für Coverversionen eignen und ich wundere mich ein bißchen, dass das bisher nicht sehr genutzt worden ist. Es gibt allerdings eine wunderbare Fassung für Bigband der Göteborgs Symfoniker [5], die die Emotionalität hymnisch herausstellt und sich damit in der Stimmung „Nothing Compares 2 U“ annähert (was der Song verträgt).
„Ein leicht souliger Song mit dem Flair einer Klassenfetenkuschelnummer, den nur das Trio Bulgarka und Gary Brookers Hammondorgelkünste retteten.“ – das meint Rob Jovanovic [6] über den Song. Das kann man natürlich so sehen, aber meiner Meinung nach verkennt man damit den Song. Ich hoffe, meine Analyse konnte dazu beitragen, diesen auch in Fan-Kreisen sehr vernachlässigten Song neu zu bewerten.
© Achim/aHAJ

[1] Graeme Thomson: Kate Bush. Under the ivy. 2013. Bosworth Music GmbH. S.324
[2] „The red shoes“ (Songbook). International Music Publications Limited. Woodford Green. 1994. S.97ff
[3] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner. Verlag Urachhaus. Stuttgart 1999.  S.136 (A-Dur) und S.268 (cis-Moll)
[4] https://de.m.wikipedia.org/wiki/Nothing_Compares_2_U (gelesen 01.10.2018)
[5] https://vimeo.com/269167293 – ab Minute 1:25.30 (gelesen 01.10.2028]
[6] Rob Jovanovic, Kate Bush. Die Biographie. 2006. Koch International GmbH/Hannibal. Höfen. S.185

Okt 30 2018

Märchen, Scherenschnitte und rote Schuhe

Zwei der Schrenschnitte von Hans Christian Andersen, die in der Kunsthalle Bremen präsentiert werden. Links „Der Botaniker“ von 1848 (© Königliche Bibliothek Kopenhagen), rechts „Ballerinen in einer verkorkten Flasche“ (© Odense City Museums).

Drei Jahre hat Kurator Detlef Stein zusammen mit seiner Kollegin Anne Buschhoff an der Ausstellung „Hans Christian Andersen – Poet mit Feder und Schere“ gearbeitet. Sie zeigt nicht nur eine in Deutschland bisher weitestgehend unbekannte Seite des Geschichtenerzählers, sondern hat zudem auch erstaunlich viel mit Musik zu tun – und auch mit der Musik von Kate Bush.
Gedanklich bewegt Stein die Ausstellung, die noch bis zum 24. Februar 2019 in der Kunsthalle Bremen präsentiert wird, eigentlich schon seit Jahrzehnten. Irgendwann in den 1990er Jahren war es, als er regelmäßig nach Kopenhagen gefahren ist. Der Musik wegen. „Da gab es die besten Second Hand-Läden, in denen ich meine Schallplatten gekauft habe“, erzählt er. Bei einer dieser Touren ist er in Odense hängen geblieben, der Zug fuhr erst sehr viel später und Stein wanderte zum Zeitvertreib in das Hans Christian Andersen-Museum und erwartete, was man in solchen Museen in der Regel zu sehen bekommt: ein nachgebautes Schreibzimmer mit Tintenfass, Figuren aus den berühmten Märchen – von der Prinzessin auf der Erbse, der kleinen Meerjungfrau, den roten Schuhen, dem hässlichen Entlein, der Schneekönigin oder des Kaisers neue Kleider und die unvermeidlichen Erstausgaben. Was Stein stattdessen zu Gesicht bekam, verblüffte ihn nachhaltig: „Ich war völlig perplex, als ich die Scherenschnitte, Zeichnungen und Collagen von Hans Christian Andersen gesehen haben. Die waren schön, liebevoll und verblüffend modern.“
Andersen ist im kollektiven Gedächtnis eher der Märchenonkel, dessen Geschichten man in seiner Kindheit gelauscht hat, und dessen Erzählungen in mehr als 150 Sprachen übersetzt worden sind. Damit gehört er zu den meist gelesenen Autoren der Welt. „Wir wollten diese ganz andere Seite von Hans Christian Andersen mit unserer Ausstellung in der Bremer Kunsthalle zum ersten Mal in Deutschland zeigen und konnten mit dieser Idee auch die dänische Botschaft und die dänische Prinzessin Benedikte begeistern, die die Schirmherrschaft über die Ausstellung übernommen hat“, erzählt Stein. Der neue Blick auf Andersen allein macht schon den Reiz der Ausstellung aus, die zudem dadurch gewinnt, dass die beiden Kuratoren den Blick weiten. Sie vergleichen Andersens bildliche Darstellungen mit Werken nicht nur zeitgenössischer Künstler und man stellt verblüfft fest, dass Collagen von Kurt Schwitters sich kaum von denen von Andersen unterscheiden, aber erst 70 Jahre später entstanden sind. Oder sich Maler wie Henri Matisse oder Max Ernst und Künstler wie Andy Warhol von Andersen inspirieren ließen. Und da ist der Anklang, den Andersens Werke über viele Epochen hinweg bis heute in der Musik gefunden haben – von Strawinsky bis zu den Pet Shop Boys, Erasure, Donovan, Elvis Costello oder Kate Bush.
Die Liste, die Detlef Stein zusammengetragen hat, ist lang. So ist es auch kein Wunder, dass es das LP-Cover von ‚The Red Shoes‘ in eine Vitrine der Bremer Ausstellung geschafft hat. Das Vinyl stammt – wie sollte es anders sein – aus der Sammlung von Stein selbst. Er ist nicht nur großer Musikliebhaber, sondern auch Kate-Fan. „Wir wollten auch gerne das Video von ‚The Red Shoes‘ in der Ausstellung zeigen. Das hat aber leider nicht geklappt, weil die Rechte so undurchsichtig waren“, erzählt er. Einfacher war es hingegen mit einem Video von Erasure und einer Ballettaufführung nach der Musik von den Pet Shop Boys von 2011. Es ist schön zu sehen, dass Andersen bis heute die englische Pop-Szene inspiriert“, sagt Stein.
Warum das so, ist, kann er nur mutmaßen: „Andersen war oft bei Charles Dickens zu Gast, wurden im viktorianischen England sehr viel gelesen. Die Bücher hatten mitsamt ihren Illustrationen in England immer einen hohen Bekanntheitsgrad.“ Und das wohl auch nicht nur als Kinderbücher. Immerhin ist die Geschichte von den roten Schuhen alles andere als spaßig. „Zum Schluss gibt es die Szene, in der das Mädchen geradezu fleht, dass man ihr die Füße abhackt“, erinnert sich Stein an die roten Schuhe, die ein unerwünschtes Eigenleben entwickeln. Und so ist auch der Beitrag der beiden Kuratoren zum Thema „Hans Christian Andersens Märchen und Scherenschnitte im Spiegel von Moderne und Gegenwart“ mit einem für Kate-Fans bekannten Zitat überschrieben: „On the minute I put them on I knew I had done something wrong.“ Auch wenn Kate sich nicht vom Original, sondern der englischen Filmversion von 1948 inspirieren ließ und neben dem Album „The Red Shoes“ auch ihr Film „The Line, The Cross and the Curve“ mit MIranda Richardson und Lindsay Kemp auf dem Film basiert, durfte der Verweis auf Kate in der Bremer Ausstellung nicht fehlen. Eine Entdeckung steht für Detlef Steins noch aus. In seiner Plattensammlung findet sich auch „50 Words for Snow“. Den Song „Lake Tahoe“ kennt er natürlich. Das Video aber nicht. Wer in dem Katalog der Scherenschnitte von Andersen blättert, könnte auf die Idee kommen, im Lake Tahoe-Video einen animierten Scherenschnitt zu sehen. Detlef Stein freut sich auf diese Entdeckung.

Hans Christian Andersen – Poet mit Feder und Schere, 20.10.2018 – 24.02.2019.
Infos: Kunsthalle Bremen

Okt 26 2018

Kaffeeklatsch: Ruhestand oder Aufbruch?

Müssen wir die Befürchtung haben, dass sich Kate mit der Aufarbeitung ihres Gesamtwerkes in den musikalischen Ruhestand verabschiedet und wir keine neuen Lieder mehr von ihr bekommen? Was spricht für diese Befürchtung? Was spricht dagegen? Das ist heute das Thema beim Kaffeeklatsch mit Achim, der für morningfog.de die Rezensionen der Alben schreibt und im Song-ABC die einzelnen Lieder von Kate analysiert.

Wenn wir uns die Fakten anschauen, ist es ja in der Tat so, dass es seit 2011 kein Album mit neuen Songs gegeben hat und sich Kate im Vergleich zu früher auffällig ihrem bisherigen Werk widmet: Auf Director’s Cut finden wir neue Versionen der Songs von The Sensual World und The Red Shoes, bei den Konzerten spielt sie fast ausschließlich die Songs von Hounds Of Love und Aerial, jetzt hat sie sich selbst um das Remastering ihrer zehn Studioalben gekümmert und veröffentlicht ein Buch mit einer Auswahl ihrer besten Songtexte. Das könnte man doch wirklich als Rückschau aufs Lebenswerk und drohenden Abschied verstehen. War’s das?

Achim: Es wäre natürlich sehr schade, wenn das ein Schlusspunkt sein sollte. Aber zum Glück ist es Spekulation. Niemand kann in den Kopf von Kate Bush hineinschauen. Leider, das könnte ja sehr spannend sein. Wenn sie Musik im Kopf hat, dann wird die auch rauskommen. Director‘s Cut hat ja auch dazu geführt, dass sie sofort ein neues Album angegangen ist. Ich würde also ganz anders spekulieren: durch solche Aufräumarbeiten wird der Kopf frei für Neues. Also bin ich ganz optimistisch.

Zumal man gerade bei DC festhalten muss, dass es für sie etwas „bereinigendes“ hatte und ich zudem den Eindruck hatte, dass es eine Art Vorbereitung auf die kommenden Konzerte war: die Songs wurden von Ballast befreit und waren so einfacher live spielbar. Lily ist ein schönes Beispiel dafür.

Achim: Ich hatte auch den Eindruck, dass die Arbeit an DC den Kopf frei gemacht hat. Ballast war raus, Dinge waren raus aus dem Kopf, die vielleicht immer im Hintergrund gestört haben. Sowas kann wirklich ein Akt der emotionalen Befreiung sein. Etwas Altes ist erledigt – auf zu neuen Dingen. Das ist jedenfalls das, was ich mir erhoffe als in diesem Fall grenzenloser Optimist.

Wobei es für den Optimismus ja letztlich auch einen Beleg gibt: Wir haben DC und 50wfs erhalten, es gab die Konzerte, mit denen man nicht ernsthaft rechnen konnte, dann die Live-CD, jetzt die Remasters plus das Lyrik-Buch. So produktiv war Kate seit Jahren nicht mehr.

Achim: Mein Optimismus wäre allerdings noch größer, wenn es wenigstens klitzekleine Hinweise auf Neues gäbe. Aber stillt ruht die See des Internets. Ich bin ja wegen der Beiträge für das Song-ABC immer am Recherchieren und sammeln, leider ist mir nichts aufgefallen.

Das ist nun mal bei Kate so. Auch dass sie an den Remastern selbst mitarbeitet, war nie bestätigt und man konnte immer nur hoffen, dass sie eines Tages erscheinen. Und aus heiterem Himmel sind sie dann da. Letztlich bleibt nur der Hinweis von Kates Bruder, dass sie an einem neuen Projekt arbeitet. Ich habe die Hoffnung, dass er damit neue Musik meinte.

Achim: Ja, da setze ich auch drauf. Am Remastering war sie sicherlich wenig beteiligt, das Buchprojekt wird eine Auswahl aus den Lyrics der Songs sein – alles nichts, was ich als „Projekt“ bezeichnen würde. Und ich habe ein weiteres optimistisches Argument! Ihr Sohn Bertie ist langsam erwachsen und wird das Nest verlassen. Wieder beginnt ein neuer Abschnitt. Was soll Kate Bush nun tun? Depressiv Tee trinken und aufs Meer schauen, sich langweilen? Nein – endlich Luft für Musik, Musik, Musik!

Ich spiele trotzdem nochmal die Optimismus-Bremse. Im „Zeit“-Interview von 2016 wird Kate gefragt, ob sie nach den Konzerten nochmal im Studio war. Teil 1 ihrer Antwort: „Nein. Ich habe auch seit Langem keinen Song mehr geschrieben.“ Ganz abgesehen davon, dass Tawny Moon dementsprechend ein alter Song aus Aerial-Zeiten sein muss, könnte ich doch daraus schließen, dass sie vielleicht gar keine Musik mehr im Kopf hat, die raus muss, wie Du es vorhin formuliert hast.

Achim: Ich kann mir das nicht vorstellen. Wer für eine Sache lebt, wird immer zu ihr zurückkehren.

Womit wir bei Teil 2 der Antwort sind: „Aber ich freue mich darauf, demnächst etwas Neues beginnen zu können.“ Und ich kann mir nicht vorstellen, dass sie damit Remaster und ein Buch gemeint haben könnte.

Achim: In einem kreativen Prozess ist es oft so, dass man auf den passenden Auslöser warten muss. In Phasen der Ruhe bildet sich was im Hintergrund und das materialisiert sich.

Jetzt lass uns zum Schluss dann doch mal spekulieren: Wie lange müssen wir noch warten, bis sich neue Musik „materialisiert“?

Achim: Haha. Du bist echt witzig – so eine Vorhersage zu verlangen!!!! Aber weil Du es bist und ganz unter uns: Herbst 2019.

Ich schlage ein und freue mich auf ‘ne schöne Flasche Rotwein, wenn Du falsch liegst. Herbst 2019 wäre aber auch mein Tipp gewesen.

Achim: Wir gehen gemeinsam unter – Proooost!

Okt 20 2018

Neu in der Sammlung: KOTM auf Vinyl

21. September 2005. An dem Tag habe ich gebannt vor dem Computer gesessen, um die Premiere von King of the Mountain im Radio-Programm von BBC 2 zu hören. Von Anfang an hatte dieser Song eine besondere Bedeutung für mich: Zwölf Jahre lang war die Stimme von Kate verstummt, bis zu diesem Tag. Und es war so, als ob man nach vielen Jahren endlich wieder ein Lebenszeichen von jemandem hört, den man sehr vermisst hat. Ich konnte nicht genug von dem Song bekommen, hab ihn in Dauerschleife gehört und spürte spätestens bei der Textzeile „The wind in whistling, the wind is whistling through the house“ jedes Mal aufs Neue eine Gänsehaut. Und dieser Tag bedeutete gleichzeitig eine Verheißung für die Zukunft: Keine weiteren zwölf Jahre des Wartens, das neue Album stand vor der Tür, Kate macht wieder Musik! Aerial habe ich mir damals auf Vinyl geholt, die Single-Version auf Vinyl ist komplett an mir vorbeigegangen – bis jetzt. Danke, Michael! Dass KOTM 2014 nochmal eine weitere besondere Bedeutung zufällt, konnte man 2005 natürlich nicht ahnen – aber diesen Song live hören zu können, war für sich schon ein Erlebnis, dass er dann noch in dieser kraftvollen Version als einer der Schlüsselsongs des Konzerts dargeboten wurde – unbeschreiblich. The wind it blows, the wind it blows, the door closed… von der Live-Version kann ich nie genug bekommen…

Okt 14 2018

Rares aus Fernost

Gerade rechtzeitig zum Start der Remaster-Versionen aller Kate-Alben hat mir der Postbote noch etwas in den Briefkasten geworfen. „50 Words for Snow“ und den „Director’s Cut – Collector’s Edition“ als japanische Pressungen zu finden war und ist relativ schwierig und teuer. Diese CDs als Promo-Versionen zu finden, gleicht schon einem kleinen Lottogewinn. Auch wenn das Äußere nicht viel her macht (wurden ohne Cover oder Infos produziert), zählen sie zu den seltensten und teuersten Kate Bush Promo CDs. Wie hier im Blog beim „Kaffeklatsch“ schon besprochen, darf man gespannt sein, ob die „Remaster-Boxen“ auch in Japan erscheinen werden, von denen es dann mit Sicherheit weitere Promo-CDs geben wird. Es wird ein teurer November, Dezember, Januar…. Happy Hunting! Michael Guth

Okt 09 2018

Französisches Folk-Duo interpretiert „The Ninth Wave“

Das französische Duo „The Sandman’s Orchestra“ aus Lille hat „The Ninth Wave“ neu aufgenommen und kürzlich veröffentlicht. Das Folk-Duo besteht aus Produzent Pierre Laplace and Sängerin Léonie Gabriel besteht seit 2010 und hat bereits drei Alben veröffentlicht.  Für ihr viertes Album haben sie alle Songs von „The Ninth Wave“ neu interpretiert und in einer interessanten MIschung aus Folk- und Elektronik-Klängen neu interpretiert und eingespielt. Als Bonus gibt es neben den einzelnen Songs einen durchgängigen „The NInth Wave“-Track. Hören kann man die Songs hier, weitere Infos über das Duo gibt es auf facebook. Reinhören lohnt sich, nicht nur wegen der betörenden Stimme von Léonie Gabriel, sondern vor allem, weil es stellenweise eine sehr ungewöhnliche Neuinterpretation ist. Noch besser: mehr als einmal reinhören. Ähnlich wie bei Kate erschließt sich bei der reichen Instrumentierung  vieles erst nach mehrmaligem Hören. Und wer  bei Hello Earth genau hinhört, wird zum Schluss auch die Zeile „Tiefer, tiefer, irgendwo in der Tiefe“  hören – mit französischem Akzent.

Okt 06 2018

Kaffeeklatsch: Der neue Backkatalog

Wenn Kate ihren kompletten Backkatolog remastered neu veröffentlicht, ist das natürlich eine besondere Würdigung wert. Statt nem Podcast gibt es was zum Lesen: Kaffeklatsch mit Michael Guth, der nicht nur auf This Womans World seine eigene Kate-Seite betreibt und für morningfog.de in der Reihe „All we ever look for“ schreibt, sondern zudem einer der profundesten Sammler im deutschsprachigen Raum ist.

Lass uns zu Beginn noch mal einen Blick auf das werfen, was wir im November von Kate bekommen: Alle zehn Alben werden remastered neu veröffentlicht, sowohl auf CD als auch auf Vinyl. Dann gibt es die Boxsets mit zusätzlichem Material: 12“-Mixe, B-Seiten und Coversongs, die Kate im Laufe ihrer Karriere aufgenommen hat. Ich kann mich also entscheiden, ob ich mir die Boxsets zulege, oder ob ich zum Beispiel nur meine Vinyl-Sammlung vervollständige. Da dürften Aerial und The Red Shoes am begehrtesten sein und natürlich das vierte Vinyl-Boxset mit dem Bonus-Material.  Wie immer bei Kate kommt das alles aus heiterem Himmel, obwohl eigentlich spätestens mit dem neuveröffentlichten Remaster von The Red Shoes 2011 klar war, dass auch die anderen Alben irgendwann mal folgen werden. Die ersten Gerüchte, dass daran gearbeitet wird, gab es im August 2015. Wie immer also eine gewohnt lange Zeit des Wartens. Vielleicht zuerst mal zu The Red Shoes: Die sollte ja ursprünglich auf Vinyl bei Analog Spark erscheinen und ist immer wieder verschoben worden und erscheint jetzt sogar als Doppelalbum. Verblüfft Dich das?

Michael: Dass sie überhaupt alle Alben remastered neu herausbringt (außer Before The Dawn) haut mich schon vom Hocker. Und The Red Shoes als Doppelalbum kommt natürlich auch vollkommen überraschend! Wie heißt es so schön bei Kate: Erwarten sie das Unerwartete! Zumal: Ich glaube sie war und ist kein Fan von Re-Mastern.

Wenn ich mal bei der Logik der Boxen bleibe: Ich kann die Alben und CDs einzeln kaufen, kann beim Vinyl gezielt nur das Bonus-Material erwerben, auf CD aber nur als Box-Set, in dem dann auch nochmal Before The Dawn mit drin ist. Ist das für Fans nicht ein bisschen unfair?

Michael: Da gehen im Moment viele Beschwerden ein, denn die CD mit den Raritäten gibt es ja in der Tat nur in der Box. Viele beschweren sich auch, dass es überhaupt Boxen gibt, die natürlich ihren Preis haben. Ich kann die ganze Heulerei überhaupt nicht nachvollziehen! Erst beschwert man sich jahrelang, dass sie die remasterten Versionen ihrer Alben nicht herausbringt, und jetzt, wo sie erscheinen, beschwert man sich über den Preis und die Verpackungsform. Ich möchte nicht wissen was passiert wäre, hätte sie nur eine Box mit den LPs und eine für die CDs veröffentlicht. Klar sind die Boxen teuer, aber man muss ja auch nicht sofort alle auf einmal kaufen.

Du hast ja eben schon angesprochen, dass Kate nicht gerade leidenschaftlich für remasterte Versionen ihrer Alben gekämpft hat. Bisher gab es nur die Versionen von Hounds Of Love und The Red Shoes. Was versprichst Du Dir von der digitalen Verjüngungskur ihrer Alben?

Michael: Natürlich denk ich da sofort an The Dreaming! Ich hoffe Dinge zu hören, oder wenigstens besser zu hören, die ich auf diesem Album noch nie gehört habe. Natürlich werde ich alle Alben genau untersuchen, aber The Dreaming interessiert mich am meisten.

Das geht mir auch so. The Dreaming in remasterter Form und so laut wie möglich könnte ein ganz neuer Hörgenuss werden. Allerdings: Beim Vinyl sind ja nicht alle Fans mit dem Klang bisher wirklich zufrieden gewesen, und auch bei Kates Album Director’s Cut war der digitale Klang stellenweise sehr merkwürdig.

Michael: Ja, oder die Pressungen waren teilweise schlecht. Die US-Pressungen von 50 Words For Snow sind schrecklich gegenüber den UK-Pressungen. Die CD-Versionen teilweise auch. Ich rate dann immer dazu, einfach die Laustärke höher aufzudrehen und schon wird‘s besser.

Wobei man bei einzelnen Songs ja auch den Eindruck hatte, dass Kate selbst beim Abmischen eher dafür gesorgt hat, dass sie runtergepegelt werden. Das ist mir beim Titelsong von Aerial schon aufgefallen und auf DC gibt es da ja auch verschwurbelte Beispiele, wenn ich an Rubberband Girl denke.

Michael: Rubberband Girl ist mir auch sofort eingefallen. Das klingt, als ob man hinter einer Glaswand sitzt. Ob das so gewollt war oder wirklich an den Pressungen lag, werden wir hoffentlich bald erfahren.

Kommen wir mal zum Bonusmaterial. Dein erster Eindruck?

Michael: Da fehlt mir einiges! Ken, The Empty Bullring, Don’t Give Up, die ganzen Instrumentals… Und nur Humming als einzige Demo? Da hätte mehr rausspringen können, aber das ist halt Kate. Vieleicht macht sie aus den alten Demos noch ein neues Album…man weiß bei ihr nie!

Mein erster Eindruck war: Es ist sehr ähnlich mit dem Bonus-Material der TWW-Box. Ich vermisse Ken und vor allem die Mixe der Red Shoes. Shoedance zum Beispiel, oder die extended Version von Eat The Music. Humming ist natürlich eine dicke Überraschung, zumal man ja noch nicht weiß, ob es die komplette Version des Songs ist.

Michael: Deshalb hätte ich an ihrer Stelle die Chance genutzt und mal ordentlich aufgeräumt und wirklich komplett alles herausgebracht. Allerdings überrascht es mich nicht, dass Shoedance und Eat The Music extended fehlen. Mit The Red Shoes war sie ja nie sehr zufrieden.

Mir hätte zum Beispiel gefallen, wenn es eine von ihr eingesungene Studio-Version von Tawny Moon als Bonus gegeben hätte.

Michael: Oder eine Demo von Ibiza mit Peter Gabriel. Es wirkt im Ganzen eher wie eine „Meine persönliche Best Of“ von Kate. Da hätte sie vielleicht über ihren Schatten springen müssen.

Zumal Outtakes ja komplett fehlen, was wirklich schade ist. Es hätte dann aber bestimmt auch den Status als „Lebenswerk“ erhalten und Diskussionen, dass nichts neues mehr kommen könnte, wären unausweichlich gewesen. Wie zuversichtlich bist du in dem Punkt? Immerhin warten wir jetzt auch schon wieder sieben Jahre auf neue Musik von ihr.

Michael: Ist das schon wieder so lange her? Mein Zeitrhythmus ist bei Kate Bush komplett abgestellt. Ich glaube schon, dass da noch was kommt. Ich könnte mir sogar vorstellen, dass das neue Album schon fast fertig ist. Was ich mir gar nicht vorstellen kann ist, dass es überhaupt nichts Neues mehr gibt.

Vielleicht kannst Du aus Deiner Sicht noch was zum Artwork der Boxen sagen.

Michael: Ich habe noch nicht viel gesehen. Die LP-Boxen sehen wunderbar aus Für die CD-Boxen hätte ich keine „Fish People“-Cover genommen. Vieleicht ist es aber ein kleiner Hint, dass ihr jetzt alle Rechte an den Alben gehören? Für die ersten drei hatte sie ja keine.

Zumindest schienen die Rechte bis zuletzt immer sehr kompliziert, weil es EMI Publishing noch gab.
Du hast eben von Kates persönlicher „Best Of“-Auswahl gesprochen beim Bonus-Material. Passt das auch zum Lyrik-Buch, wo sie ja auch eine Auswahl präsentiert?

Michael: Das wird spannend! Ich gehe mal davon aus, dass es ein persönliches „Best Of“-Lyrik-Book wird. Besonders spannend finde ich die limitierte Ausgabe von Faber & Faber. Es gibt ja bis jetzt leider noch keine Infos darüber, aber ich schätze mal der Preis wird galaktisch. Jedes Exemplar soll ja von ihr signiert sein.

Puh. Das wird dann wirklich ein sehr teurer Herbst. Glaubst Du, dass rund um die Veröffentlichung der Boxen noch Sondereditionen zu erwarten sind? Vielleicht auch mit Blick auf den japanischen Markt?

Michael: Da wird gerade heftig drüber diskutiert, ob die Boxen auch in Japan erscheinen werden. Wenn dem so ist, wird es ein sehr teures 2018/19. Besonders interessant werden dann für Sammler die Promo CDs. Die Preise für die letzten drei Alben waren schon galaktisch – wenn man sie denn überhaupt ergattern konnte.

Okt 04 2018

Remaster in Vinyl und auf CD im November

Ab November können sich Kate-Fans wie im Schlaraffenland fühlen: Alle Alben von Kate werden endlich remastered sowohl auf CD als auch auf Vinyl neu veröffentlicht. Die Vinylalben werden in vier Boxen erscheinen – je zwei am 16. und 30. November. Box 1 umfasst The Kick Inside, Lionheart, Never For Ever, The Dreaming, Box 2 Hounds of Love, The Sensual World, The Red Shoes, letzteres als Doppelalbum, Box 3 beinhaltet Aerial, Director’s Cut und 50 Words for Snow. Damit werden erstmals auch wieder The Red Shoes und Aerial auf Vinyl zugänglich. Für diese Platten mussten teilweise horrende Sammlerpreise bezahlt werden. Box 4 beinhaltet 12″-Mixe, rare Songs, B-Seiten und Cover-Versionen von Kate.
12” MIXES: Running Up That Hill (A Deal With God), The Big Sky (Meteorological Mix), Cloudbusting (The Orgonon Mix), Hounds Of Love (Alternative Mix), Experiment IV (Extended Mix).
THE OTHER SIDE 1: Walk Straight Down The Middle, You Want Alchemy, Be Kind To My Mistakes, Lyra, Under The Ivy, Experiment IV, Ne T’Enfuis Pas, Un Baiser D’Enfant, Burning Bridge, Running Up That Hill (A Deal With God) 2012 Remix.
THE OTHER SIDE 2: Home For Christmas, One Last Look Around The House Before We Go, I’m Still Waiting, Warm And Soothing, Show A Little Devotion, Passing Through Air, Humming, Ran Tan Waltz, December Will Be Magic Again, Wuthering Heights (Remix / New Vocal from ‘The Whole Story’).
IN OTHERS’ WORDS: Rocket Man, Sexual Healing, Mná na hÉireann, My Lagan Love, The Man I Love, Brazil (Sam Lowry’s First Dream), The Handsome Cabin Boy, Lord Of The Reedy River, Candle In The Wind.
Auch wenn einige Mixe fehlen (etwa Shoedance) und nur der Song „Humming“ bisher unveröffentlicht war, dürfte allein diese Box ihr Geld wert sein. Die beiden CD-Boxen werden zusätzlich das Live-Album Before The Dawn enthalten. Bei Amazon UK kann man das Vinyl auch einzeln vorbestellen. Wer also seine Plattensammlung auffrischen und etwa um Aerial oder The Red Shoes bereichern will, kann sich bedienen. Wer das komplettpaket ordern will, muss mit rund 550 Euro für Vinyl und CDs rechnen.

Okt 01 2018

Das Song-ABC: Babooshka

In Wagners Oper „Götterdämmerung“ geht es um Verrat, Täuschung und Maskerade – ….. Moment! Was hat die Götterdämmerung mit „Babooshka“ zu tun? Ich muss für den Zusammenhang doch weiter ausholen und von vorn anfangen.
„Babooshka“ – fast jeder wird diesen Titel im Ohr haben. Neben „Running up that hill“ und „Wuthering heights“ zählt er zu den bekanntesten und erfolgreichsten Songs von Kate Bush. In vielen Ländern erzielte er hohe Chartspositionen, in Großbritannien z.B. erreichte er den Platz 5 in den Single-Charts. Es ist ein sehr schwungvoller Titel, der seine Abgründe hinter Fröhlichkeit versteckt.
Mit markanten Akkorden beginnt der Song. Es geht es um das Verlangen einer Frau, die Loyalität ihres Ehemanns zu testen. Dazu nimmt sie den Namen Babooshka an und schickt ihm Briefe, in denen sie ihm eine jüngere Frau vorspielt. Sie fürchtet, dass er in ihr nicht mehr die Frau sieht, die sie mal war und sich so jemanden wie dieses jüngere Ebenbild zurückwünscht („Just like his wife / But how she was before the tears / And how she was before the years flew by / And how she was when she was beautiful“). Sie treibt es weiter und weiter und in ihrer Paranoia stellt sie die Falle auf – sie arrangiert ein Treffen. Ihr Mann trifft sich mit Babooshka, sie erinnert ihn an das frühere Ich und an das vergangene Wesen seiner Frau („Uncanny how she reminds him of his little lady / Capacity to give him all he needs / Just like his wife before she freezed on him / Just like his wife when she was beautiful“). Er verfällt diesem früheren Ich, dieser Babooshka („He shouted out, I’m all yours Babooshka“). Die Frau hat mit ihrer Paranoia die Beziehung zerstört, denn ohne diese Verkleidung wäre er wohl nicht auf die Idee gekommen, seine Frau aufzugeben. Hätte sie ihm diese Zuwendung offen gegeben – alles wäre gut geworden. So wird aus einer nostalgischen Erinnerung an die Vergangenheit ein Betrug. Es ist eine im Grunde traurige Geschichte über das Altern und die Abnutzung des Bewährten. Kann man dies durch einen Wechsel der Identität – also durch eine Täuschung – aufhalten? Zum Schluss hört man das Geräusch zersplitternden Glases – etwas zerbricht. Mangel an Vertrauen zerstört die Beziehung.
Kate Bush bezeichnet das nicht als Love Song, für sie ist der Inhalt eindeutig traurig, weil hier die Frau durch ihre Paranoia die Beziehung ruiniert. „I suppose I would say that I have written some love songs but I wouldn’t term that as one. Really I’m very annoyed at the way that the woman is behaving in this song because it is so stupid and in fact she’s just ruining the whole situation which was very lovely – and it’s only because of what’s going on in her brain that she does these things so – suspicion, paranoia all these naughty energies again and it’s really quite sad I think.“ [2] Der Song reiht sich damit ein in den Reigen komplexer Beziehungen des Albums, über denen der Albumtitel „Never for ever“ wie ein unheimliches Omen schwebt.
Woher kommt der Name „Babooshka“? Babushka bedeutet in der russischen Sprache Mütterchen, Oma, aber das hatte Kate Bush nicht im Sinn. Es lag allein am Klang, der so gut passte. „[…] well apparently it is grandmother, it’s also a headdress that people wear. But when I wrote the song it was just a name that literally came into my mind, I’ve presumed I’ve got it from a fairy story I’d read when I was a child.“ [3] In einem weiteren Interview erläuterte sie es noch genauer. „Well, it was very strange, because as I was writing this song the name just came and I couldn’t think where I’d got it from and I presumed it was from a Russian fairytale – it sounded like the name of a princess or something and it was so perfect for the music, it had all the right syllables and the right feel, so I kept it in.“ [2]
Der Ursprung war also wohl das russische Weihnachtsmärchen „Babuschka und die drei Könige“ (in [4] kann es in einer deutsche Fassung gelesen werden). Als das Lied – wohl in der Rohfassung – geschrieben war, passierten laut Kate Bush viele kleine „incredible coincidences“. „And after having written the song a series of incredible coincidences happened where I’d turned on the television and there was Donald Swan singing about Babooshka. So I thought, „well, there’s got to be someone who’s actually called Babooshka.“ So I was looking through Radio Times and there, another coincidence, there was an opera called Babooshka.“ [3] Diese Kinderoper „Baboushka“ (mit „ou“) aus dem Jahr 1979 basiert auf dem Märchen, Donald Swann ist der Komponist [5].
Kate Bush hat den Inhalt des Märchens bzw. der Oper noch gut im Kopf. „Apparently she was the lady that the three kings went to see because the star stopped over her house and they thought ‚Jesus is in there‘. So they went in and he wasn’t. And they wouldn’t let her come with them to find the baby and she spent the rest of her life looking for him and she never found him.“ [3] Kate Bush hat hier noch vergessen, dass die Babushka auf ihrer Suche nach dem Jesuskind die Weihnachtsgeschenke bringt [4].
Eine weitere kleinere „incredible coincidence“ war dann die Krönung. „And also a friend of mine had a cat called Babooshka. So these really extraordinary things that kept coming up when in fact it was just a name that came into my head at the time purely because it fitted.“ [3]
Vielleicht haben alle diese Dinge den Inhalt des Songs mit beeinflusst. Als „Babuschka“ werden fälschlicherweise die Matrjoschka-Puppen bezeichnet, diese bunt bemalten, ineinander schachtelbaren, eiförmigen russische Puppen mit Talisman-Charakter [6]. Hier verbirgt sich auch in einer Person eine andere Person, ein anderes Ich. Die Babuschka aus dem Märchen ist ebenfalls auf der Suche nach dem Glück und findet es nicht. Laut Colin Irwin [7] gibt es zudem eine Verbindung zu einem Volkslied, das vielleicht den Inhalt beeinflusst hat: „Babooshka is similarly based on a song called Sovay Sovay.“ [7]
„Sovay Sovay“ ist ein traditioneller englischer Folk Song [8]. Eine Frau verkleidet sich als bewaffneter Räuber. Sie überfällt ihren Freund und verlangt all sein Geld und Gold. Schließlich verlangt sie auch den goldenen Ring, den er von Sovay (eine Form von „Sophie“) als Geschenk bekommen hat. Er aber weigert sich, selbst wenn ihm das das Leben kosten würde. Schließlich gibt sich Sovay zu erkennen und sagt ihm, dass sie ihn getötet hätte, wenn der den Ring weggegeben hätte. Auch hier geht es um eine Frau, die ihrem Mann nicht vertraut, die ihm eine Falle stellt. Ich frage mich, was nach dem Ende von Babooshka passiert. Erschiesst sie ihn? Schließlich hat er den Test nicht bestanden – anders als der Mann in „Sovay Sovay“.
Das sehr erotische Video trug maßgeblich zum Erfolg der Single bei. Kate Bush tanzt mit dem Kontrabass (der den Mann symbolisiert), zuerst in Schwarz und mit einem Schleier, später dann in einem russisch-orientalisch angehauchten Amazonen-Dress. Die Buntheit der Babuschka-Puppen spiegelt sich diesem Kostüm wieder. Es ist inspiriert von einer Illustration, die Chris Achilleos 1978 für das Cover des Buches „Raven – Swordmistress of Chaos“ geschaffen hatte [1]. Colin Irwin ist vollkommen fasziniert: „The double-bass is alternately the object of her lust and her fury; she wraps herself around it, she grinds against it, she beats the hell out of it, she wrings its neck, she claws it, she slithers down its neck, she blows in its ear. Her face pouts and spits and leers and jeers and dreams and schemes and ravishes; and all the while bottom jerks and thrusts from one end of the studio to the other. It’s the most erotic thing I ever saw.“ [7]
Kate Bush dagegen findet sich überhaupt nicht sexy. „I’ve decided I can’t judge. People say the ‚Babooshka‘ video is sexy, but all I can see is that I haven’t turned my foot out or fully extended my arm or there’s a bit of make-up smudged or you can see there’s a gap between my teeth.“ [11] Das Video ist es natürlich nicht allein, auch die musikalische Gestaltung trägt zur Wirkung entscheidend bei (Noten aus [9]).
Den ganzen Song über wird strikt ein 4/4-Takt durchgehalten, was entscheidend zur Tanzbarkeit beiträgt. Notiert ist es in Es-Dur, der Es-Dur-Akkord spielt auch eine zentrale harmonische Rolle. An einigen Stellen wird als Abweichung der es-Moll-Akkord benutzt – auf dem „ka“ des zweiten „Babooshka“ in der Einleitung (sonst dominiert der Es-Dur-Akkord die Einleitung), auf „she send him scented letters“ sowie im Refrain und in der Coda auf dem „All“ in „All yours Babooshka“ (auf dem „ka“ des zweiten „Babooshka“ geht es in den Es-Dur-Akkord über, der auch die Coda beschließt).
Eine doppeldeutige Rolle spielt das „All yours“. Im Refrain ist es eine Grußformel von ihr an ihn in den Briefen. Die Code beginnt dagegen mit „He shouted out, I’m All yours Babooshka“ – das ist keine Grußformel, hier bedeutet es „Ich bin Dein“, von ihm an sie. Die Geschichte wendet sich ins Gegenteil.
Am Bass hören wir John Giblin und dieser Sound symbolisiert instrumental den männlichen Partner, wie es so oft der Bass tut auf den ersten Alben von Kate Bush (ohne [1] hätte ich das nicht bemerkt). Der Song endet mit einem Sample von zerbrechendem Glas, „one of the earliest examples of a sample created with the newly-available Fairlight CMI digital synthesizer [1].“ Die Beziehung zerbricht. Beziehungen sind fragil wie Glas.
Folgt man den Tonartenbedeutungen gemäß Beckh [10], so unterstützen die beiden Schwerpunkte Es-Dur und es-Moll die paranoide Geschichte. Es-Dur ist die Wiederaufwärtswendung zum Licht, es hat einen starken, positiven, kämpferischen Charakter. Die Frau kämpft, sie will die Wiedergeburt der Liebe. Es-Dur bedeutet auch Weihnachtsjubel, Weihnachtsfreude, Wiedergeburt des Lichts – passend zum Babushka-Märchen. Die Tragik des Schwellenübergang dagegen ist das es-Moll, es ist die Tonart des Verwelkens und Absterbens. Genau das bewirkt die Maskerade der Frau, sie verliert die Liebe ihres Mannes.
Typisch für „Babooshka“ sind diese schleichenden Übergänge von Es-Dur nach es-Moll. Dieser Übergang ist auch ganz charakteristisch für Wagners große Verrats-Oper „Götterdämmerung“. Es „bricht gleichsam ein großer Weltherbst herein, ein Welkwerden und Abfallen von vielem, was in der Menschenseele, im Menschenbewusst- sein der Vergangenheit einmal blühendes Leben war.“ [10].
Im Text zur wichtigsten dieser Stellen aus der „Götterdämmerung“ findet sich Folgendes [10]: „In langer Zeiten Lauf zehrte die Wunde den Wald; halb fielen die Blätter, dürr darbte der Baum; traurig versiegte des Quelles Trank: trüben Sinns ward mein Gesang“. Dies singt im Vorspiel der Götterdämmerung eine der drei Nornen, eine der nordischen Schicksalsgöttinnen – und ist es nicht so ähnlich wie das, was in „Babooshka“ geschieht?
Es gibt noch mehr Parallelen zwischen „Babooshka“ und der Götterdämmerung. Auch in der Oper geht es um Verrat, Täuschung und Maskerade. Göttervater Wotan reißt die Welt der Götter durch Verrat in den Abgrund. Siegfried betrügt seine geliebte Brünnhilde, als er die Erinnerung an sie durch einen Zaubertrank verloren hatte. Er nähert sich ihr in einer anderen Gestalt und erobert sie für einen Anderen. Näherung an den Geliebten in einer anderen Gestalt, Betrug – dies steht auch in großen Buchstaben über „Babooshka“. Vielleicht sind diese Dinge bei der Komposition mit eingeflossen, die Tonarten und Kernpunkte der Geschichte legen es mir nahe. Aber ich habe viel Fantasie und ich lese zu viel, man darf es ruhig auch Überinterpretation nennen. Vielleicht hat Kate Bush einfach nur ähnlich empfunden wie Richard Wagner – zwei genuine Komponisten begegnen sich.
„Babooshka“ ist ein Hit mit überraschend viel Tiefgang. Für mich hat er damals erst richtig die Begeisterung für Kate Bush geweckt. Der Inhalt ist traurig, aber die Coda endet im eher positiven Es-Dur – es geht vielleicht doch gut aus. Die Unsicherheit und Unaufgelöstheit aber bleibt. Auch Hit-Singles von Kate Bush behalten ihre Geheimnisse (und deswegen macht es auch so viel Freude, ihre Songs zu analysieren). © Achim/aHAJ

[1] https://en.m.wikipedia.org/wiki/Babooshka_(song) (gelesen 17.08.2018)
[2] NfE Interview – EMI (London)
[3] Peter Powell: Never for ever debut. Radio 1. 11.10.1980
[4] http://www.weihnachtsstadt.de/geschichten/sagen/babuschka-und-die.html (gelesen 17.08.2018)
[5] http://www.donaldswann.co.uk/pubchildren.html#children (gelesen 17.08.2018)
[6] https://de.m.wikipedia.org/wiki/Matrjoschka (gelesen 17.08.2018)
[7] Colin Irwin: „Paranoia and Passion of the Kate Inside“. Melody Maker. 04.10.1980.
[8] https://en.m.wikipedia.org/wiki/Sovay (gelesen 17.08.2018)
[9] „Kate Bush Complete”. EMI Music Publishing / International Music Publications. London. 1987.  S.62ff
[10] Hermann Beckh: Die Sprache der Tonart in der Musik von Bach bis Bruckner. Verlag Urachhaus. Stuttgart 1999.  S.124 und S.114f
[11] Phil Sutcliffe: „Labushka“. Sounds. 30.08.1980.

Sep 30 2018

How to be invisible erscheint am 6.12.18

Das Buch Kate Bush: How To Be Invisible wird bereits am 6. Dezember erscheinen (zumindest in England) und wird auf der Internetseite katebushbook.com beworben. Vorbestellbar ist es unter anderem bei amazon in England. Geplant ist eine gebundene Ausgabe mit von Kate ausgewählten Songtexten. Der Autor David Mitchell hat zudem eine Einführung für das Buch geschrieben. Mitchell hatte schon für die Before the Dawn-Konzerte mit Kate zusammengearbeitet und die Einführung zu The Ninth Wave geschrieben, die zu Beginn als Monolog zu hören ist. Zudem ist von Verlag eine exklusive „limited edition“ des Buches geplant.

Sep 06 2018

How to be invisible: Lyrics

Das Gerücht scheint sich zu bestätigen: Unter dem Titel „How to be invisible“ soll ein Buch von Kate Bush erscheinen – potenziell mit Songtexten. Das Buch wird bereits bei mehreren Anbietern samt ISBN-Nummer gelistet und ist für rund 20 Euro vorbestellbar. Als Erscheinungsdatum wird der 8. Januar 2019 angegeben. Das Buch wird vom Londoner Verlag Faber & Faber veröffentlicht. Auf deren Webseite fehlt aktuell aber noch eine entsprechende Ankündigung.

Sep 02 2018

Das Song-ABC: Snowflake

Es ist Nacht im Winter, man steht auf der Straße, die Schneeflocken fallen rings um einen herab, still und sanft, nur angestrahlt vom Licht der Straßenlaternen. Es erscheint so, als ob sie zu einem kommen. Wahrscheinlich hat jeder dann schon einmal die Arme ausgebreitet und den Kopf gehoben, in die fallenden Flocken geschaut. Für mich ist es eine meiner schönsten Kindheitserinnerungen. Ich spürte die Macht der Stille und der Natur.
Was wäre, wenn man mit einer dieser Flocken reden könnte? Was wäre, wenn eine dieser Flocken wirklich auf dem Weg zu einem wäre? Genau darum geht es in „Snowflake“ und vielleicht hatte Kate Bush ähnliche Gefühle und Fragen in einem Schneetreiben wie ich.
„Snowflake“ ist ein ganz ruhig gehaltenes Lied, es ist fast eine Meditation, ein Zwiegespräch, ganz intim und persönlich. Es „fallen weiche Pianoschläge wie Eiskristalle von Himmel, im Hintergrund suggeriert ein leiser Klangteppich die der Jahreszeit angemessene Kälte“ [1]. „Neben Bushs unaufgeregtem Sprechgesang ist ihr 13-jähriger Sohn zu hören, der mit gespenstisch-schönem Knabengesang den Weg der Schneeflocke zur Erde besingt“ [1]. Der Song ist in Abschnitte geteilt, die durch unterschiedliche musikalische Motive und Melodien gekennzeichnet sind. Diese Motive sind sehr kurz, es sind eher Farbakzente. Es gibt aber eine übergeordnete Einheit durch einheitliches Tempo und Grundstimmung, in die sich diese Motive einbetten.
In der Einleitung ertönt ein Klaviermotiv, das der Melodie aus „Night scented stock“ vom Album „Never for ever“ sehr ähnlich ist. Das hat mich ziemlich verblüfft, als es mir aufgefallen ist. Diese beiden Stücke haben auf den ersten (und auch zweiten) Blick nichts miteinander zu tun. Meine Vermutung ist, dass die Beschwörung einer geheimnisvollen Nachtstimmung das verbindende Element ist.
Nach der Einleitung beginnt es mit der Schneeflocke, die etwas über ihren Ursprung erzählt („I was born …“). Dazu ertönt ein kleines Motiv als Begleitung, das wie eine Fanfare anmutet, ein „schaut her, ich bin da“. Die Schneeflocke schildert dann in einer Art Sprechgesang, was sie auf ihrem Flug sieht. Zu diesen Schilderungen ertönt im Klavier ein hin und her schwingendes Motiv, das mit einer aufsteigenden Tonkette beginnt. Es klingt tänzerisch, schwebend. Dazu erklingen im Hintergrund ganz leise andere Instrumente, die das Klavier und die Stimme wie mit einem Schimmer umgeben. Dieser Schimmer ist dunkel, eher geheimnisvoll, ohne klare Tonalität oder Melodie. Ist es das Geheimnis der Winternacht? Sind es die Klänge einer fernen Welt, die durch den Schnee gedämpft wird?
Unterbrochen wird der Gesang der Schneeflocke durch wiederholte Anrufungen durch die Protagonistin („The world is so loud ….“). Sie sind gekennzeichnet durch ein weiteres Klaviermotiv. Es ist verwandt mit dem Begleitmotiv des Sprechgesang, da es mit einer ähnlichen aufsteigenden Tonkette beginnt (Sängerin und Schneeflocke sind seelenverwandt). Es klingt wie eine Antwort auf das Sprechgesang-Begleitmotiv, es ist ruhig, besänftigend. Die Stimme dazu ist wie ein Ruf in die Dunkelheit, verlässlich und sanft, ein stimmlicher Leuchtturm für die fallende Schneeflocke. Ab und zu mischen sich leise Gitarrentöne hinein und geben eine andere Färbung.
Ich frage mich, ob die Protagonistin die Schneeflocke wirklich hören kann. Ist ihr bewusst, dass die Schneeflocke mit ihr redet und auf dem Weg zu ihr ist? Neunmal wird der Ruf wiederholt, es ist (fast) immer der gleiche Text, er geht nicht auf die Schneeflocke ein. Zudem beginnt er mit „The world is so loud“ – übertönt die Welt die leisen Töne der Schneeflocke? Ich glaube, die Protagonistin ahnt die Anwesenheit, wünscht sie sich herbei – aber mehr nicht.
Die Schilderungen der Schneeflocke über ihren Weg vom Himmel herab werden durch Passagen unterbrochen, in denen sie ihr „Wesen“ erklärt, in aufsteigenden Tonsprüngen, immer höher und höher („I am ice …“). Dazu ertönt ein neues Motiv im Klavier, eine schwingende Tonfolge, schwer zu beschreiben, wie knisternder Schnee, wie fallendes Wasser. Die Melodie der Gesangsstimme wirkt dagegen wie ein Statement, eine Wesensäußerung. Die Flocke ist Eis und Staub, sie ist aber auch Licht und Himmel. Realität und Überirdisches kommen zusammen. Die Stimme springt jeweils zu diesen Worten in höchste Höhen, kennzeichnet die Schneeflocke als ein unwirkliches, vom Himmel kommendes Wesen.
In einigen Passagen verlässt die Schneeflocke den schildernden Sprechgesang und gibt mit einer weit schwingenden Melodie Einblick in ihr Inneres („My broken hearts ….“). Ihr Fühlen wird sichtbar. Dazu ertönt kurz zu Beginn ein weiteres Klaviermotiv, das ein bisschen aufgeregt klingt. Der Text ist hier mystisch, geheimnisvoll – so wie es vielleicht auch die Natur selbst ist.
Der „Ruf“ der Protagonistin ertönt neunmal und wird unterbrochen von den Schilderungen der Annäherung der Schneeflocke, die immer kürzer werden. In der ersten Schilderung der Schneeflocke heisst es „I want you to catch me“, in der letzten dann „Be ready to catch me“. Die in der Wolke geborene Schneeflocke hat sich den Menschen ausgesucht, der sie auffangen soll. Die Natur hat ein Ziel, die Schneeflocke als Verkörperung der Natur beginnt die Kommunikation. „Im Film würde man sagen, jetzt folgt Shot auf Gegenshot, Ich-Kamera der Schneeflocke vs. Ich-Kamera des Erdenbewohners […]“ [2]. Die beiden Protagonisten kommen sich immer näher, „was im Text dadurch signalisiert wird, dass der Refrain in immer kürzeren Abständen wiederkehrt – ein Ausdruck für steigende Erwartung, „keep falling“, komm schon, komm her, diese Welt ist zu laut, rette mich“ [2].
Ganz zum Schluss sind dann nur noch die dunklen, unbestimmten Töne der Nacht aus dem Hintergrund da. Kein Klavier mehr, der Song kommt zur Ruhe, die Schneeflocke ist gelandet. All das ist eine ruhige Meditation, über neun Minuten lang. Der Song ist komplexer, als er dem Zuhörer erscheint. Verschiedene einfache Motive kennzeichnen die Situationen des Songs. Darüber liegen Sprechgesang und sich einfügende, knappe Melodien. Alles für sich einfach, aber in der Kombination dann doch komplex, eingebettet in einen geheimnisvollen, träumerischen Schimmer.
„Snowflake“ thematisiert die Kommunikation zwischen Mensch und magischer Natur. Diese magische Natur tritt mit dem Menschen über mythische Wesen in Verbindung, das ist eines der Hauptthemen des Albums „50 words for snow“. Kate Bush war von dieser in einem Interview aufgebrachten Idee sehr angetan. „I like that, that’s lovely, yeah […] Someone else observed that a lot of the creatures are mythical, for want of another word, fantastical creatures – even a snowflake, if you think of it as a living thing.“ [3].
Dieser mystische Kontext in „Snowflake“ hat auch einen religiös-mystischen Subtext, das legt eine Textzeile nahe, die die Schneeflocke singt: „It’s midnight at Christmas“. Was hier von Himmel fällt an einem Weihnachtsabend, das ist vielleicht ein Engel, vielleicht ein Gottesgeschenk. Die Schneeflocke (gesungen vom Sohn von Kate Bush) kommt herab zur Protagonistin (Kate Bush) so wie in der Weihnachtsgeschichte der Sohn Gottes zu Maria.
Ich möchte das nicht überstrapazieren, aber mir fiel eine Ähnlichkeit des „I am ice and dust and light. I am sky and here“ mit dem „Vater unser“ auf: „Denn dein ist das Reich und die Kraft und die Herrlichkeit in Ewigkeit.“ Die Schneeflocke kommt aus dem Himmel, das „Vater unser“ beginnt mit „Vater unser der du bist im Himmel“. Für mich antwortet die aus dem Himmel kommende Schneeflocke auf dieses Gebet und offenbart ihre Göttlichkeit. Damit schließt sich der Bogen. Eine Winternacht im Treiben der Schneeflocken ist erfüllt von der Begegnung mit der mystischen, göttlichen Natur. Wenn man die laute Welt ausblendet, dann kann man hören, wie die Natur zu einem spricht. Sie spricht zu uns selbst in der kleinsten Schneeflocke. Wir sind ein Teil davon, wir sind eins. © Achim/aHAJ

[1] Martin Leute: „Exzentrisch, irritierend, schön: Kate Bush singt über den Schnee“. https://www.laut.de/Kate-Bush/Alben/50-Words-For-Snow-71922  (gelesen 18.07.2018)
[2] Tina Manske: Was sagt eigentlich die Uhr. http://morningfog.de/?p=109. (gelesen 14.07.2018)
[3] Andy Gill: „Kate Bush: The ice queen of pop returns“. The Independent. 18.11.2011